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Se muestran los artículos pertenecientes al tema CINE.

Muere Lauren Bacall, una leyenda de la época dorada de Hollywood

Lauren Bacall

 

Cuando Hollywood todavía se estaba recuperando de la noticia de la muerte del actor estadounidense Robin Williams, se conoció la noticia de que Lauren Bacall, una de las últimas leyendas vivas de la época dorada de la meca del cine, había fallecido a los 89 años en su residencia de Nueva York.

"Con gran pesar pero con una enorme gratitud por una vida maravillosa, confirmamos la muerte de Lauren Bacall", informaron este martes los familiares de la actriz en un mensaje publicado en las redes sociales.

 

A Bacall no sólo se la recordará por sus grandes dotes interpretativas y por su físico impresionante del que sobresalían su hipnotizante mirada y su sensual voz, sino también por haber formado junto al mítico Humphrey Bogart una de las parejas más recordadas de Hollywood, tanto dentro como fuera de la gran pantalla.

Ambos se conocieron en 1944 durante el rodaje de "Tener y no tener", de Howard Hawks, y contrajeron matrimonio un año después, formando una unión de la que nacerían dos hijos y que sólo se disolvería en 1957 con la muerte repentina por cáncer de Bogart, una pérdida de la que Bacall tardaría años en recuperarse.

¿Sabes silbar?

Nacida en el barrio neoyorkino del Bronx en 1924 bajo el nombre de Betty Joan Perske, el debut en el cine de Lauren Bacall, quien de adolescente había trabajado como modelo, se produjo cuando tenía 19 años precisamente en "Tener y no tener".

 

Ese filme contiene la inolvidable escena en la que la actriz, con su grave tono de voz, flirtea con Bogart, quien entonces tenía 44 años, diciéndole: "¿Sabes cómo silbar? ¿No es así Steve? Juntas los labios y soplas".

En los años siguientes Bacall apareció en otras tres películas junto a su esposo -"The Big Sleep" (1946), "Dark Passage" (1947) y "Key Largo"(1948)- al tiempo que la pareja se mantuvo activa en el plano político oponiéndose a la caza de brujas del Comité de Actividades Antinorteamericanas.

En 1953 Bacall trabajó junto a Marilyn Monroe y Betty Grable en "How to Marry a Millionarie" y en en 1954 desplegó en "Woman’s World" todo su glamur y sofisticación.

Humphrey Bogart la dejó viuda en 1957 con solo 32 años. Tras un sonado romance con Frank Sinatra se casó con Jason Robards Jr., con quien tuvo un hijo y del que se divorció en 1969 por los problemas de este con el alcohol.

Con el tiempo Lauren Bacall se refugió en su Nueva York natal y, mientras hacía papeles secundarios en el cine y la televisión, enfocó en su carrera en los escenarios de Broadway, logrando dos premios Tony por los musicales "Applause" (1970) y "Woman of the Year" (1981).

Sorpresa

 

No fue hasta 1997 que Bacall fue nominada al Oscar por primera vez gracias a la película "The Mirror Has Two Faces", dirigida por la también actriz Barbra Streisand.

Todo el mundo daba por hecho que se llevaría la estatuilla aunque finalmente, y para sorpresa de todos los asistentes a la ceremonia, fue la francesa Juliette Binoche quien logró el galardón.

La Academia de Hollywood finalmente le otorgó a Bacall un Oscar honorario en 2009 en reconocimiento a toda su carrera y por haber formado parte de una de las épocas doradas de la meca del cine.

En los últimos años la intérprete de origen judío apareció en papeles secundarios en películas destacadas como "Dogville" (2003) y "Manderlay" (2005), de Lars Von Trier, y "Birth" (2005), de Jonathan Glazer.

"Hemos perdido a un miembro de la realeza de Hollywood. Una de las últimas grandes estrellas. Una gran actriz de cine y teatro con una presencia irrepetible", asegura la veterana periodista estadounidense Jeanne Wolf, quien tuvo la oportunidad de conocer a Bacall en persona.

"Era única por su visceralidad. Por su voz grave y su gran estilo a la hora de vestir y de comportarse. En la gran pantalla podía parecer muy segura de si misma y distante pero no era así para nada. Era una persona muy divertida e interesante", señala Wolf en conversación con BBC Mundo.

"Siempre se la recordará por 'Tener o no tener'. La química que tenía en esa película con Humphrey Bogart es única y no hay duda de que la escena en la que le pregunta a Bogart si sabe silbar es una de las más recordadas de la historia del cine".

"Bogart y Bacall formaban la pareja más excitante de su época. Todo Hollywood giraba alrededor de ellos. Trabajaron con lo mejores directores e hicieron grandes películas y desgraciadamente él murió antes de tiempo", asegura Wolf.

Cerca de medio siglo después de la desaparición de Humphrey Bogart, Lauren Bacall se le ha unido en el panteón de los más grandes de la historia del celuloide.

 

 

 

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Murió James Garner, una leyenda del cine y la TV

 

 

 

LOS ÁNGELES, California, 21 de julio.- Pocos actores podían representar incredulidad, exasperación o molestia, con mayor sutileza cómica que James Garner, quien falleció el fin de semana a los 86 años.

Garner tenía una forma de abrir los ojos mientras su boca se combaba ligeramente hacia abajo. Este retrato de inquietud pasajera podía ser entendido e identificado con él, por el auditorio.

El actor era alto, musculoso y guapo, como corresponde a una estrella de cine. El personaje que perfeccionó fue siempre varonil, bueno con sus pares y encantador a las damas, pero su heroísmo se mantuvo a escala humana gracias a su don para el giro cómico. Era una persona del pueblo.

Garner, la ocurrente estrella de la serie de televisión Maverick,' y que tuvo una larga carrera en las pantallas grande y pequeña, fue hallado muerto por causas naturales en su casa de Brentwood, el sábado por la noche, dijo el domingo por la mañana el policía de Los Ángeles, Alonzo Iniquez.

Los agentes respondieron a una llamada en torno a las 8 de la tarde y confirmaron la identidad de Garner con miembros de la familia, explicó Iniquez.

Aunque actuó en producciones dramáticas y de acción, Garner era conocido sobre todo por su estilo ingenioso y discreto, especialmente en series de televisión como ``Maverick'' y ``The Rockford Files''.

Su mejor personificación de un hombre común, fue durante la serie de la NBC ``The Rockford Files'' (1974-1980). Interpretó a un detective privado de Los Ángeles, quien había sido erróneamente encarcelado.

En las décadas de 1980 y 1990, cuando la mayoría de las estrellas de su edad están retiradas, su carrera seguía fuerte. Interpretó un papel de reparto como el alguacil en ``Maverick'' una versión cinematográfica de la serie de TV, en la que Mel Gibson hacía el papel de Garner en la serie.

Su única nominación para un Oscar correspondió a su papel en la cinta de 1985 ``Murphy's Romance'', una comedia acerca de una relación amorosa en un pueblo pequeño, que fue coestelarizada por Sally Field.

 

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Fallece a los 96 años Joan Fontaine, la mítica protagonista de Rebecca

 

La actriz Joan de Hawilland, conocida como Joan Fontaine, falleció la noche de el domingo en su residencia de Carmel (California), a los 96 años, según informó su propia asistente, Susan Pfeiffer, a The Hollywood Reporter. La actriz, que nació en Japón el 22 de octubre de 1917, era hija del británico Walter Augustus de Hawilland y de la también actriz Lilian Augusta Ruse, conocida como Lilian Fontaine, además de hermana de Olivia de Hawilland, con la quien mantenía una tormentosa relación toda su vida. En 1919 se trasladó a San Francisco (EEUU), estudió Arte Dramático con el alemán Max Reinhardt, en Los Angeles, y debutó en el teatro a los 18 años en un pequeño papel en Kind Lady. En 1935, se inició en el cine con el seudónimo de Joan Burfield, en un pequeño papel en la película 'No más mujeres', de E.H.Griffith, y posteriormente adoptó el apellido de su madre, Fontaine.

A partir de ese momento intervino en varias películas en papeles importantes pero sin relieve, hasta que interpretó junto a Fred Astaire 'Señorita en desgracia', que le dio alguna notoriedad, aunque el salto definitivo a la fama le llegó de la mano del director Alfred Hitchcock, del que fue una de sus musas. En 1940 protagonizó 'Sospecha', junto a Cary Grant, bajo la dirección de Hitchcock, con la que obtuvo el Oscar a la mejor actriz en 1941, aunque siempre será recordada por protagonizar junto a Laurence Oliver la mítica película 'Rebecca', donde daba vida a la nueva mujer del viudo de una carismática mujer, y  tras la cual, en España comenzó a llamarse rebeca al tipo de chaqueta que luce la actriz durante el largometraje.

Desde entonces, los papeles de mujer con el corazón roto fueron su territorio y la llevaron a una nueva candidatura al Óscar por 'The Constant Nymph'. A partir Sin embargo, quedó encasillada en papeles de mujer tímida y dulce, por lo que poco a poco fue menos requerida. Fontaine fue también protagonista en la adaptación de Orson Welles del clásico 'Jane Eyre', de Charlotte Bronte. La actriz, que tiene una estrella en el paseo de la fama de Hollywood, será también recordada por filmes como 'September Affair', 'Ivanhoe' o 'Letter from an Unknown Woman'. Su última interpretación fue en 1966 en 'The Witches'. En 1978 publicó sus memorias, tituladas No fue un lecho de rosas, en el que cuenta su vida familiar y sentimental. Estuvo casada cuatro veces, con el actor Brian Aberne, con el productor cinematográfico William Doziers, con el productor Collier Young y con el periodista Alfred Wright. Aunque sin duda, el aspecto de su vida privada que más dio que hablar fue la fuerte rivalidad que mantenía con su hermana, Olivia de Havilland ('Gone With the Wind'), a la que arrebató el Óscar de mejor actriz en 1942. Fontaine y Havilland, que tiene 97 años y vive en París, nunca se llevaron bien, pelearon por papeles protagonistas en Hollywood y protagonizaron sonados desaíres.

Tras 15 años de ausencia, reapareció en 1981 en 'All by myself', de Charles Blackwood. En 1985 trabajó como protagonista en la serie televisiva 'Dark Mansions' y en 1990 apareció en el canal American Moviei Classics contando anécdotas de Hollywood. Fontaine era piloto de avionetas y una experta chef culinaria.

 

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Fallece a los 81 años el veterano actor Peter O'Toole

 

El actor británico de origen irlandés Peter O'Toole falleció este domingo en Londres a los 81 años de edad, según su agente, Steve Kenis.  O'Toole pasará a la historia del cine por su versatilidad, sus magnéticos ojos azules y su magistral interpretación del coronel T.E. Lawrence en Lawrence de Arabia (1962).

"Era único en el mejor sentido y un gigante en su campo", destacó su agente. El actor falleció este sábado en el hospital de Wellington, en la capital británica, tras sufrir una larga enfermedad, según apuntó Kenis, que no dio más datos sobre las causas de la muerte de O'Toole. De personalidad extrovertida y alegre pero también díscolo y combativo, O'Toole dio sus primeros pasos en el mundo interpretativo como actor de teatro encarnando papeles de Shakespeare para dar el salto a televisión en 1954 y debutar en el cine, en 1959, como actor de reparto en un film menor, Kidnapped. De padre irlandés y madre escocesa, su fecha y lugar de nacimiento siempre han estado rodeados de una cierta imprecisión, y si bien algunas fuentes aseguran que nació en Connemara (Irlanda), para otros es oriundo de Leeds (norte de Inglaterra).

Frente a esa ambigüedad, el propio O'Toole aceptaba como fecha válida de su nacimiento el 2 de agosto de 1932. Su versatilidad y talento natural para meterse en la piel de personajes especialmente complejos es ampliamente reconocido. Sin embargo, O'Toole pasará a la historia por su colosal interpretación del controvertido coronel británico T.E. Lawrence en Lawrence de Arabia (1962), la obra maestra de David Lean, donde regaló una de las mejores interpretaciones que se han visto en la gran pantalla. La magia interpretativa que derrochó O'Toole dando vida al polémico héroe inglés que luchó en el frente turco en la I Guerra Mundial sobrepasó las expectativas, teniendo en cuenta que su elección llegó un poco de rebote, después de que Marlon Brando y Albert Finney hubieran rechazado ese papel. La profunda implicación del actor en ese proyecto le llevó, incluso, a vivir con un beduino más por los desiertos de Jordania y Marruecos —dos de los países donde se rodó la cinta—, y varios beduinos que conocieron en vida al verdadero "Aurens" llegaron a decir que el irlandés había traído de vuelta al desierto al auténtico coronel. El filme, un alegato anticolonialista que ganó 7 Oscar, incluido el de "mejor película" —si bien fue Gregory Peck el que se llevó el de mejor actor por Matar un ruiseñor—, fue un claro referente interpretativo y argumental en su época y continúa siendo uno de los grandes clásicos de la historia del cine. Llegarían otros proyectos de relevancia como La Noche de los Generales (1966) o El Hombre de la Mancha (1972), si bien ninguna de sus otras películas lograría superar el arrollador éxito de Lawrence de Arabia. Ocho intentos por el Oscar El Óscar se le resistió en ocho ocasiones. En 2003, llegó a plantearse rechazar el premio honorífico de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de EE.UU. a toda su carrera pues aún sentía que podía lograrlo en competición. Fuera del universo interpretativo, O'Toole maltrató su salud con una confesa adicción al alcohol y esa dependencia del whisky le situó en 1976 al borde de la muerte, cuando le tuvieron que extirpar parte del estómago y el intestino. Como resultado de esos avatares, su páncreas resultó gravemente dañado y pasó a depender de la insulina.

Ocho intentos por el Oscar El Óscar se le resistió en ocho ocasiones. En 2003, llegó a plantearse rechazar el premio honorífico de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de EE.UU. a toda su carrera pues aún sentía que podía lograrlo en competición. Fuera del universo interpretativo, O'Toole maltrató su salud con una confesa adicción al alcohol y esa dependencia del whisky le situó en 1976 al borde de la muerte, cuando le tuvieron que extirpar parte del estómago y el intestino. Como resultado de esos avatares, su páncreas resultó gravemente dañado y pasó a depender de la insulina.

Entre otros tropezones de salud con los que tuvo que lidiar, también sufrió una enfermedad en la sangre de la que posteriormente se recuperaría. En 1979, cuando parecía que su carrera interpretativa había perdido fuelle, participó en Calígula, con Malcolm McDowell y Helen Mirren, y volvió a implicarse en otros proyectos comerciales hasta que El último emperador, de Bernardo Bertolucci, y Troya le devolvieron de nuevo a la primera línea interpretativa. En 2006, recibió una candidatura como mejor actor dramático en los Globos de Oro y quedó muy cerca de obtener, al fin, un Oscar en 2007 por su papel en Venus, un rodaje en el que se fracturó la cadera. El anuncio de su retirada el 11 de julio de 2012 tomó por sorpresa al mundo del celuloide. En un comunicado, su publicista explicó que el intérprete se había quedado "sin aliento" y que no volvería. Reacciones a su muerte La confirmación de su fallecimiento no ha tardado en desatar un reguero de reacciones en las redes sociales y Twitter se ha llenado de mensajes de admiradores y colegas de gremio que han lamentado la pérdida de uno de los grandes del cine británico. Por su parte, uno de los grandes amigos del irlandés, el también actor John Standing, se confesó en "shock" y rememoró "la gran capacidad para divertirse" que tenía O'Toole, a quien definió como "muy, muy salvaje" cuando trabajaba y un hombre que "se tomaba muy en serio su trabajo". "Adoro a Peter, era el padrino de mi hija y un actor único, original, nos lo pasamos genial juntos", dijo Standing a la BBC. Ante esos mensajes, la hija de O'Toole, Kate, ha querido mostrar el agradecimiento de la familia: "Apreciamos mucho y estamos totalmente abrumados por el cariño expresado hacia él y hacia nosotros en esta época infeliz".
"A su debido tiempo, habrá un servicio de tributo lleno de canciones y ánimo, como a él le habría gustado", agregó Kate O'Toole, que hasta que llegue ese momento ha pedido "respeto" y que les permitan "llorar en privado". El primer ministro británico, David Cameron, expresó en su cuenta de Twitter sus condolencias, añadiendo que Lawrence de Arabia era "mi película favorita":

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Burt Lancaster. Biografia, filmografia y fotos

 



BURT LANCASTER 
(1913-1994)

Medía 1'85.
Identificado por lo general con personajes aventureros, Burt Lancaster protagonizó todo tipo de géneros cinematográficos, convirtiéndose en una de las principales estrellas de todos los tiempos gracias a su extensa carrera.

Burton Stephen Lancaster nació el 2 de noviembre de 1913 en Nueva York (Estados Unidos), hijo de un cartero y de una ama de casa.

Gracias a su físico atlético, Burt se unió a un espectáculo circense. Allí coincidiócon su amigo Nick Cravat y su primera esposa June Ernst y mostró sus óptimas aptitudes acrobáticas que con posterioridad exhibió en parte de sus actuaciones cinematográficas.

En 1935 contrajo matrimonio con la citada June Ernest, unos años antes de incorporarse al ejército para acudir a la Segunda Guerra Mundial, época en la que comenzó a aficionarse a la interpretación actuando para sus colegas de uniforme.

Tras el conflicto bélico, Burt logró debutar en el cine protagonizando "Forajidos" (1946), una obra maestra del cine negro dirigida por Robert Siodmak co-protagonizada por Ava Gardner.

El mismo año de su debut se dirvorció de June Ernst y se casó con la actriz Norma Anderson.

De carácter independiente, Burt no se dejó manejar por los magnates de la industria de Hollywood.

En 1948 fundó junto a Harold Hetch su propia productora, Norma Productions, que se rebautizó como Hetch-Hill-Lancaster cuando se incorporó James Hill a la empresa.

Antes del fin de la década Burt protagonizó películas como "Fuerza bruta" (1947) de Jules Dassin, "All my sons" (1948) de Irving Reis, "Voces de muerte" (1948) de Anatole Litvak, "El abrazo de la muerte" (1949) de Siodmak, o "Soga de arena" (1949), cinta dirigida porWilliam Dieterle.

Los años 50 consagraron a Lancaster como una de las principales figuras de Hollywood gracias a títulos como "El halcón y la flecha" (1950) de Jacques Tourneur, "Come back, little Sheba" (1952) de Daniel Mann, "El temible burlón" (1953) otra colaboración con Siodmak, "De aquí a la eternidad" (1953) de Fred Zinnemann, "Apache" de Robert Aldrich, "Veracruz" con Aldrich en la dirección de nuevo, "La rosa tatuada" (1955) de Daniel Mann, "El farsante" (1956) de Joseph Anthony, "Trapecio" (1956) de Carol Reed, "Duelo de titanes" (1957) de John Sturges, "Chantaje en Broadway" (1957) de Alexander Mackendrick, "Torpedo" (1958) de Robert Wise, "Mesas separadas" (1958) de Delbert Mann o "El discípulo del diablo" (1959) de Guy Hamilton.

El actor de amplia y atractiva sonrisa consiguió su primera nominación al Oscar gracias a su papel en "De aquí a la eternidad".

En los años 50 también se atrevió con la dirección con "El hombre de Kentucky" (1955), repitiendo tal tarea dos décadas después con "El hombre de la medianoche" (1974).

Al margen de su faceta como actor y director, Burt triunfó como productor, en especial con "Marty" (1955), un drama dirigido por Delmer Daves y protagonizado por Ernest Borgnine

Con "El fuego y la palabra" (1960) de Richard Brooks, Burt consiguió su único Oscar al mejor actor.

"Los que no perdonan" (1960) de John Huston, "Vencedores o vencidos" (1961) de Stanley Kramer o "Los jóvenes salvajes" (1961) de John Frankenheimer, volvieron a ofertar interpretaciones memorables del intérprete neoyorquino.

Con Frankenheimer, director de “Los jóvenes salvajes”, Burt inició una asociación artística que prosiguió con "El hombre de Alcatraz" (1962), película por la que fue nominado al Oscar, "Siete días de mayo" (1964), "El tren" (1965) y "Los temerarios del aire" (1969).

Además de sus trabajos con Frankenheimer, Lancaster protagonizó películas destacadas durante los años 60 y 70, como "Ángeles sin paraíso" (1963) de John Cassavettes, "El Gatopardo" (1963) de Luchino Visconti, "El último de la lista" (1963) de John Huston, el western cómico con Lee Remick "La Batalla De Las Colinas Del Whisky" (1965), "Los Profesionales" (1966) de Richard Brooks, "El Nadador" de Frank Perry, "En nombre de la ley" (1971) de Michael Winner, "La venganza de Ulzana" (1972) de Aldrich, o "Novecento" (1977), film histórico dirigido por Bernardo Bertolucci.

En la última etapa de su carrera profesional intervino en excelentes películas como "Atlantic City" (1980) de Louis Malle, película por la que obtuvo su última nominación al Oscar, o la británica "Un tipo genial" (1983), título dirigido por Bill Forsyth.

Aquejado de problemas de salud, Lancaster se retiró del mundo del cine (su último film fue "Campo de sueños"), falleciendo el 20 de octubre de 1994 en California.

Tenía 80 años y tres años antes se había casado con la productora de televisión Susan Martin tras su divorcio con Norma Anderson en 1969. Con esta última tuvo a sus cinco hijos: Bill, James, Susan, Joanna y Sighle.

Películas criticadas en ElCriticón-AlohaCriticón

Forajidos (1946)
El halcón y la flecha (1950)
El temible burlón (1952)
De aquí a la eternidad (1953)
Veracruz (1954)
Duelo de titanes (1957)
Vencedores o vencidos (1961)
Los profesionales (1966)
El nadador (1968)
Camino de venganza (1968)
Scorpio (1973)
Un tipo genial (1983)

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LOS YANKEES SALVARON AL JOVEN RAY NEGRÓN

Juan Vené en la pelota

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CORAL GABLES (VIP-WIRE).-

“Cuando oramos hablamos con Dios, más cuando leemos es Dios quien habla con nosotros”… San Agustín.-

Una mañana muy fría, aquel jovencito de 16 años, y pinta de delincuente, garabateaba letreros de protesta con spray rojo sobre un costado de Yankee Stadium. Era abril de 1974, cuando estaba de moda el graffiti.

George Steinbrenner, propietario de los Yankees desde el año anterior, iba rumbo a las oficinas en su lujoso automóvil, cuando vio al muchacho. Ordenó al chofer detener el vehículo, e ir junto con Eddie, su guarda espaldas, a traérselo.

El joven estaba desaseado, maloliente y cubierto con un asqueroso y destrozado abrigo ya sin color propio. Pero lo sentó a su lado, y solo le dijo…: “Seguramente sabes que pintar letreros por ahí es un delito”.

Lo mandó a recluír en la celda que tenía el viejo Yankee Stadium para guardar a quienes delinquían durante los juegos, mientras eran enviados a la policía. Y poco después le hizo llegar un abundante desayuno.

Al comenzar la tarde, Negrón fue llevado al clubhouse de los Yankees, donde otra vez se encontró con Steinbrenner, quien le ordenó…:

¡Báñate, allá están las duchas, te pones este uniforme y atiendes las instrucciones que te van a dar!”.

Desde ese momento, Ray Negrón, el casi delincuente juvenil del Bronx, fue bat boy de los Yankees. Poco después George lo envió a estudiar, y desde entonces estuvo siempre a su lado en plan de consejero y de intérprete, porque, como hijo de puertorriqueños, habla tan bien el inglés como el castellano.

Ray fue encagado de la rehabilitación y vigilancia de Dwight Gooden y Darril Strawberry cuando jugaron para los Yankees.

Y de pronto, Ray decidió escribir. Y lanzó un libro acerca de la filosofía del beisbol en la vida de los niños.

Ahora se ha unido a un nombre de best sellers, Sally Cook, para lanzar en septiembre “Yankees Miracles”, la historia de Ray Negrón.

Me dice mi amigo, Joe Favorito, quien conoce el texto…: “Este libro es la antítesis de Ball Four o de The Bronx Zoo. No es sobre escándalos sexuales o esposas traicioneras, ni uso de drogas o esteroides. Solo la experiencia de alguien que tuvo una segunda oportunidad dentro del beisbol”.

RETAZOS… ** Por supuesto que en “Yankees Miracles”, Ray y Sally cuentan anécdotas de Billy Martin, Reggie Jackson, Thurman Munson, Mickey Mantle, Bobby Murcer, Catfish Hunter, Alex Rodríguez, Derek Jeter, Gooden, y la viuda de Lou Gehrig… ** PERO lo más importante es que Negrón se ha convertido en un líder de los niños y adolescentes necesitados de ayuda, y lo califican de muy dinámico. Ha rescatado en silencio generaciones enteras de muchachos que iban camino a la cárcel o a una tempranera muerte… ** HE SIDO amigo de Ray durante décadas, lo que ha resultado para mí un placer además de un orgullo. Ahora, cuando aparece su nueva obra, nada más puedo esperar que sea un best seller…

Gracias a la vida que me ha dado tanto, incluso un lector como tú.

Jbeisbol5@aol.com

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El Cisne Negro / Cronica

Black Swan (conocida en español como El cisne negro o Cisne negro) es una película estadounidense de suspense psicológico dirigida en 2010 por Darren Aronofsky. Está protagonizada por Natalie Portman, Vincent Cassel y Mila Kunis. La primera, ganadora del Óscar, el Globo de Oro y el Premio de la Asociación de Críticos y Guionistas estadounidenses por su actuación en este filme. Además, el filme obtuvo nominaciones a los BAFTA y a los Globos de Oro en la categoría de mejor película.La historia habla de dos bailarinas de ballet en una producción de El lago de los cisnes en la ciudad de Nueva York. Como requisito de la obra, es necesario que una bailarina interprete al mismo tiempo tanto al inocente Cisne Blanco como al no tan inocente Cisne Negro. Nina (Portman) es adecuada para el primero mientras Lily (Kunis) para el segundo. Nina es designada para protagonizar la puesta en escena y con ello ambos papeles. La película aborda todas las acciones que Nina realizará para convertirse en el Cisne Negro.Aronofsky concibió la premisa al conectar su visión de El lago de los cisnes con un guion trunco sobre actores reemplazantes y la noción de ser acechado por un doble. El director también consideró a Black Swan como una pieza compañera a su film anterior El luchador, con ambas cintas envueltas en logradas interpretaciones de los distintos tipos de arte. Portman y él discutieron el proyecto por primera vez en 2000 y luego de un corto compromiso con Universal Pictures, Black Swan fue producida en Nueva York en 2009 bajo Fox Searchlight Pictures. Portman y Kunis tuvieron entrenamiento de ballet durante meses. Figuras notables del mundo de la danza ayudaron a la producción a formar la presentación del ballet. La cinta se presentó como la apertura del 67º Festival Internacional de Cine de Venecia el 1 de septiembre de 2010. La película tuvo un lanzamiento limitado el 1 de diciembre de 2010.
Nina Sayers (Natalie Portman) es una joven bailarina de una prestigiosa compañía de ballet de Nueva York. Ella vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina retirada y terriblemente manipuladora que la sigue tratando como a una niña de 10 años.La compañía de ballet se está preparando para una nueva producción del Lago de los Cisnes. El director, Thomas Leroy (Vincent Cassel), decide escoger una nueva bailarina para el papel protagónico ya que considera que su bailarina principal actual, Beth MacIntyre (Winona Ryder) ya no llama tanto la atención. La protagonista debe ser capaz de interpretar tanto al inocente Cisne Blanco como al malvado Cisne Negro. Nina es seleccionada para competir por el papel junto con otras bailarinas. Después de que su audición es duramente criticada, además de interrumpida por la chica nueva, Lily (Mila Kunis), Nina visita a Thomas para pedirle que reconsidere darle el papel. Él le dice que su manera de bailar sistemática y delicada la hace ideal para el Cisne Blanco, pero que le falta la pasión y la soltura del Cisne Negro. A continuación, fuerza un beso con ella hasta que consigue que lo muerda. Más tarde, ella es elegida para ser la Reina Cisne. Una intoxicada Beth se enfrenta airada a Thomas y Nina, por el asunto y más tarde es atropellada por un automóvil que destroza sus piernas y Thomas cree que fue un intento de suicidio.Nina comienza a presenciar sucesos extraños a su alrededor. Thomas, por su parte, se vuelve cada vez más crítico por el baile "frígido" de Nina como el Cisne Negro y le dice que debe dejar de ser tan perfeccionista y simplemente perderse en el papel. Más tarde conoce a Lily, quien resulta ser todo lo contrario a Nina, además de ser descripta por Thomas como talentosa y abierta al bailar, por lo que Nina empieza a verla como una amenaza. La relación entre ambas bailarinas no empieza bien debido a las indiscreciones de Lily, pero para compensarlo, ésta llega a casa de Nina y la invita a una noche de fiesta. Nina se niega en un principio pero decide irse cuando su madre interviene. Durante la velada, Lily le ofrece a Nina una cápsula de éxtasis. Al regresar al apartamento completamente perdida, Nina tiene otra pelea con su madre, se encierra en su habitación y tiene relaciones sexuales con Lily. A la mañana siguiente, Nina se despierta sola y tarde para el ensayo. Cuando llega al estudio, se encuentra a Lily bailando como la Reina Cisne. Furiosa, se enfrenta a Lily y le pregunta por qué no la despertó en la mañana. Lily, extrañada, le dice que pasó la noche con un hombre a quien conoció en el club, y se revela que Nina se imaginó todo el episodio del sexo.Las alucinaciones de Nina empeoran durante los ensayos y en su casa, que culmina en una violenta pelea con su madre y después se desmaya. Preocupada por el comportamiento errático de Nina, su madre trata de impedirle que asista al estreno pero Nina fuerza su camino a través de ella e insiste en que sí puede bailar. Lily y Thomas se desconciertan al verla llegar, pues Erica había llamado diciendo que estaba enferma.El primer acto va bien hasta que Nina se distrae debido a una alucinación y el príncipe la deja caer. Angustiada, ella regresa a su camerino y se encuentra a Lily vestida como el Cisne Negro. Cuando Lily le anuncia burlonamente que su intención es bailar como el Cisne Negro, Nina se enfurece y empuja a Lily contra un espejo haciéndolo añicos. Lily trata de defenderse, pero Nina alcanza un trozo de vidrio y apuñala a la chica en el estómago, matándola. Nina esconde el cuerpo, vuelve a los escenarios, e interpreta al Cisne Negro con pasión y sensualidad. De pronto su cuerpo se cubre de plumas negras, sus brazos se convierten en alas a medida que baila y finalmente se transforma en un cisne negro. Al final del acto, recibe una gran ovación de la audiencia. Cuando sale del escenario, el resto del elenco la felicita por su impresionante rendimiento, al igual que Thomas. Nina lo toma por sorpresa y lo besa apasionadamente.De vuelta en su camerino preparándose para el acto final, la muerte del Cisne Blanco, alguien golpea en su puerta. Ella la abre y sorpresivamente ve a Lily, que ha venido a felicitarla muy emocionada por su actuación como el Cisne Negro. Nina se da cuenta que su pelea con Lily, al igual que todas las extrañas visiones que había experimentado, eran alucinaciones, pero ve que el espejo sigue destrozado. Baja la vista a su estómago y encuentra una profunda herida: se apuñaló a sí misma. Vuelta en el escenario, baila con pasión y sin problemas como el Cisne Blanco. En los últimos momentos del ballet, cuando el Cisne Blanco se arroja por un precipicio, ella ve a su madre llorando en la audiencia. El teatro estalla en aplausos mientras Nina cae. Cuando Thomas y el resto del elenco la felicitan con entusiasmo por su desempeño, Lily grita horrorizada al ver que Nina está herida. Thomas manda a alguien por ayuda. A medida que Nina se desangra la película termina con su mirada fija en las luces del escenario, susurrando: "Lo sentí - Perfecto - Fue perfecto", a medida que la pantalla se funde a blanco y el público canta su nombre.Elenco
Natalie Portman como Nina Sayers.Vincent Cassel como Thomas Leroy.Mila Kunis como Lily.Barbara Hershey como Erica Sayers.Winona Ryder como Beth MacIntyre.Aronofsky habló con Portman sobre la posibilidad de una película sobre ballet en el año 2000 y se encontró con que ella estaba interesada en interpretar a una bailarina de ballet. Portman explicó el ser parte de Black Swan, "Estoy tratando de encontrar papeles que demanden más adultez de mi parte porque te puedes quedar atorada en un horrendo estereotipo como una bonita mujer en el cine, especialmente siendo una persona tan pequeña. Ella también presentó a Aronofsky y Kunis, a quien conocía desde la película de 2008 Forgetting Sarah Marshall.2 Kunis comparó a Lily con Nina, "Mi personaje es muy suelto... no es tan buena técnicamente como el personaje de Natalie, pero tiene más pasión, naturalmente. Eso es lo que le falta a Nina. Los personajes femeninos son dirigidos en El lago de los cisnes por Thomas Leroy, interpretado por Cassel. Él comparó su personaje con George Balanchine, quien co-fundó el Ballet de la Ciudad de Nueva York y era "un obsesivo del control, un verdadero artista usando la sexualidad para dirigir a sus bailarines".Portman y Kunis empezaron un entrenamiento de seis meses antes de comenzar a filmar para dar una imagen física de bailarinas. Portman lo hacía por cinco horas diarias haciendo ballet, ejercicio físico y natación. Unos meses cerca del rodaje, comenzó entrenamiento coreográfico. Kunis hizo lo propio con ejercicios aeróbicos y Pilates. Dijo, "Hice ballet cuando era niña como cualquiera lo hace. Usas un tutú y subes a escena luciendo muy linda y simpática. Pero esto es muy distinto porque no puedes simularlo. No puedes simplemente pararte allí y simular que sabes lo que haces. Todo tu cuerpo debe tener una estructura diferente." Georgina Parkinson, una profesora de ballet del American Ballet Theatre, entrenó a los actores en esta disciplina. Para escenas específicas, las bailarinas profesionales del American Ballet Theatre Sarah Lane y Maria Riccetto fueron las "dobles de baile" de Portman y Kunis respectivamente.10 Aronofsky dijo, durante la filmación, de la actuación de Portman, "fue capaz de lograrlo. Excepto las tomas en las que tenía que estar "en punta" por mucho tiempo, siempre es ella en la pantalla. No usé mucho a su doble.Benjamin Millepied, un bailarín principal del New York City Ballet debutó en Black Swan tanto como actor como coreógrafo. Además de las interpretaciones de solísta, miembros del Pennsylvania Ballet fueron elegidos como el cuerpo de baile.6 También aparecen Kristina Anapau, Toby Hemingway, Sebastian Stan y Janet Montgomery.
ConcepciónDarren Aronofsky se interesó en el ballet por primera vez cuando su hermana estudiaba danzas en la High School of Performing Arts en Nueva York. La idea básica para el comenzó cuando contrató guionistas para rearmar un guion llamado The Understudy (El actor suplente), que trataba sobre actores de off-Broadway y exploró la noción de ser acechado por un doble. Aronofsky dijo que el guion tenía elementos de los films All About Eve de Joseph L. Mankiewicz y El inquilino de Roman Polanski y la novela El doble de Fiodor Dostoevski. El director también había visto numerosas producciones de El lago de los cisnes y conectó en su guion la dualidad del Cisne Blanco y del Cisne Negro. Al investigar para la producción de Black Swan se encontró con que el ballet es un "mundo muy aislado" en el que los bailarines no "se impresionaban con películas". Sin embargo, encontró bailarines activos e inactivos que compartieran con él sus experiencias. Además estuvo tras bambalinas para ver al ballet del Teatro Bolshói en una presentación en el Lincoln Center.Aronofsky llamó a Black Swan una pieza compañera de su film anterior El luchador, recordando uno de sus tempranos proyectos acerca del romance entre un luchador y una bailarina. Eventualmente separó ambos mundos al ser "demasiado para una sola película". Comparó a los dos films: "Algunos consideran a la lucha como el arte más bajo -si es que lo llaman arte- y al ballet algunos lo consideran el arte más elevado. Pero era asombrosa para mí la similitud que tienen los intérpretes en cada uno de esos mundos. Ambos hacen un uso increíble de sus cuerpos para expresarse. La actriz Natalie Portman comparó la naturaleza de thriller psicológico con el film Rosemary's Baby (1968) de Polanski mientras que Aronofsky dijo que Repulsión (1965) y El inquilino (1976) (ambas de Polanski) fueron "grandes influencias" en la cinta.2 Vincent Cassel también comparó a Black Swan con los primeros trabajos de Polanski y además con los de David Cronenberg. Al igual, el filme tiene muchas semejanzas con la película de animación japonesa Perfect Blue de Satoshi Kon. Aronofsky compró los derechos de la película japonesa para poder tomarla de inspiración para sus obras, como Réquiem por un sueño

Aronofsky y Portman discutieron acerca de un film de ballet en 2000, aunque el guion no estaba aún escrito. Él le dijo acerca de la escena de amor entre las bailarinas competidoras y Portman recuerda, "Pensé que eso era muy interesante porque esta película es, en muchas formas, una exploración del ego de un artista y esa especie de atracción narcisista para consigo mismo que es al mismo tiempo repulsión. En la década en la cual la producción esperaba, ella dijo que "El hecho de que haya esperado tanto tiempo con esta idea... me dejó marinarla un poco antes de filmar. Black Swan comenzó a desarrollarse en 2007 cuando Aronofsky le propuso algo detallado a Universal Studios luego de haber lanzado La fuente de la vida y planearon apurar el proyecto. Cuando terminó con El luchador en 2008, le propuso a Mark Heyman, con quien había trabajado en el film, si podía escribir Black Swan.2 En junio de 2009, Universal había puesto en venta los derechos generando la atención de otros estudios y divisiones especiales, particularmente con Portman involucrada. Black Swan comenzó, entonces, a desarrollarse bajo Protozoa Pictures y Overnight Productions, siendo la última la financiadora. En julio de 2009, Mila Kunis fue contratada en el papel principal de la rival de Portman.En noviembre de 2009, cuando Overnight Productions ya no estaba envuelta, Fox Searchlight Pictures ingresó como la co-financiadora y distribuidora de Black Swan. El film obtuvo la aprobación de un presupuesto de U$S10-12 millones y la filmación comenzó en Nueva York hacia el final de 2009. Aronofsky filmó Black Swan con pocos recursos y estilo granuloso para que sea similar a El luchador. Parte del rodaje se desarrolló en el Centro Artístico de la Universidad Estatal de Nueva York en Puchase.6 La banda sonora fue compuesta por Clint Mansell, colaborador durante años de Aronofsky, que la armó usando elementos de El lago de los cisnes

Black Swan tuvo su estreno mundial en la apertura del 67º Festival Internacional de Cine de Venecia el 1º de septiembre de 2010. Recibió una ovación de pie que, según la revista Variety fue "una de las más fuertes de las que se recuerdan en Venecia". El director artístico del festival, Marco Mueller había elegido Black Swan por sobre The American (protagonizada por George Clooney) como film de apertura diciendo, "era la mejor opción... Clooney es un maravilloso actor y siempre será bienvenido en Venecia. Pero fue tan simple como eso".Black Swan se exhibió en la competencia y es el tercer film consecutivo de Aronofsky en el festival, luego de La fuente de la vida y El luchador. Además, Black Swan fue una de las siete cintas nominadas para el premio Queer Lion que se entrega al mejor film con "temática y cultura homosexuales".Black Swan fue presentada como adelanto en el Festival de Cine de Telluride, Colorado, el 5 de septiembre de 2010. También tuvo una proyección de gala en el 35º Festival Internacional de Cine de Toronto más tarde ese mes. En octubre de 2010, Black Swan será parte de la selección para el Festival de Cine de Nueva Orleans.33 Durante el mismo mes el film será proyectado en el Festival de Cine de Austin.La película tendrá un lanzamiento limitado en ciudades selectas de Estados Unidos y Canadá el 1º de diciembre de 2010.35 Hará lo propio en el Reino Unido el 11 de febrero de 2011. De acuerdo con el periódico The Independent, el film es uno de los "más anticipados" de finales de 2010. Lo comparó con la cinta de ballet de 1948 Las zapatillas rojas al tener "una calidad abrumadora... de una bailarina consumida por sus deseos de bailar".

En el sitio Rotten Tomatoes posee un 87% de aceptación por parte de los críticos, basado en 261 comentarios. Mientras en el sitio Metacritic, su aprobación llega al 79%, basado en 42 comentarios.38 Entertainment Weekly escribió que basados en las críticas de la proyección en el Festival de Venecia, "[Black Swan] ya es una de las películas del año que más causará amor/odio". Reuters describió la temprana respuesta al film como "altamente positiva" y la actuación de Portman muy elogiada.Mike Goodridge de Screen Daily llamó a Black Swan "alternativamente perturbadora y excitante" y la describió como un híbrido entre The Turning Point y las películas de Polanski Repulsión y Rosemary's Baby. Goodridge calificó la actuación de Portman, "[Ella] es cautivadora como Nina... captura la confusión de una jovencita reprimida al ser tirada a un mundo de peligros y tentaciones, con una veracidad estremecedora." El crítico también elogió a Cassel, Kunis y Hershey en sus roles secundarios, particularmente comparando a Hershey con Ruth Gordon en el papel de la "madre celosa y desesperada". Goodridge alabó la fotografía de Libatique en las escenas de danza y en las psicológicamente "alteradoras": "es un viaje psicológico hiptónico que se yerga a lugares gloriosos con el intento de Nina por dar una performance perfecta."Kirk Honeycutt de The Hollywood Reporter tuvo menos elogios para el film. Escribió, "[Black Swan] es un instantáneo placer, hermosamente filmada, una película visualmente compleja cuya parte mala es justamente lo que la hace buena. El espectador puede alabar la fina audacia de mezclar enfermedades mentales con el desgastante rigor físico y mental del ballet, pero sus morbosas imágenes y la agresiva competencia entre dos bailarinas rivales son bastante irresistibles". Honeycutt comentó acerca de la suntuosa coreografía de Millepied y el "agudo y tejido" trabajo de cámara de Libatique. El crítico dijo de la mezcla temática, "Aronofsky... nunca logra maridar los elementos del género al mundo del ballet... La dinámica de Cisne Blanco/Cisne Negro casi funciona, pero el sinsentido de película de terror arrastra todo al pozo de lo ridículo."

Sarah Lane, la bailarina que ejerció como doble de cuerpo de Portman, resta importancia al Oscar de la actriz porque dice que tan sólo el 5% de las escenas de baile eran de Natalie.Es imposible que en 1 año se aprenda lo que yo hice durante 21

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