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Se muestran los artículos pertenecientes al tema MUSICA.

Recordando la Orquesta de César Concepción



La Orquesta César Concepción llevó la plena a los salones de baile en Puerto Rico y Nueva York.

La agrupación llevó la plena a los salones de baile en Puerto Rico y Nueva York.

Corría la década los 40 y los salones de baile en Puerto Rico eran cada vez más populares. Era el tiempo de las grandes orquestas hispanas en Estados Unidos y en la Isla comenzaban a despuntar con fuerza varias agrupaciones.

En ese contexto un joven músico cayeyano optó por crear un sonido propio que revolucionaría la música popular puertorriqueña. César Concepción, trompetista, arreglista y compositor puertorriqueño fundó el 14 de junio de 1947 la Orquesta de César Concepción, la cual contó con gran acogida a nivel nacional e internacional.

Este artista fue creador y compositor de más de un centenar de boleros y logró que la plena puertorriqueña entrara con fuerza en los salones de baile.

Desde finales de los 40 hasta principios de los 70, la agrupación fue la “mejor y más popular orquesta de Puerto Rico”, como la describió en más de una ocasión el locutor y productor Mariano Artau en el programa radial La ruleta musical, donde tantas veces sonó el conjunto.

“César, además de ser un compositor tremendo de boleros, quería componer plena para los salones llamados ‘finos’ de la época, donde no se podía tocar plena. Entonces, aprovecha las corrientes del mambo de Pérez Prado y las incorpora a la plena y crea un estilo de plena aceptable para todo el mundo. Lo mismo le compuso a los equipos de béisbol, que a diferentes pueblos y ahí se consolidó”, expresó el licenciado Nicolás Nogueras, abogado y amigo del fenecido músico y quien en 1984 remontó el grupo.

La Orquesta de César Concepción tuvo su primera presentación oficial en el Club New Yorker en Condado con Juan Ramón Torres “el Boy”, como vocalista principal, y con otros destacados músicos del patio, como el pianista Ángel Rafael “Lito” Peña.

Poco tiempo después de fundada, “el Boy” sale del conjunto y entra como voz principal Joe Valle, con quien el público se identificó rápidamente y quien grabó los boleros y plenas más populares de la orquesta. César Concepción, según opinó el licenciado Nogueras, era un genio musical que estaba al tanto de las vertientes musicales y rápido las adaptada a la orquesta. Fue con esa visión de Concepción que el grupo lo mismo tocaba desde un mambo hasta un bebop.

 

“César tocó no tan sólo a nivel de Puerto Rico, sino también en Nueva York con las mejores orquestas hispanas/latinas de la época con las que aprendió plenamente el concepto de las orquestas grandes americanas y como es natural aprendió de las corrientes musicales de las épocas que se estaban viviendo. En Nueva York, por ejemplo, estaba el desarrollo del swing y él viene acá y lo adapta con un sentimiento muy de él... Pero para él, como tenía ese sentimiento puertorriqueño bien arraigado, era vital tocar danzas en todas sus presentaciones y llevar la plena a los salones de baile para enviar el mensaje de que aquí estábamos al día y que también teníamos lo nuestro”, manifestó Nogueras.

La agrupación, en tanto, se destacó por ser “la orquesta de la juventud” y llegó a vender discos en Puerto Rico y Nueva York. También desarrolló la coreografía orquestal en la que los músicos se salían de sus atriles en determinados números para moverse y provocar al bailador.

“Lo que César tocaba tenía un toque o de emoción para bailar y gritar o de esa melancolía que daba en los boleros”, señaló Nogueras.

El trompetista, además de ser un director musical de excelencia, también era como un “padre” para sus músicos, a quienes protegía y ayudaba, dijo el licenciado.

César Concepción estuvo activo con su orquesta hasta el día de su muerte el 11 de marzo de 1974.

La orquesta regresó a los escenarios con algunos de los integrantes originales el 13 de junio de 1984, bajo la dirección del licenciado y pianista Nicolás Nogueras.

“Antes de morir yo le prometí y le reiteré mi compromiso de que no iba a morir su orquesta, su creación y su estilo, por eso no le pongo la orquesta de Nicolás Nogueras, porque sigo creyendo en él”, indicó Nogueras, quien sigue activo con el repertorio de Concepción y algunos temas nuevos.

La agrupación actualmente se presenta todos los domingos en el Marriott Courtyard de Isla Verde de 3:00 de la tarde a 7:00 de la noche, poniendo a bailar al público con el mismo sabor y romanticismo del maestro César Concepción.

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Panchito Riset / BIO

Francisco Hilario Riser Rincón, más conocido como Panchito Riset (La HabanaCuba21 de octubre de 1910-Nueva York8 de agosto de 1988), fue un cantante y músico cubano, intérprete de boleros y otros géneros tropicales. Con una voz aguda, propia del estilo de tradición sonera, se apegó a la forma ingenua y clásica de interpretación propia del bolero de la década de los 30.

Biografía

Nació el 21 de octubre de 1910 en el barrio de Atarés, ciudad Habana. Desde niño se interesó por el aprendizaje de la guitarra y el tres.

Debutó como cantante a mediados de los años 20 con el Septeto Esmeralda y más tarde formó parte del Sexteto Cauto, del Septeto Bolero y del legendario Sexteto Habanero. En 1928 cantó en el Sexteto Caney y en la Orquesta de Ismael Díaz.

En 1933 conoció a Don Aspiazú, quien lo integró a su orquesta, reemplazando a Machín. En ese mismo año cantó por vez primera en Nueva York, con la orquesta Antobal’s Cubans, en el “Madison Royal”. También actuó en el “Cubanacán” Night Club.

Durante su etapa en Nueva York, formó parte de la orquesta de Xavier Cugat y la de Enrique Madriguera.

En 1934, se presentó en Cuba con la orquesta de Eliseo Grenet. Luego, regresó a Nueva York donde grabó con el Cuarteto Caney, con el Grupo Victoria de Rafael Hernández y con el Cuarteto de Pedro Flores.

En 1938 fundó su propia orquesta que se llamó La Conga con la que realizó presentaciones en California y en Nueva York .

Durante la Segunda Guerra Mundial, se alistó en el ejército americano, sirviendo como artista y voluntario médico del 43 al 45. Al final de la guerra, retornó a Nueva York y se presentó en las carteleras de los principales centros nocturnos latinos como el “Versalles” o el célebre “Carnegie Hall” hasta finales de los cincuenta.

Falleció en Nueva York el 8 de agosto de 1988, a causa de arteriosclerosis múltiple.

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Llega la historia de la inolvidable leyenda de la salsa, Celia Cruz

El próximo domingo, 16 de octubre a las 08:00pm, llega a Latinoamérica, a través de la pantalla de Telemundo Internacional, la exitosa serie ¨Celia¨, una gran producción de narra la vida y el legado musical de una de las leyendas de la música Latina de mayor trayectoria Internacional: Celia Cruz, la inolvidable ¨Guarachera del Mundo¨, una mujer que lanzó su carrera en medio de la revolución cubana, en una era en que las cantantes femeninas no podían ocupar un lugar en los escenarios, para convertirse en una de las figuras más importantes y querida de la escena musical mundial.
Jeimy Osorio y Modesto Lacén, interpretan a Celia Cruz y Pedro Knight durante sus años de juventud, y Aymée Nuviola y Willie Denton interpretan a la pareja durante su etapa de adultos. Además cuenta con la participación antagónica de Carolina Gaitán (Lola Calvo joven), Marcela Gallego (Lola Calvo adulta), Carlos Manuel Vesga (Billy Echaverría), Luciano D'Alessandro(Alberto Blanco joven) y Aida Bossa (Noris Alfonso joven), la primera actriz Margoth Velásquez(Catalina ¨Ollita¨ Alfonso) y la reaparición en las telenovelas de Moisés Angulo (Simón Angulo). En "Celia", la cantante colombiana Patricia Padilla es quien da voz a Cruz.
En ¨Celia”, conoceremos los inicios de su pasión por el canto en Cuba en la década de los años cincuenta, y su reconocimiento como la cantante más determinante de la Sonora Matancera. Al abandonar la isla junto a su esposo Pedro Knight, su carrera artística conquistó mercados de otras lenguas y se posicionó como la cantante de salsa más reconocida del medio. Honró al género musical, a su querida y añorada patria, y dejó un legado invaluable a través de sus más de 70 discos, que la hicieron merecedora de múltiples premios Grammy y Latin Grammy, así como de los más importantes reconocimientos internacionales.
¨Celia¨ nos llevará, paso a paso, a través de las vivencias, dificultades, y sueños, que hicieron de Celia Cruz una de las más grandes cantantes latinas del mundo, incluyendo los siguientes datos curiosos:
  • En la serie ¨Celia¨ vamos a ver la evolución de la Reina de la Salsa -cuyo nombre completo es Úrsula Hilaria Celia Caridad Cruz- de una joven tímida durante la pre revolución de la Habana, en Cuba, donde los hombres dominaban el mundo de la música, a una figura internacionalmente famosa.
  • El padre de Celia se oponía a que ella cantara, pues en esa época las mujeres que lo hacían eran percibidas cómo fáciles o mujeres que andaban en malos pasos.
  • Antes de que llegara Pedro Knight a conquistar el corazón de Celia Cruz, la cantante tuvo un novio. En la serie ¨Celia¨, conoceremos quien fue este individuo y cómo conoció a Pedro Knight.
  • Celia Cruz abandonó Cuba junto a su esposo Pedro Knight y a la Sonora Matancera en 1960.
  • Aunque muchos se opusieron a que Celia Cruz cantara, la Sonora Matancera la recibió cuando ella era muy joven. Cruz reemplazo a Myrta Silva y en 1950 grabó su primer tema “Cao, Cao Maní Picao” de José Carbó Menéndez.
"Celia", una producción de Fox Telecolombia, cuenta con 80 episodios que se filmaron en Colombia y partes de Puerto Rico. Los actores trabajaron durante nueve meses para narrar la vida y el legado de Cruz, quien murió en el 2003, a los 78 años, en Nueva Jersey.
Foto: Getty.
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Rene Cabel................El Tenor de las Antillas

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René Cabell. Fue un cantante cubano de la primera mitad del siglo XX, cuyo verdadero nombre era René José de Jesús Cabezas Rodríguez, considerado uno de los grandes bolerista de todos los tiempos, destacó en Cuba y Colombia principalmente..

Nació el 9 de marzo de 1914 en Alquizar, ubicado en la actual provincia de Artemisa.

De niño la familia se traslada a La Habana, donde empezó a destacarse al canto, estudiando con el tenor dramático italiano Arturo Gobbi, quien se había quedado en Cuba, después de dejar la dirección de los coros que acompañaron a Enrico Caruso en la visita de este en 1919.

Después de dos o tres intentos con la ópera se concentró en los boleros y las canciones, siendo Ernesto Lecuona unos de los descubridores, triunfando junto a él en el Teatro Nacional al quedar incorporado en el elenco por la interpretación de Yo quiero que tú sepas.

En 1933 se inicia en Radio Salas y en CMBD, siendo desde ese momento uno de los artistas más solicitados de la radio, teniendo además el acompñamiento al pìano de René Touzet, Juan Bruno Tarraza, Julio Gutiérrez y Orlando de la Rosa.

Entre las orquestas que la acompañaron se citan, los Orquesta Hermanos Castro, los Orquesta Hermanos Palau, Orquesta Casino de la Playa, la de Alberto Brito y la que dirigía Enrique González Mántici.

Hace grabaciones con La Habana Casino, La Riverside y fue el cantante principal de la orquesta de Julio Gutiérrez.

Giras

En 1937 visita México, donde grabó para discos Peerless. En ese país impresionó a Rafael Hernández, quien después vino a grabarle a Cuba 40 registros, casi todas composiciones del maestro boricua y de las cuales alcanzaron resonancia: Despecho (Odiame), Lejos de ti y Pobre gitana.

Se presentó también en Colombia, Brasil, Argentina, Chile, Venezuela y Puerto Rico, donde alternó con el gran cantante nacional Carlos Julio Ramírez.

En Colombia es invitado por la cadena Kresto, actuó en las principales ciudades del país, en Medellín convenció a Willian Gil para que contratara a Benny Moré en 1955 en vez de la Sonora Matancera, que era el plan inicial del empresario de la Voz de Antioquia.

Realizó grabaciones en la NBC, en Cuba le otorgaron un programa de televisión Cita con René Cabell, por el cual pasaron entre otros: Cantinflas, Arturo de Córdoba, María Félix, Pedro Vargas y Agustín Lara.

Fue responsable artistico del cabaret Karachi, donde se daban cita entre otros Bola de Nieve, Elena Burke e iniciaba en el piano Frank Fernández.

Radicado en Colombia a partir de 1964, cantaba ocasionalmente, fue empresario artístico y comercializador internacional de café colombiano, también regresó en ocasiones a Cuba a contratar artistas del Cabaret Tropicana, Tata Güines, Bobby Carcassés, entre otros.

También descubre a la cantante colombiana Haydeé Barros, a la que contrata y se convierte en el manager.

Filmes

Filme Romance musical

Participó en 1941 en la película Romance musical con la dirección Ernesto Caparrós, donde además actuaban Rita Montaner y Otto Sirgo, en 1942 hace el documental Ritmos de Cuba, donde interpreta La canción del guajiro, también con dirección de Ernesto Caparrós y las actuaciones de Orlando Guerra, Estelita Rodríguez y Orquesta Casino de la Playa, la comparsa Las Sultanas y el Trío Cubano.

En el 2005 en Estados Unidos se le ralizó un documental de 50 minutos de duración, nombrado René Cabell, El tenor de las Antillas, dirigido por Oscar Emilio Alcalde Sánchez, donde testimonian entre otros, Olga Guillot, René Touzet y Roberto Ledesma.

Interpretaciones

Algunos éxitos de René Cabell

Entre las canciones que interpretó, destacan, El Reloj, Tu me olvidas, Tú me acostumbraste, Palabra de mujer, Despecho, Amigo, Irremediablemente solo, Cda vez más, Que será, sera, Que injusticia, Una mujer, Dicen que soy borracho, Mi eterna canción, Volveré, Vals de los quince.

También se citan, Siete noches, Vagabundo, Una mujer, Franqueza, Nunca, Nunca, Nunca; El Amor algo divino, Santa, Mujer, Peregrina, La Barca y Cuentame tus penas de amor.

Muerte

Fallece a la edad de 84 años en Bogotá, Colombia, producto a un prolongado proceso diabético el 3 de abril de 1998.

Palabras de mujer (de Agustín Lara)

"... que yo escuche cerca de ti,muy quedo tan quedo como nunca las quiero repetir para que tu igual que ayer las digas sollozando".
"... aunque no quieras tú ni quiera yo,lo quiere Dios hasta la eternidad te seguira mi amor como una sombra iré, perfumaré tu inspiracion y junto a ti estaré también en el dolor".
"Aunque no quieras tú ni quiera yo,lo quiere Dios y hasta la eternidad te seguira mi amor hasta en mis besos me hallaras hasta en el agua y en el sol. Aunque no quieras tú, aunque no quiera yo".

Fuente

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Orquesta Riverside / Reportaje

 

 

 

Orquesta Riverside, también conocida como Havana Riverside. Es una Agrupación musical cubana fundada en La Habana en 1938, bajo el formato de jazz band por el compositor, violinista y director de orquesta Enrique González Mántici. Llegó a tener gran popularidad en la Isla durante las décadas de 1940 y 1950 en las que se presentó en los principales circuitos comerciales de la Isla y realizó varias giras internacionales.

En las décadas de 1970 y 1980 del pasado siglo, animó interrumpidamente fiestas bailables en La Habana y fuera de la capital cubana e hizo giras a ColombiaVenezuela y Finlandia. Durante esa etapa mantuvo su habitual y frecuente presencia en la radio y la televisión. Tanto así, que ha sido considerada la orquesta cubana con más largo tiempo de permanencia y difusión ininterrumpida en los programas de medios de comunicación de la Isla.

En la actualidad la Riverside la conforman jóvenes graduados las academias musicales cubanas bajo la dirección del Raúl Nacianceno.

La orquesta se fundó en el mes de agosto de 1938 cuando un grupo de jóvenes músicos cubanos se agruparon en el formato de una jazz band bajo la batuta del compositor, violinista y director Enrique González Mántici. El nombre escogido para la agrupación fue Havana Riverside.

A partir de ese año la popularidad de esta agrupación musical creció y se hizo presente en los medios de difusión y centros bailables y de entretenimiento existentes. La orquesta Riverside llegó a ser una de las más aclamadas de Cuba durante las décadas de 1940 y 1950 y realizó giras por Centro ySudamérica con gran éxito, acompañando a figuras nacionales y extranjeras del canto.

Rápidamente surgió el interés de las disqueras por grabar sus éxitos. Firmas con renombre en la época como Puchito y Panart llevaron al acetato los éxitos de la orquesta, lo que contribuyó a aumentar su popularidad.

En la parte vocal varios cantantes a lo largo de la historia tuvieron mucho éxito en la orquesta, aunque la voz más relevante de todas fue la de Tito Gómez, quien por más de 30 años lideró esta cuerda.

Decenas de buenos músicos durante años desfilaron por su nomina. En cuanto a sus directores, después del fundador Enrique González Mantici, la Riverside fue liderada por Antonio Sosa, y en 1947 pasó a estar bajo la batuta del saxofonista Pedro Vila, quien supo en su etapa llevarla a planos más estelares. Posteriormente pasó a ser dirigida sucesivamente por Argelio González, el gran pianista y compositor Adolfo Guzmán y por Nelson Arocha Enseñat, pianista que imprimió su sello de gran arreglista. De manera ocasional la orquesta fue conducida varias veces por destacados músicos cubanos o extranjeros como Agustín Lara. En diferentes momentos la orquesta estuvo integrada por:

En las décadas de 1970 y 1980 del pasado siglo, animó interrumpidamente fiestas bailables en La Habana y fuera de la capital cubana e hizo giras a Colombia,Venezuela y Finlandia. Durante esa etapa mantuvo su habitual y frecuente presencia en la radio y la televisión. Tanto así, que ha sido considerada la orquesta cubana con más largo tiempo de permanencia y difusión ininterrumpida en los programas de medios de comunicación de la Isla.

La Orquesta tuvo una presencia habitual entre las agrupaciones que animaban el cabaret Tropicana y el Parisienne del Hotel Nacional y el Caribe del Hotel Habana Libre.

Resurgimiento

En el año 1993 por la dífícil situación económica del país la posibilidad de trabajo y contrato se vio disminuida y hubo una dispersión de muchos de sus músicos. Algunos marcharon a emprender otros proyectos personales, dentro y fuera del país y la orquesta Riverside se desintegró.

Raúl Nacianceno Miyares, quien fuera uno de sus puntales saxofonistas decidió rescatar la orquesta y tras años de arduo trabajo de rescate del repertorio y organización musical, emprendió la paciente tarea de ir transcribiendo a partir de grabaciones, pieza por pieza e instrumento por instrumento, respetando la tradición. Con ese trabajo listo presentó el poyecto al Ministerio de Culturaquien apoyó inmediatamente la idea y la orquesta se reconstituyó.

En la actualidad la Riverside la conforman jóvenes graduados las academias musicales cubanas bajo la dirección del Raúl Nacianceno. Los temas y arreglos son los mismos de antes y así se busca que permanezcan. Los temas de la orquesta se caracterizan por el respeto a los diferentes sectores sociales, especialmente la mujer, en contraposición con otras tendencias musicales contemporáneas que la denigran.

El viernes 23 de noviembre de 2012 los integrantes de la agrupación y funcionarios del Instituto Cubano de la Música (ICM), denunciaron el intento ilegal por parte de algunos músicos que habían pertenecido a la agrupación de usurpar el nombre de la misma en Estados Unidos. Este hecho motivó una declaración condenatoria del ICM en la que expresó:

"(...)es un crimen, es adulterar el patrimonio histórico de la humanidad y corno tal debe ser repudiado."[1]

 

 

 

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Muere Ismael Quintana, maestro salsero puertorriqueño

Cantó con La Perfecta de Eddie Palmieri y con Fania All Stars

 

El cantante Ismael Quintana en una imagen de archivo.

 

Ismael Quintana, cantante de salsa de 78 años, murió el pasado sábado en una residencia de Colorado (Estados Unidos), donde se hallaba internado tras varias operaciones provocadas por dolencias cardiacas. Había nacido el 3 de junio de 1937 en Ponce, ciudad portuaria de Puerto Rico que ha producido extraordinarios vocalistas: Héctor Lavoe, Cheo Feliciano, Pete El Conde Rodríguez…

En verdad, la familia Quintana se trasladó a Estados Unidos cuando Ismael todavía era un bebé; aun así, Ismael gustaba de identificarse como puertorriqueño y dedicó varias canciones a su tierra natal. Creció en el Bronx neoyorquino y trabajó como tornero. El cierre de la fábrica donde estaba empleado le empujó al mundo de la música, incorporándose a diferentes orquestas durante los años cincuenta, primero como percusionista y, posteriormente, como corista. Era una labor que compatibilizaba con empleos diversos: el circuito de los ritmos afrocubanos, entonces muy modesto en lo económico, no le permitía profesionalizarse.

Fue el pianista Eddie Palmieri quien advirtió que tenía potencial como cantante solista. Le llevó a su Conjunto La Perfecta, banda que partió del formato de la charanga —con metales reemplazando al violín— para crear temas extensos, fruto de la liberación de la energía instrumental y vocal de la formación. Quintana y Palmieri acumularían éxitos a lo largo de los sesenta, como Café, Justicia, El molestoso, Óyelo, que te conviene o Sujétate la lengua.

Quintana acompañaría a Palmieri en sus colaboraciones con el vibrafonista Cal Tjader,El sonido nuevo (1966) y Bamboléate (1967). Por su cuenta grabó con otros artistas de la época, incluyendo a Joe Cuba: participó en el famoso Songs Mama Never Taught Me, compilado de canciones pícaras. Su primer elepé bajo su nombre, Punto y aparte,salió en 1970 con UA Latino. Siguió cantando con el Palmieri más ambicioso, en temas del calibre de Vámonos pa’l monte o Revolt / La libertad lógico; juntos grabaron discos memorables tanto en la prisión de Sing Sing como en la Universidad de Puerto Rico.

La carrera de Quintana como solista aceleró en 1974, con su fichaje por Vaya, subsello de Fania Records. La compañía estaba en la cresta de la ola e Ismael se benefició de contar con su extraordinario equipo de instrumentistas y los arreglos de Bobby Valentin, Papo Lucca o Louie Ramírez. Entre sus éxitos, destacaron Mi debilidad,Maestro de rumberos y Tambó (Me acompaña él).

Exclamación venezolana

Según la leyenda, fue Quintana quien difundió por Nueva York el uso de la palabra “salsa”: era una exclamación de deleite que había escuchado durante unos conciertos en La Guajira venezolana. Curiosamente, sus preferencias personales iban por los boleros, género que dominaba el tocadiscos de sus padres.

Jerry Masucci, capo de Fania, apreciaba el hecho de que Ismael componía temas y, sobre todo, sus habilidades como sonero. Le incorporó a aquel acorazado llamado Fania All Stars (FAS). Se puede escuchar a Quintana en numerosos discos en directo de FAS registrados en Nueva York, Zaire, Japón, Cuba, Puerto Rico o Colombia. También participó en Tributo a Tito Rodríguez (1976) y otros discos de estudio comoCommitment (1980) y Lo que pide la gente (1984).

Entre la alborotada tropa de FAS, abundante en bandarras, Quintana pertenecía a la facción más moderada, alejada de drogas y excesos. Habituado a organizar su vida a través de la Fania, le pegó duro la caída del imperio de Masucci. A la vez, como a todos sus compañeros de generación, le afectó el ascenso de la salsa romántica, que él denominaba despectivamente salsa monga. En sus últimos años, actuaba con regularidad por Sudamérica y el Caribe, donde todavía se mantiene la demanda de la llamada salsa brava.

 

 

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El mercadeo de la Sonora Matancera

 

 

 

IVÁN GONZÁLEZ ROMERO

La Sonora Matancera fue fundada en el barrio Ojo de Agua en Matanzas, el 12 de enero de 1924. Su primer nombre fue Tuna Liberal, aunque casi inmediatamente fue denominada  Septeto soprano.  Sobre este último nombre, algunos lo acreditan a la llegada de Carlos Manuel “Caíto” Díaz, cantante desde 1925. Su timbre de voz muy alto obligó a hacer cambios en la instrumentación y fue así como se hizo el cambio de denominación

De entrada, hay que recalcar que el éxito de la Sonora Matancera se fundamentó en su calidad musical. Una vez sentada esa base, hay que dejar en claro que esa agrupación llegó más lejos que ninguna gracias a eso, y a una estrategia de mercado altamente innovadora, tal vez sin que ellos mismos supieran lo que estaban haciendo.

En días recientes, la Sonora Matancera cumplió 91 años. El día no parece tan remoto porque al escuchar cualquiera de sus compases uno se imagina que esta banda había iniciado hace poco. Y pensar que cuando tocaron por vez primera ni siquiera se llamaban así.

La Sonora Matancera fue fundada en el barrio Ojo de Agua en Matanzas, el 12 de enero de 1924. Su primer nombre fue Tuna Liberal, aunque casi inmediatamente fue denominada  Septeto soprano.  Sobre este último nombre, algunos lo acreditan a la llegada de Carlos Manuel “Caíto” Díaz, cantante desde 1925. Su timbre de voz muy alto obligó a hacer cambios en la instrumentación y fue así como se hizo el cambio de denominación.

Aunque no hay certeza al respecto, se supone que Rogelio Martínez se une al grupo ese mismo año por sugerencia de Caíto, para conformar una pareja que con los años siempre se le vio reunida y que produjo mucho éxito. El crecimiento era evidente, así que hubo necesidad de mudarse de Matanzas a La Habana, en 1928.  Con el traslado se produjo la primera grabación, ese mismo año, así como las primeras apariciones en Radio Progreso. El camino a la difusión masiva se estaba allanando, así como la llegada a la fama. Fue el primer paso exitoso de la estrategia.

En 1932 llegan grandes cambios. Lo primero fue nombrar a Rogelio como codirector. El otro fue cambiar el nombre a Estudiantina Sonora Matancera, respondiendo a la orquestación que para entonces se poseía, con trompetas en lugar de cornetas, marcando el rumbo armónico. Tres años después llegaron otros dos miembros que formarían parte de la historia: Calixto Leicea, quien venía de cantar con el Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, y Humberto Cané, hijo de Valentín, Cané, uno de integrantes originales.

Pasaron los años y los cantantes importantes. También llegó el apoyo de sellos disqueros que comenzaron a distribuir sus placas. Panart, Ansonia, RCA Victor y Seeco brindaron el respaldo, sobre todo esta última compañía, que se encargó de poner por todas partes sus discos. El cine también ayudó en esta difusión, pues casi una decena de filmes les ayudó a darse a conocer.

Pero en 1948 ocurre un hecho que cambia el rumbo de la Sonora Matancera. El boricua Daniel Santos, con una carrera exitosa y una vida bohemia, llega a Cuba y logra un contrato para cantar en Radio Progreso, donde la Sonora también se presentaba. Se produce el encuentro y la alianza, y Santos se convierte en el primer cantante-- que no es cubano—que se une a la agrupación como invitado.

La yunta fue tan buena que abrió las puertas a otros intérpretes. Myrta Silva, otra boricua, llegó en 1949. En 1951 Leo Marini, un argentino con voz de barítono, se subió al barco con temas románticos. El nombre de la Sonora Matancera comenzaba a escucharse en latitudes donde la música bailable caribeña no había llegado y eso le abrió los ojos a don Rogelio Martínez, quien ya como director, se percató de las posibilidades de alcanzar otros mercados.

Por la Sonora Matancera pasaron más de 60 cantantes de nueve nacionalidades. Se supone que estuvieron cubanos, puertorriqueños, dominicanos, mexicanos, argentinos, colombianos. En la lista también está un venezolano, una haitiana y un uruguayo. No todos se presentaron con la orquesta, pues algunos apenas grabaron, pero el hecho de tener en su alineación a artistas de distintos países, ayudó a consolidar el éxito de un trabajo que aún está impregnado de calidad.


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¿Recuerdan? ¡La salsa!

 

 

DIEGO A. MANRIQUE

Chocante, chocante: hay más bibliografía sobre la salsa en inglés que en español. Sospecho que se debe a la incomprensión de nuestra industria cultural ante una música montaraz y machista, tan ajena al DRAE. De ahí mi maravilla ante el libro de Leopoldo Tablante, El dólar de la salsa (Iberoamericana). Que nació como tesis de doctorado en, atención, una universidad francesa. Eso trae implícito su castigo: mucho aparato teórico, bastante jerga académica, invocaciones rituales a Barthes, Bourdieu y Baudrillard. Pero estamos ante un trabajo único. Verán, los tomos salseros en castellano suelen ser ferozmente militantes: la piedra fundacional, El libro de la salsa (1980), de César Rondón, se parecía mucho a un arrebato apasionado, lo que explica que haya acumulado tantas objeciones.

En El dólar de la salsa no hallarán valoraciones de discos o artistas. Subtitulado Del barrio latino a la industria global de fonogramas, 1971-1999, Tablante describe el contexto social y el desarrollo comercial de la salsa. Hace bien en evitar los juicios musicales: quizás haya una relación inversamente proporcional entre creatividad y expansión, en el trayecto de Spanish Harlem a Miami Beach.

Aparte, Tablante puede así esquivar el Problema Cubano. En esos años, por las aberraciones de la Guerra Fría, la potente cantera afrocubana desapareció del mercado mundial. Los cubanos, eso sí, se cocían en su indignación: aseguraban que lo que circulaba internacionalmente como salsa era música cubana, otra jugada yanqui.

No conviene menospreciar la irradiación cultural de Cuba sobre el resto del Caribe

Una exageración: los ingredientes de aquel ecléctico caldo incluían elementos nada cubanos. En todo caso, lo prodigioso es que los puertorriqueños, tan chovinistas a la hora de elegir opciones vitales, se definieran mediante una música esencialmente ajena. Tablante especula sin paracaídas: que el son cubano contenía "evocaciones nómadas” equivalentes a los traumas migratorios de los boricuas. Mejor recordar la capacidad de irradiación cultural de la Isla Grande, con o sin embargo. El sociólogo Quintero Rivera se quejaba en 1998 del “cubanocentismo que padecemos en el Caribe”, respondiendo a unas afirmaciones particularmente miopes de Cabrera Infante.

Acertó Jerry Masucci, capo de Fania Records, al optar por una palabra flexible como “salsa” para universalizar la música de losnuyoricans, cuya experiencia urbana era similar a la de tantos barrios humildes en el continente. Y sí, Masucci se reveló como un sinvergüenza a la hora de pagar a los músicos (despojó incluso a su socio, el indispensable Johnny Pacheco). Pero tampoco resultaron modélicos sus sucesores como reyes de la colina: Ralph Mercado yEmilio Estefan.

Tablante reconoce la picardía de Masucci. Convenció a publicaciones como Billboard. Financió películas que proporcionaron visibilidad a sus artistas: Our latin thing y Salsa (olvídemos The last fight, protagonizada por Rubén Blades como ¡boxeador!). Subvencionó la revista Latin New York. Pagaba para que sus discos sonaran en la radio latina –refractaria a la crudeza callejera de algunos vocalistas- o para que Tito Puente reapareciera en la televisión nacional.

Masucci tuvo grandes intuiciones. Como haría Chris Blackwell con elreggae, subió los precios de los LPs: sabía que, si se vendían baratos, consumidores y minoristas considerarían la salsa un producto de segunda categoría. También patinó: con CBS, pactó elaborar discos de Fania All-Stars con potencial de crossover. Mejunjes que desconcertaban a aficionados y novatos: en sus peores momentos, tendían a ser disco music levemente sazonada o smooth jazzconvencional.

Como Mercado o Estefan, Masucci soñaba con crear una Motown latina. Demasiada distancia: Berry Gordy Jr. diluía el soul para su consumo interracial, con unos músicos inicialmente mansos. Masucci trabajaba para un público tan pobre como heterogéneo. Además, le tocó manejar la salsa brava, abundante en intérpretes ariscos –Willie Colón iba de gansta en muchas portadas- o conceptualmente ambiciosos, como Blades. La fantasía de Masucci desembocaría en la salsa romántica. Que apenas conservaba sabor de barrio ni se diferenciaba mucho de lo que ofrecían Julio, El Puma, Roberto Carlos y demás baladistas. Para semejante viaje, no necesitábamos alforjas.

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MURIÓ EL ÚLTIMO CHOCOLATE

Por Andrés Pascual
A Alfredo Armenteros no lo apodaron Chocolate porque lo confundieran con el famoso Eligio Sardiñas. En el 2003, mientras se tomaba un trago en la barra del Bongo's Cuban Café de South Beach, me confesó: “fue un tío mío, me lo decía desde niño y ni sé por qué...”.
Nadie podía confundir a Alfredo con Eligio en nada, aquella noche tuve que explicarles, a un grupo de jóvenes que laboraban en el lugar, quién era aquel negro que hablaba y hablaba de música cubana como ajeno, sin apropiarse un ápice de la grandeza de nuestros ritmos, a los que tanto contribuyó y podía, nunca refiriéndose a sí mismo; recuerdo haberles dicho, “este hombre es un mito de tan alto que ha elevado su leyenda...”, entonces CHÓCOLO ME ABRAZÓ, NOS CONOCÍAMOS DESDE EL 1993.
Murió Alfredo Armenteros, que no necesitó de su relación familiar, del nombre de Beny Moré para ser inmortal, pero, como está sucediendo todo hoy, gente que no reconoce la grandeza absoluta del trompetista, aunque traten de disimular, creen que se pueden quedar cortos si no mencionan al ídolo de Santa Isabel; por favor, para hablar del hombre de 88 años años que falleció el pasado día 6 de enero de cáncer, engavete el nombre de Beny y le hará un favor a la historia musical más rica y pródiga de América, por lo menos una vez sea valiente y justo, a fin de cuentas, no pierde nada, Chocolate no lo necesitó.
Por Chocolate conocí a dos leyendas cubanas, porque Sirito Matamoros y yo lo llevamos a visitar a José Curbelo a Kendall y ¡OIGA ESO! A Mr CHICO O'FARRILL, que estaba en Broadward en casa de un familiar y arreglaba algo para una orquesta que tocó, mal recuerdo, en el Miami Dade o en la Universidad de Miami; en el itinerario nos acompañó otro legendario de verdad, con quien compartí muchísimo cada vez que visitaba a Sirito: ROGELIO MARTÍNEZ, director de la Sonora, que, muy al estilo castrista, todavía los “medios grandes” de Miami no saben que falleció, ni que murieron Lino, Caíto...desde hace rato hay que ser castrista para estar en la guía de teléfonos y ni así, porque el tiranísimo, todavía, no escribe la primera línea respecto al Premier Marrero, señal de que “no lo han querido matar con tan nefasta noticia”, por lo que se ve...
Uno de los 4 grandes Chocolates de Cuba: Félix “Chocolate” Alfonso, bongosero de Arsenio que inició con Carabina de Ases de Oxamendi y se quedó con algunos músicos del tresero cuando este se asentó definitivamente en Nueva York, entonces nombró a su conjunto Las Estrellas de Chocolate; mientras, Félix Chappotin hizo lo mismo y le resultó mejor, porque se llevó a Lilí y a Miguelito. El 4to fue aquel simpático y pintoresco personaje de “la cuadra de Paco Prío”, que lo mismo estaba “trajeado con gorra en combinación” en el Cerro, que en el Club Gallístico con un gallo de Panchín en las manos, que recibiendo, todos estupefactos, a Winston Churchill en La Habana. El primero de todos el peleador de Pincho Gutiérrez.
Chocolate Armenteros llegó recomendado a Arsenio, sin dinero suficiente para comprar los dos trajes que el inmortal creador del son-guaguancó exigía, entonces el Ciego le regaló un número para que cobrara utilidades por derecho de autor y “se compusiera”, era la forma como Arsenio ayudaba a los novatos; a Alfredo le dio “Me pasé de guaño”.
Con Arsenio Rodríguez Alfredo se internó en los secretos del son guaguancó, del “guaguacó de tiempo España” y de la santería, incluso se hizo un tremendo bailador de columbia. Y se influyó completamente del estilo de Chappotín para tocar el estilo Arsenio, por lo que, bajo ningún concepto, puede considerarse a Chocolate Armenteros como el creador de la forma como interpretaba los ritmos cubanos, que le perteneció a Félix Chappotín, con agudos espaciados; pero, cuando llegó, a su salida de Cuba a mediados de los 50's a Tito Puentes, bajó un poco el tono y “melodió” para interpretar el sonido New York, la combinación de Machito y Arsenio que le dicen “salsa”.
Dos de las mejores producciones disqueras de Chocolate Armenteros no las ha mencionado nadie y son maravillas del villareño trompeta de oro, me refiero a los larga duración con el músico neoyorrican Justi Barreto, dos tremendos homenajes a la música cubana: el primero CONGAS CUBANAS y el otro GUAGUANCÓ CUBANO, en ambos tocó Chocolate la trompeta, en el homenaje a la conga incluso trompeta china.
Amigo íntimo de Tito Rodríguez, de madre cubana, padre dominicano y nacido en Puerto Rico, Chocolate decía, “se sentía más cubano que yo...”.
Alfredo fue un admirador fiel y decidido de Paquito y de Arturo, según nos dijo una noche a Siro y a mi, “están en el nivel de cualquiera aquí y por arriba en los demas lugares...”.
No tenía intención de regresar a Cuba “ni si se cae aquello”. Hoy, como acostumbro cada vez que la nacionalidad se muere “un poco más” con la pérdida de sus glorias, no le doy el pésdame a nadie, me lo doy a mi mismo, se lo doy a quienes se consideren y vivan como cubanos de verdad, que somos quienes perdemos un pedazo de historia, del alma nacional cubana, cada vez que nos sorprende una noticia nefasta como la del 6 de enero pasado.

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Agustín Lara / BIOGRAFIA

 

 

(Agustín Lara Aguirre y Pino; Tlacotalpán, México, 1897-Ciudad de México, 1970) Compositor de canción melódica mexicano. Por su formación autodidacta, su prolífica producción y su incontestable éxito, Agustín Lara ha sido considerado en numerosas ocasiones como el Irving Berlin de la canción mexicana. Conocido como el Flaco de Oro, son incontables las canciones compuestas por este músico que han conquistado una fama imperecedera: Granada (inmortalizada por el tenor Mario Lanza), el chotis MadridNoche criollaLa CumbanchaNoche de rondaSolamente una vezPalmera o María bonita (escrita para su esposa, la actriz María Félix) son sólo algunas de las más célebres. Adaptadas a numerosos idiomas y cantadas en los más diferentes estilos, su éxito en el Viejo y el Nuevo Mundo procuró a su autor los mayores honores y el reconocimiento general. Junto con la canción melódica, Lara también sobresalió en la composición de música para cine; suya es, por ejemplo, la partitura de Santa, una de las primeras películas sonoras realizadas en México.

 

Aunque había estudiado piano y demostrado sus excepcionales dotes para la música, Agustín Lara ingresó a los quince años en el Colegio Militar; pronto se daría cuenta de que su vocación no era castrense. Durante la década de 1920 trabajó como pianista en bares y cafés y en salas de cine mudo; a finales de la década acompañaba ya al piano a intérpretes como Juan Arvizu y Maruja Pérez, que daban sus recitales en cines de la capital. En 1931 se puso al frente del programa La hora azul, de la emisora XEW. Comenzó a dirigir la orquesta El Son Marabú mientras voces como las de Ana María Fernández y Toña la Negra popularizaban sus canciones.

Empezó entonces una frenética carrera hacia la fama. En 1932 realizó su primera gira por el extranjero; actuó en París, donde su canción El farolito se convirtió en tema de moda, y también en Chile y Perú. Obtuvo también un éxito sin parangón durante la gira que efectuó en México en 1935, junto a Pedro Vargas y el ChinoIbarra. Entre los principales espectáculos que Agustín Lara presentó al público se recuerdan especialmente Pecadora, Revancha, Coqueta, Mujeres en mi vida, PerdidaLa mujer que yo amé.

Contratado para trabajar en Hollywood como musicalizador de películas, no le resultó sin embargo fácil acostumbrarse a aquel mundo frívolo y deshumanizado, con sus tensiones y su abundancia de divas y directores caprichosos. Aunque no quiso centrar su carrera profesional en el cine, su prestigio acabó por consolidarse en la industria del celuloide, gracias a las bandas sonoras que compuso para filmes como Santa, México Lindo, Carne de Cabaret, Virgen de medianoche, Pervertida, Noche de ronda, Humo en los ojos, Señora tentación, Cortesana y Aventurera.

Facilitó sin duda su entrada triunfal en el cine su matrimonio con la bellísima y siempre controvertida actriz mexicana María Félix, que tuvo lugar en 1945. Célebre por sus devaneos amorosos (se le solían atribuir romances con personajes populares del cine y la política), la actriz trabajó junto a los más destacados galanes del cine mexicano (Jorge NegretePedro Infante o Pedro Armendáriz). Durante su matrimonio con María Félix, Agustín Lara convirtió su casa de Las Lomas en un acogedor centro de reunión de escritores y artistas. Foco de atención del gran público, la popularidad de ambos no cesaba de crecer.

 

A lo largo de su dilatada carrera como compositor (y también como autor de la mayoría de sus letras), creó hermosas y románticas canciones que alcanzarían una popularidad universal. La obra de Lara comprende unas setecientas piezas entre boleros, pasodobles, baladas, tangos, pasacalles y melodías, que podrían enmarcarse dentro del género tropical; fue también el autor de la extraordinaria opereta El pájaro de oro (1946). Entre sus temas más conocidos sobresalen, junto a los ya citados, Lamento jarochoMujerVeracruzAzulRival y Arráncame la vida; títulos todos ellos entrañables que han resistido el paso del tiempo hasta convertirse en canciones de siempre.

Con temáticas abiertamente eróticas, una asimilación de todas las corrientes musicales en boga y desconcertantes imágenes modernistas, Agustín Lara dotó a la canción romántica de una sensibilidad acorde con el medio urbano de los años treinta y cuarenta. Las letras de algunas canciones surgidas de su inspiración (Señora tentaciónTe quieroCada noche un amor o Humo en los ojos) escandalizaron a la opinión pública, hasta el punto de que llegaron a prohibirse sus piezas en las escuelas. Cuestionado y considerado por sus detractores "el sepulturero de la canción mexicana", Lara fue pionero en el óptimo aprovechamiento de todos los medios de difusión: teatro de revista, discos y radio.

 


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Fallece Raphy Leavitt por complicaciones tras cirugía

El músico puertorriqueño, de 67 años, fue operado de su cadera izquierda, en la zona de la prótesis que llevaba a causa de un accidente que había sufrido en 1972.

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San Juan.- El veterano músico puertorriqueño Raphy Leavitt, fundador de la orquesta de salsa La Selecta, falleció hoy a los 67 años en un hospital de la ciudad estadounidense de Miami debido a complicaciones tras una cirugía en su cadera izquierda, confirmó a Efe su representante, Ángel Ilarraza.
Dijo que Leavitt murió en el centro hospitalario de la ciudad de Miami a consecuencia de una operación que se le realizó el pasado lunes en la zona de la prótesis que llevaba en su cadera izquierda a causa de un accidente de automóvil que sufrió en 1972 en EEUU.
En entrevista con Efe en febrero pasado, Leavitt recordó aquel suceso, donde murió Luisito Maisonet, extrompetista de La Selecta, y a causa de cuyo accidente compuso el tema "La cuna blanca", una de las canciones más emblemáticas de La Selecta.
Leavitt rememoró que en aquel accidente iba justo al lado de Maisonet en el auto que conducía el chófer privado Jesús Ruiz cuando éste perdió el control en la salida 4 de una carretera que conduce de Connecticut a Nueva York tras una presentación en Boston.
Leavitt permaneció 6 meses hospitalizado con una fractura en su cadera en el Greenwich Hospital Association en Connecticut.
Tan emblemática es "La cuna blanca" que se ha convertido en todo un himno funerario, con el que mucha gente despide a sus seres queridos y de la que seguramente se tocará estos próximos días durante su velorio y entierro.
Aún se desconoce cuándo arribarán los restos de Leavitt a Puerto Rico ni la fecha de los servicios fúnebres.
Una de las últimas presentaciones que hicieron Leavitt y La Selecta en la isla caribeña fue durante el pasado Día Nacional de la Salsa, donde además se unió en el escenario el cantante Tony Vega para cantar junto a ellos "Cosquillita" y "Sheila Taina".

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Antonio Machín / Biografía

 

 

(Antonio Lugo Machín, Sagua la Grande, 1903 - Madrid, 1977) Cantante cubano. Verdadero trotamundos de la música, viajó por Cuba, EE.UU., Francia, hasta que la Segunda Guerra Mundial le llevó a España, donde comenzó actuando en salas barcelonesas y adquirió tal reputación que dominó la escena musical española durante casi tres décadas.
Hijo de un emigrante gallego, trabajó como albañil hasta que se trasladó a La Habana en 1926 para dedicarse profesionalmente a la música. Ese mismo año creó el Trío Luna (junto a Enrique Peláez y Manuel Luna); el éxito fue escaso y la duración del grupo efímera, por lo que, una vez disuelto, Machín pasó a formar parte del sexteto de Miguel Zabala, con quien realizó su primera grabación en 1929.
Un año después, el afamado director de orquesta Justo Azpiazu le reclamó para ser el vocalista de la Orquesta del Casino Nacional de La Habana, paso decisivo en su carrera que le permitió realizar sus primeras visitas al extranjero, actuando con éxito en Nueva York. Con la discográfica RCA, la Orquesta del Casino Nacional de La Habana (con Antonio Machín a la cabeza) grabó medio centenar de canciones en menos de tres años (de 1936 a 1939).
Tras su paso por Londres y una histórica presentación en Montecarlo, Antonio Machín se vio obligado a renunciar a su intención de fijar su residencia en Francia. Poco después de estallar la Segunda Guerra Mundial se trasladó a Barcelona, actuando en los clubes de Las Ramblas y dando comienzo a una imparable sucesión de éxitos que forman ya parte de la historia musical española de tres décadas. Acompañado de la Orquesta de Miura De Sabré, editó sus primeras grabaciones y contrajo matrimonio con una española, Angelita (1943), a la que conoció tras una actuación en Sevilla.

Su fama y popularidad se mantuvieron en adelante, y aunque los gustos musicales de las nuevas generaciones fueron cambiando, Antonio Machín mantuvo un público fiel y continuó actuando con total regularidad hasta su fallecimiento. Entre sus temas míticos se encuentran Angelitos negrosEspérame en el cieloDos gardenias,MadrecitaMira que eres lindaSolamente una vez o El manisero.

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Rolando Laserie "El Guapo de la canciòn"

 

 

 

Rolando Laserie . Cantante y percusionista. Singular intérprete de los géneros de la música cubana. Fue llamado “El guapo de la canción”.

Aprendió a tocar los timbales a los 9 años. En los inicios de su vida profesional alternó su condición de músico con el oficio de zapatero. Actuaba de forma esporádica como percusionista en la Banda Municipal de Santa Clara. Allí mismo, con 20 años de edad se presentó con la orquesta de Antonio Arcaño y sus Maravillas]] en sustitución de Miguelito Cuní.

En 1946 viaja a La Habana, y se desempeña como percusionista en la orquesta de los Hermanos Palau y colabora eventualmente con diferentes agrupaciones. Tiempo más tarde, pasó a ser timbalero y coro en la Banda Gigante deBenny Moré.

Trayectoria artística

De niño cantó y tocó los timbales con la orquesta Hermanos Cancio en el Teatro La Caridad en una de las presentaciones que hizo en Santa Clara la famosa vedette brasileña Carmen Miranda. Recibió lecciones de solfeo por el método Eslava, pero su predilección era la percusión cubana y la batería.

En los años de mayor auge de Arcaño y sus Maravillas, Laserie, como cantante, formó con otros jóvenes una agrupación musical a la cual nombraron Los Hijos de Arcaño, dirigida por Orestes García, que imitaba el estilo de la famosa danzonera. Copiaban de oído a través de la radio las piezas que tocaba la orquesta y las tocaban pocos días después.

Cuando al poco tiempo actuó en Santa Clara la orquesta de Arcaño con su cantante Miguelito Cuní, a quien Laserie imitaba, el muchacho se unió a ellos en la gira que lo condujo por varias ciudades del este de la isla hasta llegar a Santiago de Cuba.

En Santiago trabajó durante una temporada con la orquesta de Mariano Mercerón y sus Muchachos Pimienta, considerada con la de Chepín-Choven, la mejor jazz band del interior del país, sólo que a diferencia de las de La Habana éstas incluían en su nómina músicos negros lo cual limitaba sus actuaciones en escenarios capitalinos por la segregación racial imperante.

A su regreso a Santa Clara tocó en la estación CMHI de Amado Trinidad (luego llamado El rey de la Radio Cubana) hasta 1944, año en que partió hacia La Habana, como polizón, en un camión de carga. Al no hallar trabajo como músico, regresó a su ciudad, tocó en varios grupos hasta que volvió a probar suerte en la capital, donde consiguió trabajo como baterista en la orquesta de la compañía teatral de Garrido y Piñero que tenía como sede el Teatro Martí. Más tarde se unió a la compañía de espectáculos deEnrique Arredondo con la cual realizó giras por todo el país.

Laserie ingresó como percusionista en una de las orquestas que amenizaba los llamados “aires libres” del Paseo del Prado, (establecimientos del tipo terraza, techados con toldos y ubicados en los portales de los edificios del Paseo, frente al Capitolio). Tocaba también en la orquesta Hermanos Palau y en la del cabaret Mi Bohío, de la Playa de Marianao. Viajó a Haití como percusionista y cantante de la orquesta Requena y en 1950 actuó en Colombia.

A su regreso ingresó como baterista al grupo del pianista Elogio “Yoyo” Casteleiro que acompañaba a los actores-cantantes Olga Chorens y Tony Álvarez en sus presentaciones en Radio Progreso y CMQ Televisión. Al saber que Laserie cantaba, Olga y Tony lo presentaron como novedad en uno de sus shows televisivos.

En 1953 entró como baterista de la recién fundada Banda Gigante de Benny Moré. Al año siguiente organizó un grupo musical para presentarse como cantante en el cabaret Sans Souci con Blas Egües en la batería, Rubén González en el piano y Orlando “Cachaíto” López en el contrabajo. Alternaban en ese centro nocturno con el famosoCuarteto D´Aida.

Laserie era solicitado con frecuencia para trabajar como baterista de conjuntos y orquestas de estudio para realizar grabaciones, pues su trabajo en la percusión había ganado notoriedad en el ambiente musical a su paso por agrupaciones de variado formato.

Su gran oportunidad como cantante llegó en 1956 en un estudio de grabación, cuando los hermanos Eloísa Álvarez Guedes, propietarios del sello Gema, le propusieron hacer un disco sencillo con la orquesta de Ernesto Duarte. Una de las piezas escogidas fue el bolero Mentiras tuyas, de Mario Fernández Porta, que años atrás habían interpretado varios cantantes –algunos de ellos famosos, como el tenor René Cabell– pero que por esos días se consideraba ya un número “fuera de circulación”. Al ser distribuida, de la versión de Laserie se vendieron alrededor de treinta mil copias en pocos días.

Tras el éxito alcanzado por su primer disco sencillo (dos piezas, una por cada lado), Laserie hizo nuevas grabaciones respaldado por la orquesta de Duarte: interpretó boleros como Por eso no debes, de Margarita Lecuona; Tenía que ser así, de Bobby Collazo; Qué es lo que pasa, de Julio Gutiérrez; Estás equivocada y A eso llegarás, deOsvaldo Farrés, así como números movidos como Domitila dónde va, de Ricardo Díaz; Amalia Batista, de Rodrigo Prats y Buche y pluma no más, de Rafael Hernández.

En su primer disco de larga duración, aparecido en 1957, se encuentran además un conocido tango que años después haría furor en Buenos Aires, cuando lo cantó en su estilo: Las cuarenta.

Su súbita popularidad fue motivo de controversias entre quienes aplaudían su estilo “guapachoso”, marcado por el rubatto con cierto aliento de rumba, y otros que lo consideraban sencillamente un atentado al buen gusto. El timbre de su voz no era lo que más agradaba a sus críticos acérrimos, que llegaron a tildarlo de “aguardientoso” y “barriotero”.

En 1958 participó con la orquesta de Duarte en un gigantesco espectáculo bailable en el Stadium de La Tropical junto a Benny Moré y su Banda Gigante, Chappottín y sus estrellas con Miguelito Cuní, y las orquestas Aragón, Sublime y Sensación con Abelardo Barroso. Ya por entonces era un consagrado.

Al año siguiente aparecieron su segundo y tercer disco de larga duración bajo el sello Gema con la orquesta de Bebo Valdés. Se popularizó Déjenme en paz, que el compositor Justi Barreto escribió especialmente para que Laserie respondiera a los ataques que recibía su modo de cantar. Las victrolas (velloneras o rocolas) de toda Cuba repitieron con insistencia por entonces sus traslaciones “al guapachá” de números tan conocidos como Inolvidable, de Julio Gutiérrez; Hay que saber perder, de Abel Domínguez; Bilongo, de Rodríguez Fiffe; Que te vaya bien, de Federico Baena y Esta noche me emborracho, de Enrique Santos Discépolo.

Tras el triunfo de la Revolución, Laserie es uno de los cantantes populares cubanos que grabaron números de apoyo a “los barbudos”: Fidel ya llegó y Esta Navidad. En uno de sus éxitos de 1959 (Que te vas, de Taccani) alude a la ley revolucionaria de Reforma Urbana al preguntar: “¿Te vas, ahora que bajaron los alquileres?”

En 1960 apareció un nuevo disco con la orquesta de Bebo Valdés que llevó por título el hit del momento: Sabor a mí, de Álvaro Carrillo. Ese mismo año marchó a Méxicopara cumplir contratos con la empresa Televisa y en el centro nocturno Terraza Caribe.

En 1961 grabó en Estados Unidos con la orquesta de Tito Puente (LP Pachanga in Nueva York) y en Puerto Rico con Cortijo y su combo e Ismael Miranda.

En 1965 se radicó en Venezuela, cantó con la orquesta de Porfi Jiménez hasta que formó su propia agrupación.

Actuó en casi toda América Latina. Realizó numerosas grabaciones en México para la firma Musart con varias orquestas, entre ellas las de Memo Salamanca, Nacho Rosales, Ernesto Duarte (por entonces radicado en México) y la Sonora Veracruzana de Pepe Vallejo.

Grabó también con los mariachis Guadalajara y Oro y Plata; la agrupación Los Aragón, el combo de Johnny Ventura, la orquesta de Johnny Pacheco, Charlie Palmieri, Porfi Jiménez y la Selección Caracas de Cabrerita con arreglos de René Hernández y Pepé Delgado.

A finales de la década de 1970 se radicó en Miami, Florida.

A lo largo de su carrera grabó más de treinta discos de larga duración. Una de sus últimas grabaciones fue el son montuno de Israel “Cachao” López titulado El guapachoso, compuesto en su homenaje e incluido en el CD Cachao Master Session Volume II (Los ÁngelesCalifornia1995.)

Fuentes

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EL SON NO SE FUE DE CUBA, LA LÍRICA SÍ

GENERALIDADES DE LA MÚSICA CUBANA

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EL SON NO SE FUE DE CUBA, LA LÍRICA SÍ

ESCRITO POR ANDRES PASCUAL. PUBLICADO EN GENERALIDADES DE LA MÚSICA CUBANA

Hay una canción con la que yo no concuerdo: “El son se fue de Cuba”, porque no es verdad: malherido sí; olvidado en su mejor expresión también; sin contribuciones dignas de la modernidad musical desde hace más de 40 años ni hablar… pero no se fue, porque la mayoría de los exponentes del género han muerto en la Isla y los clásicos no están prohibidos (Celia Cruz no es sonera, sino guarachera y Olga bolerista) en definitiva, porque el ritmo malvive… todavía.

Tampoco se puede promover a la parte de la música nacional que estuvo prohibida por más de 50 años como símbolo de la tragedia interna de abandono y relativa censura que ha sufrido “lo más sublime para el alma divertir”, sería un error…

¿Que lo odian porque no se hizo dentro del período “robolucionario”? nadie lo duda, pero ¿Qué se ha hecho musicalmente en estos 54 años en un país habitado por zombies, donde nadie discurre decisiones que compliquen su integridad civil más que asentirlo todo, bajar la cabeza y seguir uncido?

Lo que no se elucubró previo a 1959 no existe y lo de las orquestas de delincuentes como VAN VAN, NG la Banda y las otras que llaman al desorden y a la violencia social desde el escenario ni cubano es ni lo que tocan sirve, sino música marginal para una población también marginal, muy peligrosa para espacios cerrados por la riña tumultuaria a que acostumbran incitar desde la época del Salón Mambí, a fin de cuentas, es la música de la nomenklatura para el “pueblo de Fidel y de Raúl”, decadencia viciosa que transportan hacia acá por los “beneficios altamente agresivos y perjudiciales contra el destierro” del Ajuste Cubano.

El son se quedó en Cuba, todavía es un exponente de rebeldía contra los obuses anticubanos de la horda inconsecuente y criminal, es el ritmo precursor del enlatado salsa, parte fundamental en los repertorios de los llamados salseros, que perdió la clase interpretativa en la Isla, porque los “extranjeros” lo tocan mejor, con arreglos frescos, por mejores músicos y ni hablar de los cantantes…

¿Cúantos números de Formell, de Manolín, de Pablito, del Tosco o de cualquier otro fantoche “apolítico” han sido grabados por el Gran Combo, la Ponceña, Willie Colón, Oscar…? ¡Por algo será, eh! Porque esa gente le graba hasta a Obama y a Bim Laden si hay pronóstico de hit y abundancia de billetes. Debajo María Teresa Vera, Blanca Rosa Gil y Lorenzo Hierrezuelo:

El Septeto Nacional (foto al inicio), uno de los exponentes clásicos del ritmo, quedó como el conjunto “de viejos” que daba la imagen decadente y deplorable del pasado “peor” ante su similar “juvenil”, la expresión castro-comunista sin clase ni personalidad del Sierra Maestra, con su solista, voz de agudo hembra de total desencanto armónico, José A. Rodríguez.

Lo mejor, diría que lo único de estos 50 años de “oscuridad medieval” en lo artístico-musical bailable, ha sido el camagueyano Adalberto Alvarez, compadre de Rafael Itier, pianista y director del Gran Combo, que se mantuvo durante años componiendo en el estilo de Chapotín, Arsenio y René Álvarez, incluso interpretando números de estos compositores o de Lily Martínez con grupos como Son 14 o el suyo propio.

Tampoco Adalberto se pudo vacunar y lo que hace desde los últimos 10-15 años compite contra los otros en mediocridad.

Pero el bolero, sus letras, sus melodías eternas sí se fue de Cuba, porque “lo lírico es la expresión del sentimiento” y no es posible que prevalezca en grupos simuladores o arrastrados a los pies de quienes los desproveen de la capacidad de pensar, el antiguo concepto de expresión de lo romántico a través de la letra de una canción. En la foto de 1957 Vicentico, Marta Valdés, Giraldo Piloto y Rosendo Ruir jr:

En el caso del bolero, a pesar de que muchos exponentes del género fallecieron en la Isla, se puede aceptar con total justicia que sí se fue de Cuba, porque la lírica que hizo grandes a sus compositores se contaminó de tal forma que, después de 1960, ningún compositor del “feeling”, por ejemplo, creó algo ni parecido a lo que lograron durante el período republicano, a pesar de que todos los integrantes del movimiento que quedaron allá fueron simpatizantes del PSP (Partido Socialista Popular).

En medio de la total frustración, de la sequía de la fuente de producción, creadores como José Antonio o Portillo se mantuvieron interpretando sus viejas y exitosas melodías, mientras que Tania Castellanos, “compañera sentimental” de Lázaro Peña, hizo el ridículo supremo al querer competir contra la Trova oportunista con el himno que reclamó la libertad de una terrorista americana: Angela Davis.

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GENERALIDADES DE LA MÚSICA CUBANA

GENERALIDADES DE LA MÚSICA CUBANA

¡REINA RUMBA!

ESCRITO POR ANDRES PASCUAL. PUBLICADO EN GENERALIDADES DE LA MÚSICA CUBANA

Rumba cubana

Es muy difícil vivir sometido durante medio siglo oyendo lo impuesto, creyendo lo impuesto y aplaudiéndolo y no cometer errores imperdonables a la hora de reseñar hechos y anécdotas de importancia capital de la vida de personajes de genuino interés patriótico.

Sucede o sucedió en Cuba durante muchos años (los viajes de la “Comunidá” han alterado ciertas cosas) con gente como Celia Cruz, borrada hasta hoy de la historia y de la difusión, que negaba cada vez que podía el cartelito de “Reina de la Salsa”, nombre inexistente técnicamente, que no está inscrito, porque no podrían alterar los del son y la guaracha para introducir lo mismo a la cañona, además, sería el fin del nombrecito y de quien lo intentara, porque se quedaría sin un medio por plagios de los ritmos cubanos según fuera el caso mediante la consabida demanda judicial.

A todos los defensores del enlatado cuyo principal enemigo fue Tito Puente (se refería a la de tomate como única salsa), los invito a crear un grupo de protesta contra el patrimonio cubano, como hacen veladamente a pesar de agradecerle a Cuba el 80 % de sus músicas y recurrir al Tribunal de Nueva York, solicitar el reconocimiento autoral y la fe de vida de “la salsa” como género y después que demanden a Arsenio, a Miguel, al chino Piñero, a Ñico Saquito, a Lilí…

Rumba cubana

Rumba cubana

Rumba cubana

Hace varios años, Eddy Palmieri acusó a Gloria Estefan por utilizar un estribillo de “su propiedad” en una canción, la imbecilidad del neoyorrican llegó tan lejos que entabló demanda y nadie dijo nunca cuánto tuvo que “soltar” por intentar apropiarse de una conguita de barrio habanero cubano que se tocaba en los carnavales de 1910.

Así son todos, los músicos y los fanáticos “extraños” de lo cubano, que pretenden desconocer con toda intención anticubana a los ritmos nuestros, que lo único nuevo que han recibido como “contribución” es una lluvia de trombonazos y extensiones de eternidad de sólos de guitarra o de piano que son una falta de respeto al oyente, que pretenden colocarle el sello de “marca registrada” con arreglos edulcorados y mentiras como “es una mezcla de todos los ritmos del Caribe” a lo que existe mucho antes de que el intérprete boricua o venezolano de más edad hubiera nacido ¿Dónde está el calipso en Bemba Colorá? ¿O la bomba en Ven Bernabé o en Yo sí como candela, la tamborera en el Reloj de Pastora incluso en Esposa y Querida de Hermanos Lebrón?

Rumba cubana

Lo que lograron fue cambiar el formato del disco de 12 canciones a solo 4 ó 5, porque cualquier son, guaracha, cha cha cha o guaguancó-son puede durar 10 minutos con facilidad por el desenfreno a la búsqueda del brillo protagonista en solitario de muchos que no lo tienen ni en los zapatos.

De tal forma ha salido perjudicada la música cubana, que perdió la calidad de ritmo para bailarse en locales cerrados, a tener que hacerlo en salones muy grandes, porque la forma de ejecutarlo no es posible en espacios relativamente acordes con las cantidades de público, tampoco interpretan música “suave” o boleros para descansar de la actividad que tanto hace sudar a una pareja que baile son o guaracha hoy.

Baile que “rebautizaron” con el nombre del mamotreto comercial también, desconociendo el original de “casino” y hasta copiaron la ejecución coreográfica conocida como “rueda”.

Rumba cubana

Rumba cubana

El exceso de “improvisaciones”, una total ridiculez, ha dejado a los cantantes que lo practican en plano de repentistas más que soneros, (nunca salseros); son, nadie lo dude, émulos del decimista campesino, que disparan una retahíla de sin sentidos, sin ritmo el 90 % de la veces y un cantante castrista sin entonación es un ejemplo clásico: Cándido Fabré nació sin voz y perdió la que le quedaba de tanto usarla recitando más que cantando a pulmón limpio por gusto.

En "el ambiente cubano de antes" brilló la Reina Rumba, pero, ante lo frágil y poco capaz de la competencia, yo diría que brilló más que nunca después que se exilió.

No le fue igual a Celia en Cuba hasta 1960 que después fuera del país, a pesar de que la acompañaba la Sonora Matancera, porque tenía que competir contra más de 30 grandes intérpretes de los ritmos que ella cantaba como Benny Moré, Roberto Faz, Barroso o Alfonsín Quintana, incluso en su especialidad, la santería de las producciones de Rodney en Tropicana, tenía al lado a Merceditas Valdés y durante 5 años a Rita Montaner, pero, a pesar de la brutal competencia, Celia Cruz hizo su espacio entre los grandes de aquella época, aprobada por el jurado más conocedor de su música en todo el mundo: el público cubano previo a 1960.

Rumba cubana

Y considerando que la Sonora no fue el conjunto predilecto de los negros cubanos, que se referían a su música como “de caballitos”, incluso el propio Benny iba en desventaja con los negros para bailar, que siempre consideraron “su ritmo” al guaguancó-son y sus conjuntos a Arsenio, a los Astros de René Álvarez y, después, a las Estrellas de Chappotin y a las de Félix “Chocolate” Bencomo, con Melodías del 40 como la típica preferida con Siglo XX y Cheo Belén en cuanto a Danzones.

El desconocimiento por parte de los “cubanos nuevos” llega tan lejos que no solo es imposible que conozcan lo que dije, sino que, con respecto a Celia Cruz, en América Tevé la llamen Reina de la Salsa, sacrilegio que va a provocar que la Negra de Cuba salga de su tumba y ponga los puntos sobre las íes.

Rumba cubana

Este problema de concesiones de lo cubano de parte de elementos que llegan diariamente beneficiados por el Ajuste, que no conocen nada de Cuba y se ponen bravos cuando se les halan las orejas (yo se las corto), nunca cambiará, porque no tienen identidad cultural y viven con afectación del 70 % de la nacionalidad por ese motivo.

Rumba cubana

El colmo es que en Cuba haya programas “de salsa” y que muchos de sus “paquetes” llamen así a lo que cantan, por cierto, por lo mala que es la música que hacen, deberían bautizarla oficialmente con ese nombre.

Cada vez que un elemento castrista “nuevo” del radio, la prensa o la televisión le rinde tributo aparente a Celia Cruz no lo hace porque la venere, sino porque la fama de la cantante más conocida y famosa de Cuba de todos los tiempos lo obliga.

Para que no quepan dudas de que Celia “no es lo de ellos”, en América Tevé ¡Qué barbaridad, siempre el canalucho! una comentarista a cargo de la farándula colocó el nombre inmortal y legendario de la hija del barrio obrero de Santos Suárez junto al de Compay Segundo y con la misma importancia…

Rumba cubana

Ante ofensas de este tipo de parte de una supuesta cubana, quizás a los extranjeros que llaman “salsera” a Celia haya que tratarlos con cierta moderación, digo yo, pese a lo que dije antes.

El título de este material es el homónimo del libro de un escritor y fanático colombiano de Celia Cruz, obra magnífica, cuyo prólogo fue escrito por el inmenso Guillermo Cabrera Infante.

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Miguelito Valdés / Música, Cuba

 

 

Miguelito Valdés (Miguel Ángel Eugenio Lázaro Zacarías Izquierdo Valdés, 1912-1978). Extraordinario intérprete de la música cubana. Cantante, compositor, percusionista. Muy popular durante décadas en Latinoamérica y Estados Unidos. Conocido como Míster Babalú.

Nació el 6 de septiembre de 1912, en el populoso barrio de Belén, La Habana, de padre español y madre yucateca. Se crió en el barrio de Cayo Hueso, cuna de rumberos y soneros, en Pasaje Aurora, muy cerca del solar África, donde vivía Chano Pozo. Muy jóvenes entablaron amistad y juntos cantaban y tocaban rumbas.

Cursó hasta sexto grado de la instrucción primaria. Se vio obligado a trabajar desde los once años para ayudar a su madre a mantener a sus seis hermanos, cinco varones y una niña. Laboró en un taller de automóviles en la reparación de carrocerías. Hacia 1923 probó suerte como boxeador, y logró buenos resultados en la división welter.

Su primer ídolo en la música fue el cantante mexicano José Mojica, tenor muy famoso por esos años en Cuba. En 1927 integró el Sexteto Habanero Juvenil como cantante. Cuando el grupo lo necesitaba, también tocaba el contrabajo, la guitarra y el tres. En 1929, con el apoyo económico de su madre, estudió guitarra con Sol Feggio y se relacionó con la trovadora María Teresa Vera. Con el Sexteto Occidente de María Teresa trabajó esporádicamente en las academias de baile Sport Antillano, Rialto y Havana Sport, como voz corista.

Entró como cantante al Sexteto Jóvenes del Cayo desde su fundación en 1929. Trabajó también, en sus primeros años en la música, con las charangas de Ismael Díaz, la orquesta Gris de Armando Valdés Torres, y la Habana de Estanislao Serviá.

En 1933 viajó a Panamá para actuar en los carnavales con una agrupación musical formada para la ocasión. Una vez terminado el contrato permaneció trabajando en el restaurante El Moderno Cubano. Actuó durante una temporada con la orquesta del panameño Lucho Azcárraga, con la cual logró darse a conocer en varios escenarios panameños y costearse en 1936 su regreso a Cuba.

En La Habana, ingresó en la orquesta Hermanos Castro, una de las más solicitadas jazz bands cubanas de la época. En 1937, junto a nueve músicos de esa agrupación, participó en la fundación de la orquesta de carácter cooperativo Casino de la Playa, que tomó el nombre del exclusivo centro nocturno que los contrató a cambio de que adoptaran su nombre. Su primer director fue el violinista Guillermo Portela y en el piano contaba con el formidable Anselmo Sacasas, quien escribía los arreglos que rápidamente definieron el estilo de la banda, la más versátil y dinámica de su época. Todos los músicos de la orquesta eran blancos (como era usual en la mayoría de las jazz bands cubanas de la época, por exigencia de las directivas de los centros donde se presentaban), excepto su principal atracción: el mulato Miguelito Valdés.

Realizaron las primeras grabaciones para la RCA Victor en junio de 1937, entre ellas "Bruca maniguá", de Arsenio Rodríguez, que se convirtió en una de las piezas que Miguelito cantaría a lo largo de toda su carrera. En esta primera sesión de grabaciones se registró el bolero-son "Dolor cobarde", primera composición suya llevada a disco. En abril de 1938 la orquesta grabó, también de la autoría de Valdés, las congas "Mi comparsa" y "Los componedores", tema musical de una popular comparsa del carnaval habanero: “Los componedores de batea”. Otras piezas suyas que se graban ese año son la guaracha "Mi tambó", el bolero "Loco de amor"! y la conga "Los venecianos". El 27 de febrero de 1939 la orquesta llevó al disco el afro "Babalú", de Margarita Lecuona, que será desde entonces carta de presentación de Miguelito Valdés, quien la interpretó en innumerables ocasiones.

Miguelito fue quien propició la primera grabación del tres cubano en el son pregón "Se va el caramelero", de Arsenio Rodríguez, quien hizo el solo de ese instrumento.

El conjunto de grabaciones que realizó Miguelito Valdés entre 1937 e inicios de 1940 con la Casino de la Playa cimentó su popularidad dentro y fuera de Cuba. Estas obras son demostración de los alcances de su versatilidad y de sus extraordinarias dotes como intérprete maduro, dueño de un estilo carismático y personal en diversos géneros de la música cubana: bolero, afro, son, rumba, guajira, pregón, conga y canciones.

En los primeros meses de 1940 Miguelito hizo grabaciones con otras orquestas y grupos, como la Havana Riverside, la orquesta de Enrique Bryon y el Septeto Nacional (aunque en los discos aparece este grupo como “Miguelito Valdés y su conjunto”). En abril de ese año partió hacia Fort Lee, New Jersey, con Anselmo Sacasas, quien abandonó también la Casino de la Playa. A lo largo de ese año, sin embargo, en el mercado continuaron apareciendo sus discos con la orquesta, pues se trataba de placas que habían sido grabadas con anterioridad.

Problemas sindicales impidieron que Miguelito y Sacasas debutaran en el cabaret Riviera de New Jersey, donde habían sido contratados. Valdés marchó a Nueva York, donde fue contratado por el catalán Xavier Cugat. Debutó el 12 de mayo en el Sert Room del Hotel Waldorf Astoria. Actuó con esta agrupación en el Paramount Theater en las tardes, y cada noche en el Waldorf-Astoria Starlight Roof y la Camel Cigarette Show Rumba Revue. La orquesta de Cugat trabajaba seis días a la semana y realizaba grabaciones una vez al mes.

Entre mayo y junio de 1940 el cubano grabó por primera vez con la orquesta del pintoresco director catalán. Algunas de las piezas seleccionadas eran versiones de números que había popularizado Miguelito poco antes con la Casino de la Playa, entre ellos "Blen blen blen" de Chano Pozo, "Mis cinco hijos" de Osvaldo Farrés y "Elube Changó" de Alberto Rivera. En 1941 realizó nuevas grabaciones con Cugat, hasta que decidió a finales de año abandonar la orquesta por diferencias con el director. Dejó grabadas con esta agrupación, a pesar de su corta estancia en ella, excelentes interpretaciones de "Ecó" de Gilberto Valdés, "La negra Leonó" de Ñico Saquito, "Anna Boroco Tinde" de Chano Pozo, "Los hijos de Buda" de Rafael Hernández, "Yo tá namorá" de Arsenio Rodríguez y "Babalú", de Margarita Lecuona, que en Estados Unidos había dado a conocer Desi Arnaz.

Con Cugat y su orquesta Miguelito Valdés apareció en la película You Were Never Lovelier (Bailando nace el amor), protagonizada por Fred Astaire y Rita Hayworth, estrenada el 19 de noviembre de 1942. Por entonces se presentaba en centros nocturnos de Nueva York como La Martinica, Hollywood Mocambo y La Conga, y actuaba por temporadas con Machito y sus afrocubans, orquesta con la cual realizó veintiséis grabaciones para la firma Decca.

En abril de 1943 varios integrantes de la orquesta de Machito fueron llamados a filas para combatir en la Segunda Guerra Mundial, y Miguelito regresó a Cuba contratado por el magnate de la emisora RHC Cadena Azul, Amado Trinidad, y al poco tiempo marchó a México. En noviembre de 1943 actuó en el teatro Esperanza Iris junto a Agustín Lara, la Panchita, Tata Nacho, Mercedes Caraza, Los Calaveras, María Victoria Meche Barba y el comediante Tin Tan (Germán Valdés), quien debutó en un escenario teatral con ese espectáculo.

Miguelito actuó periódicamente durante casi dos años en la estación XEW, en el cabaret El Patio y participó en varias películas y cortos musicales: EsclavitudConga bar –con música de los hermanos Grenet-, Estampas habaneras –con Myrta Silva, Sergio Orta y Cecile Abreu-, Mi reino por un torero e Imprudencia (todas de 1944, dirigidas por Agustín P. Delgado).

Cuando regresó a inicios de 1945 a Nueva York, grabó con la orquesta del pianista boricua Noro Morales una serie de excelentes números. Se presentó en centros nocturnos con una orquesta que formaba cuando obtenía contratos en Los Ángeles y Nueva York. En junio de 1946 apareció cantando en las pantallas de los cines en la película Suspense (Choque de pasiones), de Frank Tuttle. Meses más tarde hizo posible la llegada a los Estados Unidos de su gran amigo, el tumbador cubano Luciano Chano Pozo, y de la joven cantante Olga Guillot, que acababa de ser premiada en Cuba como la mejor cancionera del año. Les proporcionó a ambos trabajos y grabaciones.

En 1948 organizó una orquesta con formato big band que, más adelante, en actuaciones o incluso en algunas grabaciones, reduciría a los formatos de conjunto o sexteto. Con su banda grabó, para el sello SMC, un tributo a Chano Pozo tras su asesinato en diciembre de 1948. En 1951 regresó a Cuba y grabó para la casa Seeco con la Sonora Matancera.

Aunque en 1957 anunciaba su retiro de los escenarios, continuó actuando en televisión e hizo presentaciones en Cuba. Realizó un disco de larga duración en México (México, yo te canto) con el Mariachi Tenochtitlán. En 1963 regresó a los estudios de grabación con la orquesta de Machito y grabó para Tico el disco Reunión. Participó también, para la misma disquera, en Canciones que mamá no me enseñó con la orquesta de Tito Puente. Se radicó en Los Ángeles, California, hacia 1964. En 1967 realizó un disco con dirección y arreglos de Chico O’Farrill ("Inolvidables") para la firma Verve.

En la década siguiente realizó numerosas grabaciones en varios países latinoamericanos (México, Brasil, Perú, Colombia, Panamá), en los cuales continuó presentándose. Sufrió un ataque al corazón en México a inicios de 1978. Recibió un homenaje en el Roseland Ballroom, de Nueva York, en mayo del mismo año, por sus más de cuatro décadas de carrera artística. Participó en una gira por Puerto Rico con la orquesta de Machito, Charlie Palmieri, Johnny Pacheco y Ray Barreto, entre otros. En octubre viajó a Colombia, donde realizó sus últimas grabaciones.

Como compositor, además de las piezas ya mencionadas, se destacan los boleros "Ya no alumbra tu estrella", "Letargo", "Qué tal te va" y "Dolor cobarde"; la conga de "Las jardineras", las rumbas "Yo soy la rumba", "Celina", "Esa mulata", "Rumba rumbero", "Sangre son colorá", "Oh mi tambó" y muchas otras. Gran parte de su extensa labor discográfica ha sido editada en formato digital en varios países del mundo.

El 8 de noviembre de 1978, falleció durante una actuación en el salón Monserrat del Hotel Tequendama de Bogotá.

 

Bibliografía

Acosta, Leonardo: Del tambor al sintetizador, 2da. ed., Editorial Letras Cubanas, La Habana, 1989.

Díaz Ayala, Cristóbal: Cuando salí de la Habana, Fundación Musicalia, 3ra. ed., San Juan, Puerto Rico, 1999.

Díaz Ayala, Cristóbal: Discografía de la música cubana. (1925-1960), Fundación Musicalia, San Juan, Puerto Rico, 2004.

Zamora Céspedes, Bladimir: “Chano y Miguelito: Hermanos de rumba”, en La Jiribilla, no. 135, La Habana, 2003.

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Orquesta Riverside , delicia de la musica Cubana

 

 

 

En agosto de 1938 un grupo de jóvenes músicos se unieron y fundaron una emblemática jazz band. Su nombre original fue “Havana Riverside”. Tan vertiginosamente creció su popularidad, que llegó a colocarse entre las más aclamadas orquestas de Cuba en los años 40 y 50. En esa época realizó con gran éxito numerosas giras por América y acompañó con excelencia a descollantes figuras como Pedro Vargas, Fernando Fernández, René Cabel, Merceditas Valdés, Olga Guillot, Miguelito Valdéz, Orlando Vallejo y los dúos de Alicia Rico y Armando Bringuier y el de Rosita Fornés y Armando Bianchi, entre otros. Para dejar constancia del fenómeno “Riverside”, surgió de inmediato el interés de las grandes disqueras del momento para grabar esos temas que tanto gustaban al pueblo y así dejar, en tan sólo unos meses, decenas de fonogramas que han quedado para la historia.

La “Riverside” tuvo siempre muy buenas voces, pero sin duda la más relevante de todas fue la de Tito Gómez, quien por más de 30 años en la orquesta, dejó un legado de gloria y magisterio interpretativo para nuestra música. Además, decenas de prestigiosos músicos cubanos han nutrido la “Riverside”. Ellos supieron sembrar y recoger fruto de ella, para convertirla en esa indiscutible cátedra de la cultura cubana que es hoy. En cuanto a sus directores, después del fundador Enrique González Mantici, la “Riverside” fue liderada por Antonio Sosa, y en 1947 pasó a estar bajo la batuta de Pedro Vila, quien supo en su etapa llevarla a planos más estelares. Luego pasó a ser conducida sucesivamente por Argelio González; el maestro Adolfo Guzmán; Nelson Arocha, quien le imprimió su sello de gran arreglista y el trompetista Mario del Monte.

Ahora la “Riverside” vuelve a nuestros escenarios. Reorganizada y dirigida por el maestro Raúl Nacianceno, integrante de la misma por más de 15 años, mantiene viva toda la frescura, tradición e inconfundible sonoridad que la distinguió siempre. Con su antológico repertorio, seguirá haciendo las delicias de los amantes de la música en Cuba y el mundo, quienes la han conservado viva en su inestimable preferencia durante los 73 años que ya la separan de su fundación.

 

ORQUESTA RIVERSIDE EN WIKIPEDIA :

http://es.wikipedia.org/wiki/Orquesta_Riverside

 

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Biografía de Bienvenido Granda

 

 

 

Bienvenido Rosendo Granda Aguilera (*La Habana, 30 de agosto de 1915 - † Ciudad de México, 9 de julio de 1983). Destacado cantautor cubano, a quien lo denominaron como "El Bigote que Canta", por el prominente bigote que siempre lo acompañó. Conoció desde pequeño los sinsabores que la vida pueda ofrecer al quedar huérfano de padre a la edad de seis años. En su juventud fue conductor de guagua (autobús en Cuba). Desde pequeño mostró actitud hacia el canto y desde su juventud fue vocalista de afamadas orquestas como la Riverside, Los Hermanos Castro, El Conjunto Caney y la agrupación de Ignacio Piñeiro.
En 1941, hace un viaje hacia Puerto Rico, donde realizó dos grabaciones exitosas con el Cuarteto Marcano.

En los años cuarenta, la Sonora Matancera había firmado para el sello Panart de Cuba y estaba en pleno apogeo de popularidad. En diciembre de 1944 Granda se integró a esta agrupación por recomendación del saliente Humberto Cané. De inmediato pasó a ser primer cantante, y coro cuando había otros intérpretes invitados. Su primera grabación con la Sonora Matancera, fue la guaracha de la composición de Virgilio González "La Ola Marina". Este tema lo convirtió en uno de los cantantes cubanos más cotizados. En 1948, la agrupación matancera, integra a sus filas de finos intérpretes a Daniel Santos y en 1949 a Myrta Silva, ambos puertorriqueños. Pero más honor fue en agosto de 1950, cuando presentó al público a Celia Cruz que debutaba con este decano de los conjuntos. Luego de casi 10 años de permanencia con la Sonora, en marzo de 1954 y con el bolero Pecaste de Infiel de José Slater Badán, se despidió de la agrupación en su última presentación. Bienvenido Granda grabó con la Sonora unas doscientas diecisiete grabaciones, convirtiéndose en el cantante que más registro musical dejó en dicha agrupación.

En una de las tantas presentaciones que tuvo con la Sonora Matancera, en un programa de Radio Progreso de La Habana, llamado "La Onda de la Alegría"; los locutores de dicha emisora: don Gustavo Pimentel Medina y don Óscar del Río lo bautizaron como "El Bigote que Canta". A partir de ese momento formó parte de su vida ese epíteto que lo hizo mundialmente conocido, por sus abundantes y llamativos bigotes y por la espléndida voz nasal que poseía. En el año de 1955 salió de Cuba rumbo a Barranquilla, Colombia. En Colombia grabó con la Sonora Antillana dirigida por Edmundo Arias y con la Sonora Silver creada y dirigida por Lucho Bermúdez. Luego se trasladaría a Venezuela, y finalmente se radicó en México, donde se nacionalizaría y viviría con su esposa Cruz María Acosta y su hijo menor Bienvenido Granda Acosta.

A mediados de la década de los 1960, es contratado para una gira por toda América Latina, presentándose en Guatemala, Honduras, Ecuador, Perú, Chile, Argentina y el Brasil, país este último donde permaneció radicado por un año y donde grabó canciones que previamente había grabado Miltinho como "El dedo del guante" y "Amor de pobre" utilizando las mismas pistas que utilizara el cantante Brasileño. Regresaría a Colombia por última vez en 1977.

En sus últimos años solía presentarse en programas musicales de la televisión mexicana pero ya su salud se estaba deteriorando. En 1983, fue internado por complicaciones gastrointestinales y una antigua afección pulmonar, falleciendo la mañana del 9 de julio en el Centro Quirúrgico de México. Tanto en el velorio como en su entierro se dieron cita millares de seguidores entonando canciones que en su voz marcaron el sentir de toda una época.

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Los hermanos Lebron / Biografìa

La familia Lebrón Rosa, se gestó con la unión de Francisco Lebrón Feliciano y Julia Rosa Sosa (madre de Pablo López Rosa) en Aguadilla (Puerto Rico), donde nacieron de este matrimonio María Antonia, José, Ángel y Carlos Enrique. Se trasladaron a New York en 1952, donde nació Frank; fueron educados en un ambiente netamente musical, el padre escribía décimas y en la familia la mayoría eran músicos y tocaban cuatro y guitarra, además de cantar.
 
Pablo López, desde la infancia se destacó por su voz, nació un 30 de junio de 1937 en Aguadilla, Puerto Rico. Ya instalado en New York, organiza un trio “Las Tres Monedas” (1954). En 1962 José y Ángel, conformaron su primera agrupación la cual llamaron Los Eltones. Pablo fundó la Orquesta Arecibeña (1965). Pablo logró que el dueño del club La Vega de Brooklyn, les diera una oportunidad de audicionar, es el momento en que José se integra a la Arecibeña como pianista. En 1966 se formó Ángel Lebrón y su Combo, donde su hermano Carlos es el pianista.
 
La oportunidad para grabar les llegó de la mano del empresario George Goldner, jefe del sello Cotique, gracias a que había aceptado escucharlos en vivo. Como ese encuentro era importante, Ángel y José le pidieron a su hermano Pablo que los acompañara en la vocalización, para aprovechar su veteranía y maravilloso estilo. Los hermanos Ángel, José, Pablo y Carlos interpretaron a su manera y estilo, dos boogaloos. Fue Goldner quien les sugirió que se llamaran Los Hermanos Lebrón y les solicitó la preparación de un álbum completo.
 
El álbum apareció en 1967 con el título de Psychodelic goes latin, el cual incluyó el éxito Summertime blues. Gracias al éxito arrollador del primer trabajo, en 1968 presentaron su segundo disco, The Brooklyn Bums, nombre de un famoso equipo de béisbol. Publicaron nueve temas con interpretaciones en inglés y español. En 1969 las producciones I Believe, (Lo tuyo Llegará) y Brother, (Pancho el Loco y Fé). Éxitos que catapultaron internacionalmente ante el publico latinoamericano, trazando un nuevo horizonte musical.
 
El boogaloo empezó a perder terreno y Los Hermanos Lebrón reflejaron este cambio produciendo un disco totalmente en español con el título de Llegamos, contiene los temas Mi fracaso, Tus recuerdos (Tema que logro el reconocimiento de Pablo como un Gran Bolerista).
 
BOOM…! SALSA..…!
 
En el mismo año con la producción del álbum Salsa y Control, se vislumbró el éxito dando relevancia y convirtiendo el término Salsa en un fenómeno social a nivel mundial; donde el hermano menor (Frank Lebrón) hace su debut. Haciendo presencia las innovaciones de tres coristas (doblado), que le brindaron un verdadero sello de distinción. En los boleros, buscaron el sonido tradicional de los tríos puertorriqueños.

 

La Década del 70
 
En 1971 los hermanos Pablo, José, Ángel, Carlos y Frank Lebrón publicaron con el sello Fania Picadillo a la Criolla, álbum del que se destacó el éxito Temperatura. En 1972 publicaron En la unión está la Fuerza que incluyó el hit Dulzura. A partir de enero de 1981, hubo un receso de cuatro años, en solidaridad con Pablo. En 1985 volvieron a los estudios de grabación con el vocalista Frankie Morales y produjeron Salsa Lebrón. Grabaron el álbum El Boso (1988), cantando José, Ángel y Carlos Lebrón. En ese mismo año se grabó el álbum Loco por Ti, el cual contiene el clásico Que Pena.
 
Los Hermanos contratan al vocalista Luisito Ayala, quien permaneció por más de tres lustros. El trabajo musical Lo Místico fue publicado en 1998 en el cual se destacan Olvidarla, 3am y confirmación (Composición de Frank Lebrón).
 
Los Hermanos Lebrón tuvieron el privilegio de rendirle un homenaje en vida a Pablo (el Mayor) en la ciudad de Cali-Colombia, el 28 de diciembre de 2006 en el teatro Jorge Isaacs. Este acto permitió la producción del DVD, titulado Asunto de Familia 4+1+1. En el 2013 se sumaron al sello discográfico Codiscos, que realiza la distribución del CD Qué Haces Aquí, para beneplácito de sus seguidores.
 
La unidad de los Hermanos José, Ángel, Carlos y Frank Lebrón, es un testimonio de Familia. La destreza e inclusión de ritmos modernos en sus composiciones, son fruto de su permanente éxito.
 

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"Chocolate" Armenteros / Biografìa

Nuestro invitado de esta semana es muy especial. Porque hablar de los metales sin mencionar a Alfredo 'Chocolate' Armenteros, es casi un sacrilegio, ya que ha participado en un sinnúmero de producciones discográficas con una gran cantidad de agrupaciones tanto en su natal Cuba, como en Nueva York.
Otra de sus facetas ha sido la de autor. Entre las composiciones de 'Chocolate' se destacan: "Chocolate aquí", "A pasear en coche", "Guajira inspiración", "Retozón", "Hot Chocolate", "Mi guajira", "Trompeta en montuno" y Chocolate y su son". Uno de los más destacados trompetistas de la historia musical cubana y leyenda viva dentro de los exponentes del instrumento.
'CHOCOLATE' ARMENTEROS
La Trompeta Nacional de Cuba

Cortesía de Latina Stereo.com
Titulación y Edición de BARRANQUILLA ES SALSA

1.928 – Nace el Trompetista Alfredo Armenteros en Ranchuelo, Las Villas, Cuba el 4 de abril. Inicia sus estudios musicales en su tierra natal y posteriormente se trasladó a La Habana.

1.939 – Alfredo Armenteros comenzó a estudiar música a los 11 años en Cuba debido a la influencia de su familia en la cual varios de sus integrantes eran músicos.

1.946 - Arsenio Rodríguez y su Conjunto incluye a Alfredo Armenteros en el disco“Montuneando” para el sello Tumbao. Alfredo Armenteros participa con Arsenio Rodríguez en grabaciones realizadas en La Habana entre 1946 y 1951, entre ellas “Dundunbanza”.

1.949 – Alfredo Armenteros (aun no apodado Chocolate) se vincula al Septeto Habanero por poco tiempo, ya que pasa al Conjunto de René Álvarez y después formó parte del de Arsenio Rodríguez.
1.949 – El 18 de mayo se realiza la primera grabación de Alfredo Armenteros con la orquesta de René Álvarez, el tema se llamo: “Niña y Señora”, tema que mas adelante grabaría Tito Puente.
1.950 – Alfredo se convierte en músico de la orquesta del pianista Julio Gutiérrez.
1.953 – En este año se le presenta la oportunidad de hacer parte de La Sonora Matancera, en reemplazo de Calixto Leicea, quien, por enfermedad se ausentó. En ese mismo año, forma parte de la orquesta de su primo hermano Benny Moré, donde trabaja junto al trombonista Generoso Jiménez y el pianista Cabrerita en arreglos de la banda.
1.953 – Es el año en el cual Alfredo Armenteros empieza a conocerse con el apodo de “Chocolate”, el cual a la postre se convertiría en su nombre artístico.
1.953 – Entre este año y 1.958, Alfredo Armenteros realizo varias grabaciones con La Banda Gigante de Benny Moré, entre las cuales tenemos a: “Hoy Como Ayer”, (BMG/Tropical Series 54269).
1.956 – Viaja por primera vez a Estados Unidos con la orquesta de Fajardo, tocaron en el teatro Waldorf Astoria durante una semana y después en el Palladium.
1.957 – Un año después de presentarse con Fajardo, decidió permanecer en New York. En esta ciudad forma parte de la orquesta Machito y sus Afrocubans.
1.957 – Hace parte de la producción musical de Aldemaro Romero, “Almendra”: Aldemaro Romero En Cuba Con Orquesta Gigante De Estrellas Cubanas. Grabada en La Habana, Cuba y en la cual canta Miguel de Gonzalo.
1.958 – Chocolate integro El Conjunto Kubavana, con quien grabó “A Toda Cuba Le Gusta”, (Caney 505), cantando Carlos Embale, Raúl Planas y Rudy Calzado.
1.963 – Nuestro gran Chocolate participa de la grabación de Mongo Santamaría con La Lupe, titulado “Mongo Introduces La Lupe”, (Milestones 9210).
1.964 – En la llamada capital del mundo trabajó durante la Feria Mundial de Nueva York con la orquesta de Johnny Pacheco. Para esa época se inicia como compositor y graba con varios grupos musicales.
1.964 – Con Osvaldo Chihuahua Martínez & Chihuahua All-Stars, graba “Descarga Cubana”, para el sello Caney 525.; en este trabajo también intervinieron José "Chombo" Silva Tenor saxo, Javier Vázquez Piano, Pupy Legarretta Flauta y violín, Elpidio Vázquez Bass y Chivirico Dávila Coro.
1.965 – Se realizó la primera grabación de Tico All Stars, “Descargas Live at the Village Gate, Vol. 1”, la cual contó con Chocolate Armenteros en sus filas.
1.966 – Chocolate graba junto al gran Arsenio, “Arsenio Rodríguez Y Su Conjunto, Vol. 2”, (Ansonia 1418), Cantan: Marcelino Guerra, Santiago Cerón e Israel Berrios.
1.966 – Se produce la segunda reunión de Tico All-Stars,“Descargas Live at the Village Gate, Vol. 2”, allí también participa Chocolate.
1.966 – Se inician las grabaciones de Larry Harlow con su orquesta, su primer trabajo, el cual incluyo a Chocolate Armenteros se llamo “Heavy Smokin”, en el cual vocalizaba Felo Brito.
1.967 – Este año se grabo el tercer y último trabajo de descargas de Tico All-Stars, “Descargas Live at the Village Gate, Vol. 3”,incluyendo a Chocolate.
1.968 – El Judío Maravilloso Larry Harlow realiza su segundo álbum titulado “Bajándote: Gettin' Off” para Fania Records, allí estuvo Chocolate en la Trompeta, en este trabajo el cantante Monguito reemplazó al vocalista principal, Felo Brito.
1.969 – Chocolate aparece en el trabajo de Eddie Palmieri titulado “Champagne” para el sello Fania Records, el cual contiene temas como: “Cinturita”, “Busca lo Tuyo” y “Palo de Mango” e incluye, entre otros a los músicos Barry Rogers, Israel “Cachao” López, Ismael Quintana, Cheo Feliciano y Cynthia Ellis.
1.970 – El pianista Eddie Palmieri incluye entre sus músicos a Chocolate en el álbum “Superimposition”, (Fania / Emusica), este disco contiene los números “Chocolate Ice Cream”, “Pa' Huelé” y “Bilongo”.

1.971 – Una vez mas graba con Machito y sus Afro-Cubans, “Soul Of Machito: Machito & His Orchestra”, (Fania / Emusica).
1.971 – Es incluido en el disco “Chivirico: Su Nuevo Estilo”, granado por Chivirico Dávila para el sello Fania.
1.972 – El extraordinario pianista Charlie Palmieri incluye a Chocolate en su producción titulada “El Gigante Del Teclado”, (Fania / Emusica).
1.973 – Se inicia una larga lista de grabaciones de Chocolate con Roberto Torres, el primer trabajo se llamó “El Castigador”, (Salsoul 7003) / Mericana MYS-114, con temas como “Échale Salsita” y “El Caminante”; entre los músicos que aparecen en la grabación tenemos a: Javier Vázquez Piano, Lino Frías Piano, Andy González Bass, Johnny Rodríguez Congas, Calixto Leicea Trompeta, Barry Rogers Trombón, Louis Kahn Trombón y Leopoldo Pineda Trombón.
1.974 – Los sellos Tico y Alegre reúnen a sus estrellas, en el disco “Live At Carnegie Hall”, allí estuvo presente nuestro gran Alfredo Armenteros, en este disco se grabaron los temas “Son Tus Celos”, “Si Yo Encontrara Un Amor” y “Sale Del Sol (Dormir Contigo)” en la voz de Ismael Rivera.

1.974 – Se publica el segundo disco de Chocolate Armenteros con Roberto Torres titulado “Juntos”, (Salsoul 7018) este disco contiene la primera versión del tema “Para que aprendas”, un clásico de la salsa, en la voz de Roberto Torres.
1.974 – Su trompeta suena en el disco “Traigo de Todo” de “Ismael Rivera y sus Cachimbos”, Tico Records CLP 1319, allí se incluyeron los temas: “Satélite”, “Que Te Pasa A Ti”, “El Nazareno”,“El Niche” y "Traigo De Todo".

1.975 – De los primeros discos de Chocolate y su Orquesta fue el titulado: “Chocolate Caliente - Bien sabroso”,acompañado de Roberto Torres, grabado para RCA Víctor LPS 53-1279.
1.975 – Participa en El Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorkino cuyo primer trabajo se publicó en abril de ese año con el nombre de “Concepts in unity” (Conceptos en unidad). La grabación se realizó en el mes de abril, en CBS Studios de la ciudad de Nueva York.
1.976 – Graba con El Grupo Folklórico Y Experimental Nuevayorquino, en su segundo álbum en marzo de aquel año, ese disco se tituló “Lo Dice Todo”, (Salsoul 7014).
1.976 y 1.977 – Chocolate participa en dos grabaciones respectivamente con Israel "Cachao" López: “Cachao y Su Descarga 77” y “Cachao Dos”. En estos trabajos participaron, entre otros, los músico Pupi Legaretta ,Gonzalo Fernández, Osvaldo "Chihuahua" Martínez , Julián Cabrera , Rolando Vélez , Charlie Palmieri , Carlos "Patato" Valdés , Julito Collazo , Eugenio "Totico" Arango , Mario "Papaíto" Muñoz , Virgilio Martí , Alfredo "Chocolate" Armenteros e Israel "Cachao" López. En 1977 Alfredo “Chocolate” Armenteros ingresa nuevamente como trompetista de La Sonora Matancera y allí permanece hasta 1980. Continuó grabando con otros grupos y con uno propio que fundó. Participa en grabaciones del sello SAR, y fue director musical de diversas producciones de ese sello.
1.978 – De nuevo en el colectivo de Rogelio Martínez, graba con ellos el disco “Pruebe La Salsa de La Sonora Matancera”, en el que aparecen los temas “Mala Mujer” y “la Rumbantela”, bajo el sello Orfeón.
1.979 – Al lado del gran pianista Lino Frías, Chocolate participó en el álbum de Linda Leida, “Con Sabor A Montuno”, para el sello SAR 1005.
1.979 – Chocolate participa en otro álbum de La Sonora Matancera titulado “Fiesta”, también para el sello Orfeón, allí se grabaron los temas “De tanto mirar tus ojos”, “Son de Matanzas” y “Fiesta”.

1.979 – Otros trabajos musicales en este año realizados por Chocolate son: Monguito “El Único”: “Yo no soy mentiroso”, SAR Records; 1.979; Roberto Torres, “Recuerda a Portabales”, SIS 006; Roberto Torres,“Presenta su Amigo Papaíto”, SIS 008.
1.980 – El cantante Henry Fiol de Nueva York realiza su primera producción como solista titulada “Fé, Esperanza Y Caridad”, (SAR/Guajiro 1012), en este disco aparece la trompeta de Chocolate.
1.980 – Disco Daro Internacional publica un extraordinario disco de Chocolate Armenteros titulado “Prefiero el Son”, en el cual canta Many Diván y contiene temas como: “Prefiero el Son”, “En La Campiña” y “Chocolate sabroso”.

1.980 – En los inicios de esta década, Chocolate participó en varios trabajos musicales, entre los cuales se tienen: Ángelo. “Y Su Conjunto Modelo”, Guajiro Records 4000; “Roberto Torres presenta… la Charanga Vallenata” SIS, Sontec; Papaíto, “Papaíto Vol. 2”, Salas, SIS 013; Conjunto Crema, “Roberto Torres Presenta Al...Conjunto Crema”, (SAR/Guajiro 1011); Monguito, “From África To Cuba - Lassissi Presente Monguito El Único”, Sacodis LS 21; SAR All Stars “Interpreta a Rafael Hernández”, Salsa SIS 048; Alfredo Valdés“Interpreta sus éxitos con el sexteto nacional”, Salsa SIS 051.
1.981 – El segundo trabajo musical de Linda Leida en el que participo Chocolate se llamó “Linda Leida”, Salsa, SIS 029, el cual presento los éxitos “Tumba” y “Jóvenes Del Muelle”.

1.981 – En el disco “El Secreto” del cantante Henry Fiol, participa por segunda vez Chocolate con su trompeta, esta grabación se realizó para el sello Guajiro Records, SIS 047. Otras participaciones de Alfredo Armenteros este año son: Roberto Torres, “Presenta La Charanga Vallenata”, SIS; Roberto Torres, “Y Su Charanga Vallenata”, Philips; Roberto Torres, “Recuerda al Trío Matamoros”, SAR 1016; Luisa María Hernández., “La India De Oriente”, (SAR/Guajiro 4004); SAR All Stars – “Interpretan a Rafael Hernández”, Salsa SIS 048.
1.981 – El sello SAR publica dos discos en vivo de SAR All Stars – “Recorded Live in Club Ochentas Vol. I y Vol. II. Con la participación de varios de los músicos pertenecientes al sello SAR, entre los que se encuentra Alfredo Chocolate Armenteros. 
1.982 – Entre las producciones musicales en las cuales participa Chocolate en ese año aparecen: “Chocolate Armenteros, Y Sigo Con Mi Son — Lo Mejor Vol. 2”, (SAR/Guajiro 1013); Roberto Torres, “Y Su Charanga Vallenata Vol. III”, SIS 062; Mario Muñoz Salazar, Papaíto, “Papaíto Vol. III”, (SAR/Guajiro 1030); (SIS 058); Laba Sosseh, “Laba Sosseh”, (SAR/Guajiro 1029).
1.982 - Alfredo Armenteros Chocolate graba su álbum titulado: “Dice”, Cumpliendo las funciones de Director musical y trompetista grabado para Salsa SIS 060. De allí se desprende el éxito "Hasta Pantoja Baila Mi Son".
1.982 – Hace parte de la grabación de Miguel Quintana grabada para el sello “Taboga”, una división de Guajiro Records, el cual nombraron “Son Habanero con Miguel Quintana”. En este trabajo se incluyen temas del famoso Sexteto Habanero de Cuba en los años veinte.
1.984 – Un nueva grabación de Papaíto se llamó “Para Mis Amigos", (SAR/Guajiro 1040), allí aparece Chocolate y en los coros Adalberto Santiago y Yayo El Indio.
1.984 – Otra producción musical en este año, esta vez de Alfredo Valdés con Chocolate en la trompeta, se tituló “Pionero Del Son”, Caimán 9007, al lado de músicos como: Mario Muñoz "Papaíto", Israel Berrios, Carlos Manuel Díaz “Caito”, Marino Solano, Alberto Valdés y Cándido.
1.985 – En este año se publicó un trabajo musical de Alfredo Chocolate Armenteros, bajo el título de “Chocolate En Sexteto”. Se grabó en discos Perla bajo licencia Caimán Records de Nueva York.
1.987 – Se publicó un nuevo álbum de Chocolate y su Sexteto por parte de Discos Perla con licencia Caiman Records, el cual se llamó “Rompiendo Hielo”.

1.990 – El Productor musical Kip Hanrahan realiza el trabajo “Tenderness”, (American Clave 1016/17), entre los músicos que allí intervienen se encuentra nuestro gran Alfredo Armenteros.
1.993 – El actor y director de cine cubano Andrés Arturo García Menéndez, conocido como Andy García realiza un homenaje a Cachao llevando al cine el documental “Como su ritmo no hay dos”, entre los músicos que allí participaron estuvo nuestro Chocolate Armenteros al lado de otras figuras como: Néstor Torres, Paquito D'Rivera, Alfredo Valdés Jr, Combo Silva, Nelson Gonzáles, Jimmy Bosch, Gloria y Emilio Estefan.
1.994 – La grabación “Aquí Mi Son”, (Guateque 1), realizado ese año por Ramón Veloz contó con la presencia de Nelson González en el Tres, Papo Pepín en las Congas, José Mangual en los Bongos y Chocolate participa como productor y Trompetista en este álbum.
1.994 – Es invitado con Cachao, José Mangual Jr y Ray Santos para participar en el trabajo musical “Man From San Juan”del escritor, poeta y compositor José Castellar (Jokaso Music 12182).
1.995 - Con la dirección musical y piano de Alfredo Valdés Jr, Chocolate participa en la grabación de Las Estrellas Cobo (Antes Estrellas Caimán), en su trabajo “Descarga In New York”, (Cobo 9035).
1.995 – Cándido Antomattei, “Cándido Con Arsenio Rodríguez Y Estrellas”, álbum grabado inicialmente en los años 1960s, (Faisán 512), en el mismo intervinieron Tres: Arsenio Rodríguez, Piano: René Hernández, Bass: Polito Huerta, Piano: Luis Quevedo, Conga: Martín Quiñones, Bongoes: José « Buyú » Mangual, Conga: Patato Valdés y Cantante: Miguelito Cuní. Los temas seleccionados son de sesiones de grabación diferentes que tuvieron lugar en Cuba, Puerto Rico y Estados Unidos; algunas probablemente posteriores la muerte de Arsenio Rodríguez.
1.995 – Caiman Recordes lanza al mercado musical un disco de Chocolate Armenteros con el título “Chocolate Y Amigos”; los temas incluidos con: “Cachondeando”, “No Te Importe”, “Son De La Loma”, “Guantanamera”, “Noche Cubana” y “La Macarena”.
1.995 – Armenteros es incluido en el álbum del pianista Alfredo Valdés Jr. y Su Orquesta, “La Fiesta no es para feos”, (SAR/Guajiro 611), producido por Roberto Torres.
1.997 – Nuestro Chocolate participa en el trabajo de Las Estrellas Cobo (Estrellas Caimán), “Descarga Del Milenio”, (Cobo 9037); al lado de grandes de nuestra música como: Ray Barretto, José Fajardo, Jimmy Bosch, Andy González, Mike Collazo y Pupi Legarreta.
1.997 – Nuestro trompetista Chocolate Armenteros grabó un disco con el título de “Chocolate & His Cuban Soul”, para el sello Caimán Records 9038. En este trabajo intervinieron, entre otros, Manuel Valera Lead alto Sax, Joe Santiago Bass, Jimmy Delgado Bongoes, Alfredo Valdés Jr. Piano y Eddie Montalvo Congas.
1.998 – Se publica un disco de Panchito, “Panchito Vol. 3”, grabado con Luis Lija Ortiz y su Conjunto en el cual participa Chocolate, el disco fue grabado inicialmente en 1.956 bajo el sello Ansonia.
1.998 – Uno de los mejores trombonistas de las nuevas generaciones es, sin duda, Jimmy Bosch, con quien graba Chocolate el disco “Soneando Trombón”, (Ryko Latino 1004).
1.998 – El 21 de Marzo se realiza la 30a entrega anual de los premios ACE: La Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York, conocida en Latinoamérica y España por sus siglas ACE, en esa oportunidad, entre los Premios Especiales por Notables Logros Profesionales se eligió a Chocolate Armenteros.
1.999 – Un disco de Chocolate Armenteros ese año se titula “En El Rincón”, (Salsoul 7013), entre los temas de este disco tenemos a: “Contrólate”, “Se Tu Historia” y “Lo Dicen Todas”.
1.999 – Hace parte de la grabación de Chico O’Farrill, “Heart of a Legend”, Milestones, MCD 9299-2, Grabado en diciembre de 1988 y junio y julio de 1999.
2.000 – El Compositor y Percusionista John Santos, natural de San Francisco, California, publica “Tribute To The Masters - John Santos And The Machete Ensemble del cual es director desde 1.986”, en el sello CuBop 025, entre los músicos participa Chocolate.
2.000 – El sello Putumayo Records presenta un disco compilatorio de “Latin Jazz”, en homenaje a cuatro grandes comoTito Puente, Poncho Sánchez, Ray Barreto y Eddie Palmieri, allí se incluye el tema “Trompeta en Montuno” de Chocolate.

2.000 – Se publica un trabajo titulado: “Soneros De Cuba Y New York: Ángelo Vaillant & Ernest "Chico" Álvarez”, (SAR/Guajiro 1082), es una reedición con siete temas de cada uno de estos dos músicos. En estas grabaciones participó Alfredo Armenteros.
2.001 – El Trombonista Juan Pablo Torres reúne un excelente grupo de músicos para grabar lo que se denominó Cuban Masters, “Los Originales”, (Universal/Music Haus 160509); los integrantes de dicho colectivo fueron: Juanito Márquez Guitar; Alfredo "Alfredito" Valdés Jr. Piano; Carlos "Patato" Valdés Conga; Juan Pablo Torres Trombón, Musical Director, Arreglos, Coros y producción; Carlos Bermúdez Bajo; Feliciano "Pachu" Gomes Trompeta; Wilfredo de los Reyes Percusión; Luis Miranda Percusión; Jose Fajardo Flauta; Israel "Cachao" López Bajo; Alfredo Rodríguez Piano; Francisco Aguabella Conga; Alfredo "Chocolate" Armenteros Trompeta; Rudy Calzado Vocalista; Héctor Casanova Vocalista; Jesús Caunedo Clarinete, Flauta, Saxo (Alto); Miguel Cruz Bongos y Güiro.
2.001 – El gran Nelson González, maestro del Tres publica el disco “Pa' Los Treseros”, (Qbadisc 9504), en el que incluyó a los músicos Yomo Toro (cuatro); Alfredo "Chocolate" Armenteros; Papa Vásquez, Jimmy Bosch (trombón); Papo Lucca, Oscar Hernández, Juan González (piano); Andy González (bajo); Manny Oquendo (bongos, timbales); Bobby Allende (bongos, timbales); Jerry González.
2.003 – Participa nuevamente con Las Estrellas Cobo (Estrellas Caimán) en el álbum “Heavy Duty - Cobo Music Jam”, (Cobo 9054). En este trabajo también participan los timbaleros Manny Oquendo y Orlando Marín.
2.004 – La agrupación Son Boricua en su trabajo “Fabulosos 70's”, (Cobo 9061) cuenta con los servicios de Alfredo Armenteros.
2.004 – El líder y cantante cubano Israel Kantor dirigió un trabajo que se llamó “Tropicana All Stars Live, Vol. 2”, (Regu Records 1104), también publicado en formato de DVD, allí estuvo presente Chocolate Armenteros.
2.004 – Se reedita la grabación de Chico O'Farrill, “Fiebre Tropical - Chico O'Farrill's All-Star Afro-Cuban Orchestra”, (Yemayá Records 9431), este trabajo fue grabado en La Habana en 1.953 con la participación de Alfredo Armenteros.
2.004 – Hace parte del elenco de grabación del álbum “Auténtico” de Gilberto Santa Rosa, (Sony), 2.004; allí también participaron Bobby Valentín y Andy González en el Bajo y los coros de Jerry Rivas, Paquito Guzmán y Adalberto Santiago.
2.006 – El percusionista Daniel Ponce graba “Rumba Pa' Gozar” para el sello Seyer / Soundscape 2024, con la presencia de Alfredo Armenteros.
2.006 – El 27 de octubre el percusionista Daniel Ponce graba en Seyer / Soundscape 2024 el álbum “Rumba Pa' Gozar”, incluyendo a Alfredo Armenteros.
2.007 – La obra "The Lost City" es la última película protagonizada, dirigida y producida por Andy García, incluyendo a Alfredo Armenteros.
2.007 – Chocolate Armenteros se presentó en un concierto grabado en vivo en San Juan, Puerto Rico el 5 de octubre del año 2.007, donde se le rindió un tributo en vida a la trompeta nacional de Cuba la leyenda Alfredo "Chocolate" Armenteros y en el cual participaron como artistas invitados Luis "Perico" Ortiz, Elliot Feijoo, y Charlie Sepúlveda. Chocolate, es aclamado como una de las figuras centrales de la época de oro de la música Cubana.

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La Dimensiòn Latina / Reportaje de Milagros Socorro

El aniversario de aquel debut del 15 de marzo de 1972 encuentra a sus miembros originales reunidos otra vez y decididos a reeditar sus viejas glorias. Con 30 discos grabados y un lugar seguro en la historia de la música caribeña, tiene además la satisfacción de haber sido declarados, en julio de 2003, Patrimonio Histórico Cultural de Santiago de León de Caracas.

Milagros Socorro 

La escalera que conduce al estudio de grabación es oscura e incómoda. De hecho, para llegar a ella es preciso recorrer el estrecho pasillo del primer piso, al que se abre la puerta de un baño de donde emana un olor mezcla de orina rancia y detergente barato.

El ensayo está pautado para el lunes, entre 8 y 10 de la noche, en un edificio de dos torres, en la venida San Martín, en cuyos bajos hay unos locales comerciales. El miércoles siguiente se presentarán en el restaurant Campanero Grill, en el Centro Comercial Ciudad Tamanaco; y, además de los cinco legendarios artistas, se espera la concurrencia al ensayo de unos cinco músicos más, todos jóvenes, que se han incorporado a la banda. El entorno es decadente pero la circunstancia dista de serlo: los miembros originales dela Dimensión Latina han vuelto a juntarse. Están todos, con la excepción de Oscar D’León, en la actualidad una estrella inalcanzable, y de Jesús ‘Chuito’ Narváez (Margarita, 26 de agosto de 1950 –La Guaira, 16 de enero de 2006).

El anfitrión es César ‘Albóndiga’ Monge (Catia, 26 de febrero de 1959), director musical y trombonista. Conserva el nombre artístico, pero no la contextura física a la que alude: está mucho más delgado. Es un hombre afable, afectuoso, de risa fácil y muy comunicativo. Da la impresión de estar en paz con el mundo y con su propia vida. Están también: el timbalero Joseíto Rodríguez, organizado, conciliador y buena gente; el percusionista Elio Pacheco, a cuyo cargo está la tumbadora, es el eterno blanco de las bromas de sus compañeros, porque, según ellos, es un viejo (nació en Caracas el 8 de abril de 1944); el trombonista José Antonio Rojas, Rojitas, y el cantante Rodrigo Mendoza.

Con la excepción de Mendoza, que llegó a la Dimensión Latinaen marzo del 77, los otros cuatro están en la orquesta desde el primer momento. También ha regresado a su casa el cantante Vladimir Lozano, (nacido en 1950 e, igual que Rodrigo Mendoza, en Maracaibo). Vladimir ingresó a la Dimensiónen 1974, dos años después de su fundación, pero había estado siempre cerca. “Su ingreso se produjo poco antes de los carnavales de 1974”, dice Albóndiga, “e inmediatamente grabó su éxito La piragua. No lo habíamos contratado antes porque él estaba comprometido en La cueva del oso y porque no había el biyuyo”. 

Han pasado muchas cosas. Se han peleado. Se han ido a formar sus propias orquestas. Han cosechado algunos éxitos y padecido no pocos sinsabores. Muchas veces han mirado al pasado y evaluado los errores. Han visto el tiempo pasar. Han vuelto a encontrarse muchas veces, en distintas circunstancias; incluso, ha coincidido para grabar un par de veces… hasta que a principios del año pasado volvieron a reunirse, pero esta vez para retomar el camino dela Dimensión Latina. Y ahora será para siempre, aseguran.

En los primeros años 70, Joseíto Rodríguez era mensajero. En varias ocasiones subió al taxi que entonces manejaba Oscar Emilio León Simoza (Caracas, 11 de julio de 1943), quien no tardaría en ser conocido, entre otros apelativos, como el león de la salsa. En esas ocasiones los dos iban haciendo música mientras escuchaban una de las cintas que Oscar llevaba para escuchar mientras trabajaba. Joseíto percutía con lo que tuviera a mano y el singular chofer cantaba con tal fuerza que arropaba la voz de los cantantes.

En el 71, ya Oscar actuaba en el local La Sabra, como bajista del quinteto Los Junior. Pero el centro de la salsa en Caracas era la cervecería La Distinción, a donde solían ir los muchachos de Los Junior cuando terminaban de trabajar. A principios del 72, la escena de La Distinción la copaban el grupo Los Satélites, del zuliano José Rafael Cheché Mendoza, donde a la sazón tocaban Albóndiga y Rojitas. Una noche se armó un zafarrancho en el que intervino uno de los músicos de Los Satélites, y Aurelio, el encargado de La Distinción, los botó en el acto.

Oscar D´León, que se encontraba en el lugar, se apresuró a ofrecer una orquesta… que no existía. Fue así como el 12 de marzo del 72, Joseíto estaba con Oscar en su Ford Crown gris del año 56 de Oscar, cuando se detuvieron frente al Cuartel de Bomberos a para recoger a Rojitas. “Se me quedó grabada en la memoria”, dice Joseíto, “el momento en que Rojitas salió, con su uniforme de bombero y en una mano, el trombón”. Poco después llegaron Elio Pacheco y Rojitas. Oscar presentó a los que no se conocían y se fueron a Catia a recoger “al gordo Monge”. Una vez lleno el vehículo, se dirigieron a la casa de Andrés ‘Culebra’ Iriarte, enLa Guaira, donde se harían los pocos ensayos previos al debut. Culebra fue el primer pianista dela Dimensión Latina, y solo estaría un mes con el grupo. Rápidamente fue sustituido por Chito Narváez.

El 15 de marzo de 1972, se presentaron por primera vez. Sería, como ya ha registrado la historia, en la cervecería La Distinción, en la avenida Venezuela de El Rosal. Los preparativos fueron tan precipitados que aquella noche inaugural no tenían ni siquiera nombre. Había una idea vaga. En esa época hacía furor la canción Acuario (Let the Sunshine In), del musical Hair, que había sido grabada en 1969 por el grupo La Quinta Dimensión. Con esa referencia, ellos consideraban la posibilidad de llamarse Dimensión 6, para seguir en la onda esotérica y hacer referencia al hecho de que ellos eran un sexteto. Pero al mes de estar tocando enLa Distinción, un habitué del lugar y gran músico, el saxofonista Víctor Cuica, que conocía a variaos de ellos porque había sido su compañero de estudios en la escuela de músicos militares, les sugirió el nombre con el que se incrustarían en la cultura venezolana. Les pareció perfecto. Cogieron una cartulina, escribieron  con marcador La Dimensión Latina, y pusieron el improvisado cartel en la marquesina del local. No sospechaban que acababan de acuñar la marca de la primera orquesta venezolana con proyección internacional.

Después de esas primeras semanas los hechos tomaron un ritmo vertiginoso. Lo primero que ocurrió fue que, de estar contratados dos noches por semana (a razón de Bs. 30 por jornada), pasaron a tres. Les dieron también los domingos, pero en otro local y en doble tanda. “El señor Heriberto, el dueño deLa Distinción”, recuerda Joseíto, “tenía otro negocio, llamado El Junquito Park, en esa población. Y nos dijo para que tocáramos allí los domingos hasta las 7, cuando cerraban el local. Así lo hicimos. Y resulta que, cuando terminábamos allá, nos veníamos en el carro de Oscar, seguidos por una tremenda caravana, porque la gente no quería suspender la parranda. De manera que se venían detrás de nosotros para seguir la rumba enLa Distinción”.

-En el techo montábamos el equipo de sonido, el piano de pared y las congas –dice Albóndiga- y adentro íbamos nosotros seis. Y así mismo viajábamos para el interior.

Antes de terminar el año ya habían grabado su primer disco y hasta habían amenizado la travesía del barco español Begoña, en su crucero por el Caribe. Habían logrado una hazaña: eran el primer sexteto del mundo con dos trombones. “Hasta ese momento”, precisa Rojitas, “los sextetos tenían guitarra y una trompeta”. Y había logrado un sonido único, que enloquecía a los bailadores.

-La Dimensión Latina–dice Federico Pacanins, en su libro de próxima aparición, Salsa en Caracas- forjó un sonido caraqueño como el que más, siempre ligado a una parentela de música afrocaribeña bailable nunca renegada: la orquesta Casino dela Playa,la Sonora Matancera,la Billo’s Caracas Boys o la banda de Luis Alfonzo Larrain fueron punto de partida mediante el toque de temas versionados por el bolerista Wladimir Lozano y por el bajista, Oscar D’León.

-El dela Dimensión Latina–dice Albóndiga- es el primer sonido venezolano de exportación. Aunque nosotros empezamos copiando, no tardamos en desarrollar un sonido particular, que, además, es de todos. Ninguno de nosotros puede decir que hizo el sonido dela Dimensión. Cadaquien aportó lo suyo: Joseíto tiene un chapeo famoso, que se lo imitan hasta en Rusia, Elio con su golpe… eso fue lo que se reunió aquí. Y teníamos, claro está, la presencia de Oscar D’León, que tiene un dominio asombroso del bajo y un estilo incomparable. No hay duda de que Oscar tiene un don de Dios.

-Cada quien se ingenió para producir la mayor cantidad de sonido posible –explica Elio- porque éramos solo seis y había que sonar mucho.

Oscar D’León dejó la agrupación en 1976 para hacer la carrera internacional acorde a su inmenso talento y disciplina. Fue un golpe muy duro para la orquesta, el diablo de la salsa, como se le llamó en una época, era un prodigio de figura. Bajista excepcional, extraordinario cantante, sonero espléndido,  carismático y dueño de una energía avasallante, que despliega mientras baila como un rey y corteja al instrumento como si fuera una mujer. Es demasiado. Cuando Oscar D’León está en escena solo él concentra las miradas. La verdad es que él era el gran gancho de la banda. Y, por si fuera poco, es un compositor de gran éxito. ¿Un ejemplo? La guaracha Llorarás, de su autoría, grabada en 1975, enDimensión Latina ’75, el quinto disco de la orquesta y el segundo disco donde se alternaban las voces de Vladimir y Oscar. La leyenda cuenta que Llorarás fue incluida a última hora, como relleno; y hete aquí que varios especialistas han coincidido en que esa pieza trazaba la ruta quela Dimensión debió tomar como agrupación de acento urbano, caraqueño, en contraposición a los temas campesinos de origen cubano y puertorriqueño, que terminaron privando en su repertorio.

Tras la marcha de Oscar, la orquesta tuvo buenos momentos. El cantante que lo sustituyó fue Argenis Carruyo; y luego engancharon a Andy Montañés, cuadros de primera, sin duda alguna. Pero a los diez años de su fundación,la Dimensiónlatina comenzó a declinar.

En la actualidad, los fundadores hablan de Oscar D’León con gran respeto y cariño. Cada tres palabras lo mencionan. Y no pierden las esperanzas de verlo llegar un día, girando instrucciones a gritos, conminándolos a montarse en un escenario para triunfar.

Publicado en la Revista Clímax, marzo de 2012

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MIGUELITO CUNÍ UN SONERO EXCEPCIONAL

 

Su verdadero nombre: Miguel Arcángel Conill Conill; en la vida musical y artística: Miguelito Cuní. Nació en la Ciudad de Pinar del Río el 8 de mayo de 1917; sus padres Pastor y Valeriana, según refieren, residían en la calle Alfredo Porta número 21 en dicha época.

De humilde cuna, de progenitores laboriosos, llenos de bondad, educaron a sus hijos en el buen ejemplo del respeto y estimación de sus congéneres, en el recíproco afecto, en la general estimación y aquello fue base para su posterior conducta y proceder, para el desarrollo de sus relaciones personales, para la verticalidad de sus principios que nunca alteró, que jamás violó, así, su palabra fue testamento del compromiso adquirido, hecho que lo distinguió durante toda su existencia.

De niño compartió la asistencia a la escuela con la lucha diaria por resolver las más perentorias necesidades para la obligada subsistencia, y junto a sus hermanos y primos se dedicaba al cambio de frascos vacíos por caramelos de fabricación casera; y fue precisamente aquella labor la que sirvió para identificar una pequeña agrupación musical con la que realizó sus primeras presentaciones, "Los Carameleros"; ello ocurría mientras transcurría el año 1932.

Aquella voz, aquel estilo pronto impactó muy favorablemente, y el tresero Margarito Santacruz lo capta como vocalista de su septeto "Lira". El maestro Rolando Lluis Espinel le lleva al "Yamilé", canta con el septeto "Caridad", con la orquesta del maestro Fernando Sánchez, la del maestro Jacobo González Rubalcaba -años 34, 35 y 36- y ya el natal terruño le va quedando chico, piensa en convertir en realidad el sueño de todos los que en el interior tenían facultades, y esa oportunidad se la brinda el maestro Ernesto Muñoz, que le habla de su radicación en La Habana y vocalizar con su popular orquesta; acepta, y en el año 1938 se apresta a convertir en realidad sus anhelos. Arsenio Rodríguez, "El ciego maravilloso", lo lleva a su popular conjunto y comienza presentaciones, grabaciones, transmisiones radiales; y una gran legión de admiradores le sigue en sus actuaciones con los tres grandes: Melodías del 40, Arsenio, y Arcaño y sus Maravillas.

Los bailadores le prefieren, y en 1941 y 42 son testigos de su gran popularidad, ganada por su calidad como vocalista, su timbre. En 1947 viaja como solista a Panamá donde en los carnavales de aquella hermana nación suma a sus éxitos una estancia de dos años, hasta 1949 en que regresa y se reincorpora al Conjunto Orquestal Todos Estrellas de Arsenio Rodríguez. Al siguiente año este se traslada a Estados Unidos y asume la dirección de la agrupación el trompetista Félix Chapotín.

Miguelito recibe entonces la proposición del Bárbaro del Ritmo para que vocalice junto a él, e integre "La Tribu", y en el año 1956 viaja a Caracas, Venezuela, donde junto a los integrantes de aquella seleccionada orquesta sentó pautas en la forma de interpretar nuestros ritmos; consignemos que El Benny era un gran admirador de nuestro coterráneo y es conocido que en ocasiones se deleita escuchando sus grabaciones en las victrolas tocadiscos, con comentarios muy favorables, que viniendo de él tenían un gran valor, además de afirmar una recíproca admiración y sincera amistad.

Sonero intérprete de una magnífica dicción, afinación, Miguelito hacía de cada interpretación una verdadera creación, así legó a la posteridad números como el bolero ConvergenciaLa protesta de Baraguá, Cárdenas, Quimbombó que resbala, El carbonero, y otras muchas.

Tal es el éxito de Miguelito en tierras de Bolívar que una compañía disquera le extiende un jugoso contrato y lo hace artista exclusivo. Transcurre el tiempo y la nostalgia lo conmina al regreso, antes actúa en Curazao -Antillas Holandesas- donde es un ídolo, tan es así que regresó en cinco ocasiones, prueba irrefutable de la preferencia del público por su arte, ya con el conjunto de Félix Chapotín o como solista.

En el año 1960 hace realidad un viejo anhelo, un ventajoso contrato le reclama para presentaciones ante el público latino de Nueva York y realiza actuaciones en el Palladium y otros frecuentados y populares centros.

A su regreso a la Patria en 1966 funda junto a otros destacados intérpretes su propio conjunto, participa en el film "Nosotros, la música", así como en varios documentales, plasma en el pentagrama inspiraciones que avala con su firma y surgen: Todos bailan con la guajira, Guachinango, Ansias y otras.

Su buen carácter era característica que le identificaba, desde muy temprana edad fue deferente, amable, siempre estaba acompañado, ya por compañeros músicos, admiradores o simpatizantes de su persona. Los centros nocturnos, jardines, clubes, sociedades de entonces le programaban como lo que era, toda una atracción; y al acetato llevó, en su voz, decenas de grabaciones que siguen siendo y gozando de general preferencia, ya que como bolerista, montunero, y otras conocidas modalidades de nuestro acervo cultural, era indiscutiblemente... el imán.

Periódicamente se le veía en el terruño que nunca olvidó, con los suyos compartía éxitos y triunfos, jamás olvidó a su tierra pinareña. Contrajo nupcias y fundó un hogar rodeado de comprensión y amor, al que dedicó toda su vida, sus ejemplos, su cariño.

Cuando Miguelito decide radicarse en La Habana, meta obligada de aquellos tiempos, también lo hacen muchos de sus compañeros músicos que como él buscaban nuevos horizontes, así van en la conquista de nuevos senderos Antonio Sánchez Reyes -Ñico Musiquita-, destacado compositor, pianista, violinista, Enrique Jorrín, Miguel García -Chaucha-, Hilario Martínez -Marrengo-, vocalista en Méjico de la orquesta de Dámaso Pérez Prado -ya fallecido-, Antonio Rodríguez, Tony Roig -arreglista del dúo Clara y Mario-, integrante de la orquesta del ICRT, Ulpianito Reyes, Rey Montesinos, Andrés Echevarría -El Niño Rivera- y muchos más como Virgilio González, el prolífero autor de tantos éxitos como Clara, Le dije a una rosa, La ola Marina y otras.

Miguelito se distinguió por el amor a su tierra, la honró y se honró, por encima de todo siempre colocó su honor de cubano, con hidalguía y entereza practicó lo que de cuna aprendió.

El 13 de marzo de 1984, mientras recibía los cuidados de la ciencia en el hospital Hermanos Ameijeiras, y mientras se esperaba su recuperación, le sorprende la muerte sumiendo en el dolor a su pueblo que lo hizo ídolo y que supo de sus muchas cualidades y virtudes.

La Empresa Artística Provincial del Sectorial de Cultura de Pinar del Río se identifica con su nombre como digno homenaje a su memoria, a su trayectoria, a sus múltiples cualidades como artista y ciudadano, como padre, esposo, hermano, a que se hizo acreedor.

Miguelito Cuní, ejemplo de sencillez y modestia siempre será recordado por sus excepcionales méritos, aportes e interpretaciones, por su caballerosidad, por su cubanía. Honor, a quién cantó, ...él era el son.

  

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Abelardo Barroso Dargeles / Biografìa

 

Abelardo Barroso Dargeles (1905-1972). Célebre intérprete de la música cubana y legendario sonero.

Abelardo Barroso Dargeles nació en La Habana, en la barriada de Cayo Hueso -cuna de rumberos y soneros famosos-, el 21 de septiembre de 1905. Desde muy joven se vio obligado a ganarse la vida en varios oficios, entre ellos el de chofer de alquiler. Fue también boxeador y jugador de béisbol.

En sus ratos libres se iba a cantar con trovadores que actuaban en cafés habaneros, o con los grupos soneros que se presentaban en pequeños y precarios cabarets de la Playa de Marianao, reductos marginales del son -que, nacido en las montañas de la región oriental, aún no había logrado vencer los prejuicios sociales y establecerse en la capital.

En los primeros años del siglo el son era censurado, por considerársele “música de negros incultos”. Incluso, algunas sociedades recreativas de la clase media “de color” no permitieron que se ejecutara en sus salones hasta entrada la década de 1940. A principios de los años veinte disminuyó el hostigamiento que padecía el son por parte de las autoridades, y comenzaron a proliferar grupos de intérpretes en barrios populares y zonas de la periferia de la capital.

En la playa de Marianao, el joven Abelardo Barroso conoció a soneros que iban a transformar la música popular cubana desde el momento en que el nuevo género comenzara a grabarse en discos. Barroso participó activamente en el debut fonográfico de los más destacados grupos soneros de la llamada “época de oro”.

En 1918 –aunque algunos autores aseguran que fue en 1920- se había fundado el Sexteto Habanero, primer grupo que “vistió de frac el son”, según una expresión comercial utilizada durante décadas para referirse a esta agrupación, la primera en alcanzar gran popularidad y ser introducida, progresivamente, en los salones la burguesía habanera.

El 17 de julio de 1925 Abelardo Barroso entró a formar parte del Sexteto Habanero, que actuaba entonces en el exclusivo Vedado Lawn Tennis Club. El 29 de octubre del propio año el Sexteto realizó sus primeras grabaciones en La Habana, para la firma RCA Victor. La segunda sesión de grabación tuvo lugar el 2 de noviembre, cuando se imprimió uno de los sones considerados “clásicos”: "A la loma de Belén", de Juana González de Cabrera. Esos discos se cuentan entre los primeros registros fonográficos no acústicos que se realizaron en la isla.

En las primeras grabaciones del Sexteto Habanero, Abelardo Barroso cantó y tocó las claves. En 1926 ingresó en la agrupación del bongosero, guitarrista y tresero Alfredo “El jorobado” Boloña (1890- 1964), quien venía tocando sones desde 1915. Con el Sexteto Boloña viajó en octubre de 1926 a Nueva York, con el fin de realizar una serie de grabaciones para el sello Brunswick.

En dos sesiones de grabación (de 18 y 21 de octubre de 1926), el Sexteto Boloña, con Abelardo Barroso como voz principal y claves, dejó registrados fonográficamente dieciséis sones, entre ellos el famoso Échale candela, de Boloña, y Flora, una de las escasas composiciones que llevan la firma de Barroso.

El 19 de marzo de 1927 Barroso volvió a grabar con el Sexteto Habanero, en La Habana, para la firma RCA Víctor, y en octubre o diciembre del mismo año (no se ha podido precisar con exactitud) participó en las primeras grabaciones que realizó en Nueva York el Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, para la compañía Columbia. En uno de esos discos iniciales del Septeto Nacional apareció Fernanda, otra composición de su autoría.

Al año siguiente, el ya solicitado Barroso –a quien el público llamaba “Caruso” por la potencia de su voz– grabó discos con el Septeto Nacional y con el Septeto Habanero, a pesar de que ambos grupos fueran rivales en la competencia por la supremacía en la difusión del son, muy en boga ya no sólo en Cuba, sino en otros países de Latinoamérica y Europa, y en los Estados Unidos.

En 1929 se incorporó a la compañía de variedades Salmerón, que durante un año se presentó en Bilbao, Barcelona y Madrid. A su regreso a Cuba comenzó a trabajar como cantante en la orquesta de Ernesto Muñoz y popularizó una novedad musical, el danzonete -modalidad nacida del danzón-, que posee al final un montuno sonero.

En 1933 fundó con Orestes “Macho” López (a cargo del piano y de la dirección musical) la charanga López-Barroso, y alternó actuaciones con su septeto Universo hasta 1935, año en que fundó el sexteto de sones Pinín. Al año siguiente pasó a cantar con la orquesta de Andrés Laferté y, más tarde, con la agrupación del pianista Everardo Ordaz.

En 1939 comenzó a trabajar en la emisora COCO, con la orquesta Maravilla del Siglo, sustituyendo al famoso cantante Fernando Collazo.

En la década de 1940 actuó en varios shows del cabaret Sans-Souci, haciendo coros en “cuadros típicos”, y en 1948 comenzó a trabajar como cantante y ejecutante de claves y maracas de la Banda de Música de la Policía Nacional, aunque por poco tiempo.

Por entonces los sextetos y septetos de sones apenas conseguían contratos, y las orquestas de tipo charanga parecían a punto de ser vencidas por jazz bands como Casino de la Playa, Riverside y Hermanos Castro, muy populares. Solo con el chachachá, en la siguiente década, las charangas recuperaron el favor del público.

Barroso atravesó un período de profunda depresión económica, que lo obligó a trabajar como pintor de brocha gorda y como estibador en los muelles del puerto de La Habana. En muy contadas ocasiones era solicitado para cantar sus viejos sones en alguna celebración privada.

En 1954, mientras tocaba la tumbadora en la orquesta de Rafael Ortega, en el cabaret Sans-Souci, el dueño de la empresa de discos Puchito, Jesús Gorís, lo reconoció y lo invitó a grabar, sin saber si el veterano cantante estaba en condiciones de hacerlo, por recomendación de Benny Moré, con una nueva orquesta que recientemente había contratado: la Sensación, de Rolando Valdés.

Por sugerencia de Gorís, Barroso grabó para el sello disquero Puchito dos de sus antiguos éxitos, "Milonga española (La hija de Juan Simón)" y "En Guantánamo", de Juana González de Cabrera, un son de los tiempos del Sexteto Habanero del que hacía una creación.

Las primeras grabaciones de Abelardo Barroso con la orquesta Sensación tuvieron extraordinario éxito entre el público cubano y se distribuyeron en otros países del área del Caribe. En 1957 la agrupación recibió por las ventas realizadas un Disco de Oro. Ese año mismo año la orquesta fue contratada, con su cantante estelar, para actuar en la ciudad de Miami. Contaba con dos eficientes vocalistas: Luis Donald y Ta Benito y, en la flauta, con Juan Pablo Miranda, notable instrumentista y arreglista, autor de populares boleros, que había integrado la charanga López-Barroso.

La orquesta Sensación estaba integrada, además, por Ovidio Pérez Pinto y Lauri en los violines; el timbalero Jesús Esquijarrosa y Miguel “El Piche” Santa Cruz en la tumbadora. En grabaciones participaban también Alejandro “El Negro” Vivar, en la trompeta; el saxofonista Enemelio Jiménez y el trombonista Generoso Jiménez. Hacia 1960 se les sumó el cantante Eddy Álvarez.

Entre las piezas más exitosas de esa etapa en la carrera de Barroso están "Un brujo en Guanabacoa" y "Hagan juego", de Bienvenido Julián Gutiérrez; "El huerfanito", de Hermenegildo Cárdenas; "El guajiro de Cunagua", de Juana González; "Naufragio", de Agustín Lara; "La cleptómana", de Agustín Acosta y Manuel Luna; "Longina", de Manuel Corona; "Bruca maniguá", de Arsenio Rodríguez y, en especial, su pregón "El panquelero".

En los años finales de la década de 1950 Barroso apareció muy a menudo en programas de radio y televisión, y fue solicitado en carnavales de las principales ciudades cubanas y para promocionar productos comerciales de gran demanda.

Viajó con la orquesta Sensación a Nueva York en 1959 y 1960, y participó del homenaje nacional que se rindió al célebre Sexteto Habanero, actuando junto a algunos de sus antiguos compañeros.

Tras el triunfo de la Revolución Cubana, en 1959, Barroso continuó trabajando con la orquesta Sensación, a pesar de que ya lo aquejaban algunas dolencias. Grabó en 1961 un disco de larga duración junto al conjunto Gloria Matancera, con arreglos de Severino Ramos, en el que incluyó, entre otros “clásicos” del repertorio popular cubano, "El amor de mi bohío", de Julio Brito, y "Lágrimas negras", de Miguel Matamoros.

En la década de 1960 realizó sus últimos registros fonográficos con la orquesta Sensación; entre ellos, No te agites, una pieza del ritmo de moda en Cuba por esos años: el mozambique.

Abelardo Barroso Dargeles se retiró de la música definitivamente en 1969. Falleció en La Habana el 27 de Septiembre de 1972. Sus grabaciones con la orquesta Sensación se han reeditado en Cuba en múltiples ocasiones.

El sello Tumbao (Camarillo Music Ltd.) publicó en 1998 un estuche de cuatro discos compactos titulado Sexteto y Septeto Habanero–Grabaciones completas de 1925-1931, que contiene todas las actuaciones de Barroso con ese grupo.

La misma firma discográfica ha editado también un considerable número de sus grabaciones con el Sexteto Nacional, y las dieciséis que realizó en 1926 con el Sexteto Boloña.

 

Bibliografía

Depestre Catony, Leonardo: Homenaje a la música popular cubana, Editorial Oriente, Santiago de Cuba, 1989.

Díaz Ayala, Cristóbal: Música Cubana. Del areyto al Rap. Fundación Musicalia, San Juan, Puerto Rico, 2003.

Moore, Robin: Música y mestizaje. Revolución artística y cambio social en La Habana. 1920-1940, Editorial Colibrí, Madrid, España, 2002.

Pozo, Alberto: “Una voz que se aleja; Abelardo Barroso”, en Bohemia, La Habana, 21 de junio de 1968.

 

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Joe Valle / Biografìa

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Venerado como uno de los mejores boleristas antillanos de todos los tiempos, a Joe Valle se le recuerda, muy especialmente, por su brillante etapa como vocalista estelar de la orquesta de César Concepción ( 1947 - 1954 ) y por haber sido una de las figuras más representativas del esplendoroso ambiente artístico hispano que se desarrollaba en la plaza neoyorkina durante la década de los ‘50 y primer lustro de los ‘60 .

Este intérprete irrepetible, cuyo nombre de pila fue José Elías Valle Marrero, era hijo del bayamonés José Elías Valle y la doradeña Belén Marrero. Fue criado en el hogar de unos tíos maternos en el sector de la Parada 18, en Santurce. Cursó sus grados académicos elementales en la Escuela Alejandro Tapia y, los secundarios, en la Escuela Superior Central . A los 14 años ( 1935 ) hizo sus pinitos artísticos el programa “ Industrias nativas”, que los hermanos Córdova Chirino producían y animaban en la radioemisora WNEL, que recién se había inaugurado . Más adelante tomó clases de Solfeo y Piano, habiendo sido discípulo del eminente maestro Manuel Barasoaín Julbe. Aunque en diversas etapas de su vida también estudiaría técnicas de Vocalización, como cantante fue, básicamente, autodidacta . A los 17, se integró al conjunto de Julio Casona, en el que compartía con otro juvenil intérprete destinado a la leyenda : Juan Ramón Torres «El Boy».

Su carrera profesional cobró cierto impulso a partir de su breve pasantía por la Orquesta Siboney, del saxofonista Pepito Torres Silva, que entonces era la de planta del Escambrón Beach Club ( 1941 - 1942 ). Seguidamente, marchó a Nueva York . Durante breve tiempo trabajó con la orquesta del virtuoso pianista Noro Morales. Pero, aquel mismo año regresó a San Juan reclamado para unirse a la del trompetista Miguelito Miranda, la cual era oficial del Zombie Club ( 1942 - 1943 ). Cumplido aquel compromiso, figuró fugazmente en la nómina de la batuteada por Rafael Muñoz y, luego, organizó un conjunto para amenizar las noches del Restaurante El Nilo , en la Parada 22 . En 1945 tuvo oportunidad de grabar algunos boleros con una orquesta formada para tal fin por el guitarrista arecibeño Rafael Seijo. De aquellas piezas, la radio dispensó alguna difusión a “ Cuando tú quieras”, del cubano René Touzet.

Reclutado por César Concepción para reemplazar a «El Boy» – su antiguo compañero en el como de Casona –, Joe Valle comenzó a experimentar su ascenso a la fama en 1947 . Con la banda de aquel gran trompetista y compositor cayeyano – consagrada como una de las mejores y más exitosas de Puerto Rico durante la segunda mitad del Siglo 20 – actuó en programas radiales, recorrió salones de baile y centros sociales de casi toda la Isla y viajó a New York, República Dominicana y Venezuela . Sin embargo, lo más significativo de esta importante pasantía fue que grabó casi la totalidad del repertorio original y representativo de César. Además de boleros que, en su voz, tendrían imperecedera vigencia, como “Alma”, “Como te quieren mis ojos”, “Especialmente para ti”, “Hoy”, “Mil años”, “¡Qué mucho te quiero!” y “Ya no te esperan mis brazos”, este legado discográfico incluye una antológica serie de “ Plenas de salón ”, sobresaliendo entre ellas las dedicadas a distintos municipios : “A Aguada”, “A Cataño”, “A mi pueblo / Cayey”, “A Ponce”, “A San Germán”, “A San Juan”, “A Santurce”, “A Yabucoa” e, incluso, “ Pa' los boricuas ausentes”, inspirada en la inmensa colonia puertorriqueña establecida en Nueva York . No menos populares son sus interpretaciones de las tituladas “A Mayagüez” ( original de Roberto Cole ) y “A Salinas” ( de Héctor Hernández ). Por otro lado, los seguidores de esta admirada organización jamás olvidarían que, para impartirle un toque jocoso a sus presentaciones , Joe y César formaron el Dúo Caneca, que vocalizaba, principalmente, guarachas . De hecho, este binomio se perpetuó en varias grabaciones .

Joe Valle abandonó las filas de la orquesta de César Concepción y retornó a New York, atraído por el contrato que le ofreciera la compañía Seeco para emprender una nueva trayectoria como solista . Cabe señalarse que de aquellas fechas datan sus dos primeros jitazos, mismos que alcanzaron categoría de clásicos : “Espérame en el cielo” ( de Paquito López Vidal ) y “Dondequiera que tú vayas” ( de Ramón Del Rivero «Diplo» ). No obstante, al principio trabajó con otras orquestas, específicamente las de Enrique Madriguera, Xavier Cugat y, finalmente, la del cantante y guitarrista aguadillano Juanito Sanabria que, a la sazón, era la oficial del concurrido Club Caborrojeño , en Manhattan . En 1955, cuando Sanabria decidió retirarse, le cedió la batuta . En lo sucesivo, la referida organización se identificó con su nombre . Luego de una larga permanencia en el referido desveladero , Joe Valle y Su Orquesta recorrieron los más importantes salones de la plaza neoyorkina : Palladium Ballroom, Arcadia Ballroom, Roseland, Tropicana – de Bronx –, Royal Windsor, Manhattan Center, etc . Posteriormente nuestro biografiado y su banda retornaron al Club Caborrojeño. Esta segunda etapa aquí se prolongaría siete a ñ os ( 1965 - 1972 ).

Mientras tanto , Joe Valle continuó desarrollando su discografía – acompañado por la propia u otras orquestas – y acumulando reconocimientos y distinciones . En 1961 , la revista Farándula le concedió el Premio Diplo correspondiente a Cantante Más Destacado del Año y la compañía Seeco le entregó el Disco de Oro por las altas ventas del álbum titulado con su nombre, del cual surgió el exitazo “Mi amor ante todo”, original del dominicano Mario De Jesús. Además intervino en la película “Romance en Puerto Rico”, dirigida por Ramón Pereda y protagonizada por la rumbera cubana María Antonieta Pons y el galán mexicano Dagoberto Rodríguez. En 1963 instituyó un programa propio en la radioemisora WHOM, que se emitía de lunes a viernes de 4 : 00 a 5 : 00 de la tarde . Ocupaba el mismo horario dejado por el que mantuvo hasta su prematuro deceso el también destacado cantante boricua Johnny López. El 23 de abril de 1972, poco tiempo antes de retornar definitivamente a su patria, el Instituto de Puerto Rico en New York le rindió un lucido y emotivo homenaje .

De vuelta en la Isla , Joe Valle fue nombrado director de la Banda de San Juan y de la Tuna de San Juan, ambas agrupaciones patrocinadas por el Departamento de Recreación de Deportes de la alcaldía capitalina . Paralelamente ( 1972 - 1973 ) volvió a trabajar con la orquesta de César Concepción, interpretando exclusivamente el repertorio que los consagrara . En 1974 organizó otra propia .

El 13 de noviembre de 1980, mientras paseaba junto a una nietecita por el sector Villamar, en Isla Verde, fue interceptado por un delincuente que intentó despojarlo de la cadena de oro que lucía . La fuerte impresión sufrida ante el asalto le provocó un ataque cardíaco . Fue trasladado al Hospital San Jorge, en Santurce. Desafortunadamente, llegó sin vida.

Discografía selecta personal ( Seeco / Tropical )

“Canciones de amor” ( TRLP - 5032 )
“Joe Valle canta selecciones de Rafael Hernández” ( TRLP - 5106 )
“Cante y baile con Joe Valle y su orquesta” ( TRLP - 5166 )
Bajo la etiqueta Verne: Idem ( GLP - 532 ), 1957

Producciones editadas por Ansonia Records:
“Ayúdame, Dios mío” ( SALP - 1298 ), 1960. Con la orquesta de Aníbal Herrero. Además del tema titular, contiene el hit “Nuestro encuentro” y su popular versión de “Envidia”, de Antonio & Gregorio García Segura
“Y... O... A” ( SALP - 1303 ), 1960. Cada letra corresponde al título de un bolero del dominicano Mario De Jesús.
“Joe Valle, Vol. 3" ( ALP - 1326 ), 1961 .
“Beso borracho” ( ALP - 1408 ), 1962 .


Autor:

Miguel López Ortiz para la Fundación Nacional para la Cultura Popular


Cita Esta Biografía:

Fundación Nacional para la Cultura Popular | San Juan, Puerto Rico: Joe Valle. Publicado el 26 de junio de 2014. Accesado el 2 de septiembre de 2014.http://prpop.org/biografias/joe-valle/
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Bobby Capo / Biografia

Bobby Capo

El Ruiseñor de Borinquen

 

Félix Manuel Rodríguez Capónació en Coamo, Puerto Rico, el sábado primero de enero de 1921. Su ideal de muchacho era estudiar leyesperodescubrió que tenía cualidades innatas para lacomposición de melodías y, para redondear susaptitudes musicales, le dijeron que teníaexcelentes capacidades interpretativasPor ladifícil situación económica de su familia, a los 17años intentó seguir la carrera militarDominaba elclarinete y un hermano lo instó a afiliarse a labanda militar. Sin embargo, el dólar diario quecomenzó a percibir en una emisoracuandocantaba en el programa Ofertas Matinales, lemarcó definitivamente su futuro derroteroEmpezópresentarse en programas radialescomo el de Rafael Quiñones Vidal, donde despuntaronexcelentes vocesAdoptó en este tiempo el nombre artístico de Bobby Rodríguez.


En 1939, el Cuarteto Victoria de Rafael Hernándeztenía comocantante a Pedro Ortiz DávilaDavilitaÉste tuvo afecciones en suvoz y para sustituirlo llamaron a Bobby. Al Cuarteto integrado porRafael Hernández, Rafael RodríguezPepito Arvelo y BobbyRodríguez, se unió la carismática joven Myrta Silva. Emprendieronen 1940 una gira suramericanaExactamente en la ciudad deMedellíncuando el cuarteto iba a presentarse en un club social, no lo pudo hacer. Los directivos de dicho club tenían anacrónicosconceptos raciales, lo cual exasperó al jibarito Rafael. A pesarque consiguió actuar en el radioteatro de la Voz de Antioquia, el maestro Rafael descargó su irascibilidad en Bobby Rodríguez,despidiéndolo de la agrupación por cualquier asunto baladí. Bobby abandonó el conjunto regresándose a Nueva York,contrariado y con la vehemencia de entablarle una demandaMenos mal que encontró a Pedro Piquito Marcano y a Claudio Ferrercompatriotas suyosquienes además deaconsejarlo para que desistiera, le ofrecieron trabajo. Con el acompañamiento del CuartetoMarcano, en 1941 realiza su primera grabaciónPrecisamente para el sello Columbia grabael bolero Noche y díaautoría de Rafael HernándezAdopta su prestigioso nombre de Bobby.

 

cuando Estados Unidos se decide entrar comoprotagonista de la segunda guerra mundial, en diciembrede 1941, Bobby se ofrece para ingresar a la aviaciónperono es admitido por carecer de conocimientos aeronáuticos.Pero  es recibido en la marina e integra la embajadaartística militar que solazaba a los soldadosnorteamericanos, en los campos de entrenamientorecorreasí toda la geografía del país del norteNunca fue al frentede batalla europeo. De ahí surgió su frase que nunca iría aEuropaporque estaba enamorado de América. Al finalizarla conflagraciónhace parte del elenco artístico del selloDecca de Nueva York. Comienza una etapa febriltrabajando continuamente en centrosrenombrados de Puerto Rico y la Capital del MundoCanta con la orquesta del célebrecatalán Xavier Cugat y graba con el Cuarteto Caney algunas páginasCuida un amor si lotienesSed de amor, Locura de amor, Amor en silencioPermita DiosCarta a mi madre yAmorosa guajira.

Llega al acetato también con Moncho Usera en números comoSobre las olas, Gracias a ti, No son cobardesEstoy contigo. Con Pepito Torres y su Orquestagraba Total para qué,Juguete y María Dolores. En marzo de 1948 es contratado por la Voz Dominicana de Santo Domingo. Debutó en el programa Bazar del Aireacompañado por la SuperOrquesta San José,bajo la batuta del músico panameño Avelino Muñoz. Era anunciado como La Sensación deBorinquenLuego encabezó una embajada artística que recorrió triunfalmente el paísLuego,es llevado a Panamá por su amigo el organista y director Avelino Muñoz. Con este músico detrascendencia hizo una magnífica yunta musical para plasmar muchos acetatosSatisfacción,SasaricandoBoing, Mi preferida española, Mi novia, El caracolQue no se enfríeCasi casi,YaAlondra, Magdalena, Eres bonitaSerá posible, Madrid. Dos temas antológicos de estayunta que hicieron épocafueron Irremediablemente solo y Maldición gitanaEste último lointerpreta en una película mexicanaAmbos  visitan a Colombia en abril de 1949, y actúan envarias ciudades alternando con Lucho Bermúdez y su orquesta.

Por encargo expreso de la Seecoviaja de Puerto Rico a La Habanaen 1952, para grabar con la Sonora Matancera. Se inmortalizacomo compositor y  cantante con la página de antología Pielcanela, en donde increíblemente se repite 40 veces el pronombreFue grabada el viernes 21 de junio de 1952, además de ochotemas más. Bobby Capó continúa su trasegar artístico grabandocon el Trío VegabajeñoMapelle y Alegre Navidad. Con sucompatriota César Concepción y su Orquestaimprime Cabezahinchada y Yazmín. Con la Orquesta Suaritosdirigida por RobertoOndinagraba Maldición gitana en nueva versión. Como compositor obtuvo con el temaPoquita fe (Sin fe), una preponderancia sin par, especialmente en la interpretación del tríomexicano los Tres Reyes. A Ismael Rivera le compuso expresamente varios números,comenzando con Las tumbasque recuerda la prisión de Kentucky en Estados UnidosdondeMaelo estuvo prisioneroluego de ser sentenciado a cinco años de cárcelpor haberinfringido la ley de tenencia de sustancias alucinógenas, en compañía de Rafael Cortijo,cuando en 1962 regresaban de actuaciones en Venezuela. Otros números de Bobby paraIsmael fueron: El negro bembónMonta mi caballito, El incomprendidoQué sería de Quéte pasa a tiQuiero a mi pueblo, Mi tía María, Si te cojo, Ella no merece un llanto, Sale el sol.

Empezando la década del 60, batea de hit, cuandoimpone en toda la América Latina la baladaLlorando me dormíEste tema marca el punto desurgimiento de la baladaEsta temática musical sebasa en un acompañamiento arpegiadobajosobstinados y la suavidad en ondulaciones de lalínea del canto. En 1961 comienza en la televisiónboricua un programa musical semanalque tambiénse trasmitía para Estados UnidosEste musicalpermaneció varios años en el aire con altos índicesde sintonía. En 1966 de una manera estable ydefinitiva se radica en Nueva York. Allí dirige un programa de televisión en español. Sevinculó luego como diplomático en la oficina de Puerto Rico en Nueva York. Bobby tambiénhabía participado como actor y cantante en varias películas mexicanas. Se recuerda unaespecialmentededicada a recordar la vida de quien había sido su patrón: Rafael Hernández. La Película se llamó el Jibarito Rafael, en donde realiza una magistral interpretación delsegundo himno de los boricuasLamento borincano. Bobby Capó grabó además dos temascolombianos, La múcura y Soy tolimense, con Avelino Muñoz y su Orquesta, el segundo hoyde difícil consecución. En 1968, graba un L.D. con Tito Puente y su Orquesta en el quesobresalen números como Corazón loco, Un viejo retrato, A dónde iré y Engañándote.

En junio de 1989 Bobby tuvo el regocijo y dicha dereunirse por última vez, con sus grandes amigos de la Sonora Matancera, en el gran acontecimiento de los 65 años, en la ciudad de Nueva York. Lequedaban pocos meses de vida. A estas alturasBobby era una persona organizada y con sólidorespaldo económicoDijo adiós a este mundo, en laciudad de Nueva York, fulminado en su oficina porun infarto del miocardio, el lunes 18 de diciembrede 1989. Su cuerpo fue llevado a su patria natal ysepultado el jueves 21. Su pueblo de Coamo, leprodigó una majestuosa despedidaSólo de  noche terminó el homenaje a quien se ha dado en llamar El Bardo de Puerto Rico. Sus grabaciones totales son alrededor de 400 y compuso a lo largo de su vida unos 190 temas. Sin temor a equivocación podemos afirmar que Bobby es uno de los compositores y cantantes boricuas que encomiablemente ha enriquecido lafarándula popular latinoamericana. Con profesionalismo y calidad. En esa excelsa tierraboricua, Bobby Capó integra con Rafael Hernández, Pedro Flores y Daniel Santos, unafascinante y superlativa cuarteta de músicos inolvidables.



GRABACIONES DE BOBBY CAPÓ

CON LA SONORA MATANCERA

 

NÚMERO YFECHA DEGRABACIÓN

TÍTULO

SELLO

AUTOR

RITMO

1

1952

Así son losquereres

Seeco

Bobby Capó y M. Alonso

Bolero rítmico

21952

Bruja

Seeco

Bobby Capó

Bolero

3

1952

Cuando estoycontigo

Seeco

Ernesto ColónLópez

Bolero Mambo

4

1952

Dengue

Seeco

S. Ramos-

W. Guevara

Mambo

5

1952

Mi último ruego

Seeco

Jaime Louis

Bolero

6

1952

Ni novia ni luna

Seeco

S. Ramos-H.Jauma

Guaracha

7

21-4-1952

Piel canela

Seeco

Bobby Capó

Bolero mambo

8

16-4-1952

Si no fuera ella

Seeco

Bobby Capó

Guaracha

9

1952

Ya no me hacefalta

Seeco

Avelino Muñoz

Guaracha

 

 

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Biografia: Tito Puente

 

El Rey del Timbal


Nacido en 1923 en Harlem, (New York, USA), Tito Puente, estudia el piano, el órgano, el vibráfono, la batería, los timbales y la conga y desde los trece años trabaja como un profesional en diversos grupos locales. Después de haber pasado por la orquesta de Noro Morales, y por la de Machito, la Segunda Guerra Mundial, lo lleva a la marina. Allí conoce a Charles Spivak, jefe de orquesta y ex-trompetista de Glenn Miller, y aprovecha para familiarizarse con la técnica de los arreglos y la composición. Los tres años de estudios en la "Julliar School" de Nueva York, de 1945 a 1948, constituyen el final de su aprendizaje y decide formar su propia orquesta en 1948, con la cual se incorpora a la lucha por ser uno de los grandes músicos protagonistas del mambo, que entonces emergía con fuerza en los ambientes latinos de New York. Desde entonces, aliando modernidad y tradición, este músico extraordinario, compositor talentoso de temas como, "Ran Kan Kan", "Oye como va" y otras, se convierte en un gran amenizador y figura imponente en el escenario, y practicamente toca la mayor parte de los estilos latinos, marcándolos con su impronta personal. En los años ochenta, interviene asiduamente en el show televisivo de Bing Cosby y en 1992, protagoniza el film, "El rey del Mambo". Hoy por hoy sus clásicos y composiciones se oyen por doquier: "Oye cómo va" y "Para los rumberos" han sido grabadas por leyendas del rock como Carlos Santana, amigo y admirador suyo. Sus álbumes "El número 100", "El Rey del Timbal", "Cuban Carnaval", "Puente in Percusión", "Dance Manía" y "Top Percusión", conforman piezas clave de los coleccionistas aficionados al latín jazz.Su música influyó decisivamente en el desarrollo de la música latina, hasta el punto de que ya hay cátedras oficiales sobre su modo de percusión en varias universidades. Obtuvo 11 nominaciones a los Premios Grammy y logró 4 de ellos; ha recibido varias condecoraciones presidenciales por su fomento a la música popular y su labor educativa. Fundó en los años 80, de la mano de Joe Conzo y Roberto Rodríguez, el "Tito Puente Scholarship Fundation", encargado de ofrecer becas a jóvenes talentos. En 1997 Tito grabó "50 Years of Swing", una recopilación de éxitos con la que celebró sus cincuenta años en la industria musical; además fue elevado al Salón de la Fama del Jazz junto a grandes estrellas como Nat King Cole, Miles Davis, Rey Charles y Anita O’Day.Fue en su último concierto en público, junto a la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, cuando se le detectó una arritmia cardiaca que se buscó corregir en una intervención quirúrgica, pero su corazón no soportó la operación. Fallecía el "Rey del Timbal" un músico que con la sonrisa siempre en los labios se ganó el respeto de sus contemporáneos. La última vez que lo pudimos ver sonreír fue en la extraordinaria película de Fernando Trueba dedicada al jazz latino y titulada "Calle 54". Apenas unos meses después su sonrisa se truncó para siempre, el 31 de Mayo de 2.000. DISCOGRAFIAA lo largo de su vasta carrera Tito Puente grabó un total de 198 discos entre producciones propias y colaboraciones con otros artistas. Entre sus álbumes de larga duración grabados o reeditados en disco compacto durante los últimos años están:Mambo Beat: The Progressive Side of Tito Puente (1994) Mambo y cha cha cha (1994) The Best of Dance Mania (1994) Barbarabatiri (1994) Tito Puente's Golden Latin Jazz All Stars (1994) Top Percussion/Dance Mania (1994) 20 Mambos/Take Five (1995) Fania Legends of Salsa Collection, Vol. 3 (1995) Fiesta con Puente (1995) Jazzin (1995) Mambo Mococo (1949-51) (1995) Mambos with Puente (1949-51) (1995) More Mambos on Broadway (1995) Tea for Two (1995) The Complete RCA Victor Revolving Bandstand... (1995) Tito's Idea (1995) Yambeque: The Progressive Side of Tito Puente (1995) Cha Cha Chá: Live at Grossinger's (1996) El Rey de la Salsa (1996) El Rey del Timbal (1996) Special Delivery (1996) The Very Best of Tito Puente & Vicentico.. (1996) Greatest Hits (1996) Jazz latino, vol. 4 (1996) Percussion's King (1997) Selection of Mambo & Cha Cha Cha (1997) 50 Years of Swing (1997) Tito Meets Machito: Mambo Kings (1997) Cha Cha Cha Rumba Beguine (1998) Dance Mania '98: Live at Birdland (1998) The Very Best of Tito Puente (1998) Timbalero Tropical (1998) Yambeque (1998) Absolute Best (1999) Carnival (1999) Colección original (1999) Golden Latin Jazz All Stars: In Session (1999) Latin Flight (1999) Latin Kings (1999) Lo mejor de lo mejor (1999) Mambo Birdland (1999) Rey (2000) His Vibes & Orchestra (2000) Cha Cha Cha for Lovers (2000) Homenaje a Beny Moré. Vol. 3 (2000) Dos ídolos. Su música (2000) Tito Puente y su Orquesta Mambo (2000) The Complete RCA Recordings. Vol. 1 (2000) The Best of the Concord Years (2000) Por fin (Finally) (2000) Party with Puente! (2000) Obra maestra (2000) Mambo Mambo (2000) Mambo King Meets the Queen of Salsa (2000) Latin Abstract (2000) Kings of Mambo (2000) Cha Cha Cha for Lovers (2000) The Legends Collection: Tito Puente & Celia Cruz (2001) The Complete RCA Recordings, Vol. 2 (2001) RCA Recordings (2001) Puente caliente (2001) The Best of... (2001) King of Mambo (2001) El Rey: Pa'lante! Straight! (2001) Cocktail Hour (2001) Selection. King of Mambo (2001) Herman Meets Puente (2001) Undisputed (2001) Fiesta (2002) Colección Diamante (2002) Tito Puente y Celia Cruz (2002) Live at the Playboy Jazz Festival (2002) King of Kings: The Very Best of Tito Puente (2002) Hot Timbales! (2002) Dr. Feelgood (2002) Carnaval de éxitos (2002) Caravan Mambo (2002) FILMOGRAFIALos reyes del mambo cantan canciones de amor (Arne Glimcher, 1992) Calle 54 (Fernando Trueba, 2000) También prestó su voz para la serie animada:Los Simpson capítulo: "¿Quién mató al Sr. Burns?

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MACHITO / Biografia

 

Francisco Pérez Gutiérrez, Frank Grillo o “Machito” como se le conoce en el mundo musical latino es sin ninguna duda uno de los pilares fundamentales de lo que todos conocemos como “Salsa”, su aporte a la música latina es enorme y en compañía de otro gran músico Cubano como lo fue Mario Bauza, se convirtieron en los padres del Cubop, Jazz Latino o Jazz Afro-Cubano. Bauza era cuñado de Machito, se caso con su hermana Estela en 1.936 y además un excelente músico que tocaba clarinete, oboe, trompeta y saxofón; fue el ideólogo de la fusión entre el Jazz y los ritmos Cubanos. Machito también contó por mas de veinte años con la participación de su hermana Graciela Pérez como una de las vocalistas de su Banda.

Durante casi 50 años Frank Grillo cantó, grabó, compuso, dirigió, tocó sus maracas y dejó un legado musical extraordinario para todos los aficionados a los ritmos Afro-Cubanos y Latinos. Entre los ritmos que hacen parte de su repertorio tenemos: Mambo, Guaracha, Conga, Afro y Bolero. Muchas casas disqueras hacen parte de su repertorio como son: Verve, Mercury, Seeco, Tico, RCA, Cotique, Tímeless, Tumbao, Palladium, Roulette, Pablo y Crescendo.

El legado musical de Machito se compone de más de 50 producciones musicales y actualmente en el mercado existen mas de 70 trabajos en los diferentes formatos que nos ofrecen las empresas de discos, lógicamente muchas son recopilaciones, variados o compilaciones.

Machito es uno de los estandartes que fomentaron las raíces de nuestra cultura musical en los Estados Unidos y el mundo entero difundiendo básicamente el híbrido de la música de Jazz con los ritmos Cubanos de los años cuarenta y cincuenta del siglo XX.

Del numeroso repertorio de Machito mencionamos algunos de sus éxitos: Chango ta veni, Blen blen blen, no tiene telaraña, Fantasía Cubana, El As de la Rumba, Mambo inn, Mango mangue, Mambo infierno, Sentimental mambo, Si si no no, Soy salsero, Tibiri tabara, Babarabatiri, Tanga, Tremendo cumban, Tin tin deo, Carambola y Yo soy la rumba.

Entre los calificativos que se le dan a Machito en el ámbito musical tenemos: Icono de la música latina, pilar fundamental del jazz latino, la leyenda del latin jazz, el padre del cubop (El Cu-Bop se refiere a la fusión que hizo Chano Pozo de la música cubana con el jazz).

Cronología de su vida artística

 

  • 1.906 el 3 de diciembre nace Machito (en torno a la fecha de nacimiento se ha especulado mucho, diferentes autores, en diferentes libros y páginas de internet presentan fechas distintas: se dice que nació en 1.908, 1.909 o en 1.912) en el barrio Jesús María de La Habana, Cuba; era hijo de Marta y Rogelio quien laboraba en los ingenios de la Habana. Comenzó a cantar a temprana edad.
  • El hecho que marcó su inclinación a la música, por los años veinte, fue el haber presenciado en vivo al Sexteto Habanero en unos carnavales.
  • Se inició cantando y tocando maracas en el sexteto de Miguel Zabala.
  • A los 22 años ya cantaba y tocaba las maracas en el “Sexteto Sones de Occidente” de María Teresa Vera, también cantó como segunda voz de Abelardo Barroso en el “Sexteto Nacional” de Ignacio Piñeiro. Así mismo en el Sexteto Universo y en el conjunto Jóvenes Redención al lado de Mario Bauza.
  • Mario Bauza fue arreglista, trompetista de la orquesta de Antonio Machin, junto a Frank Grillo conformaron una dupla que revolucionó la música Latina.
  • Mario Bauza nació en La Habana en 1.911, salió de Cuba en 1.930 con la banda de Don Aspiazu con quien se radicó en Nueva York.
  • 1.937 en el mes de octubre llega a Nueva York y su domicilio fue en Harlem en una esquina conocida como “La loma del azúcar” ; donde residían nada mas ni nada menos que Duke Ellington, Louis Amstrong, Count Basie y Fletcher Henderson, con quienes aprendió los sonidos del Jazz y su parentesco con la música Cubana. Luego canta con un grupo llamado “La estrella habanera”.
  • En 1.938, machito cantó con la orquesta de Alberto Iznaga.
  • Para 1.938 y 1.939 graba también con el “Conjunto Caney” y la “Orquesta Hatuey”. Fue cantante de las orquestas de Noro Morales, Xavier Cugat y la de Fernando Storch con la cual realizó grabaciones.
  • En ese año 1.939, intenta formar una banda con Mario Bauza, dicho proyecto no resultó. Bauza grabó con los mejores músicos de Jazz en los Estados Unidos, entre ellos Noble Sissle, Cab Caloway, Don Redman, Fletcher Andersen y fue director musical de Chic Webb.
  • Mario Bauza soñaba con juntar dos géneros: El Jazz y la Música Cubana.
  • Respecto del jazz latino o latin jazz, Mario Bauza dijo en noviembre de 1.992: Mira, es como un matrimonio perfecto: uno va arriba y otro abajo, no importa quien. O como un árbol, que tiene la misma raíz, el mismo tronco (que viene de África) y dos ramas distintas, que fue lo que yo uní: el son y el jazz. Fuente: El Veraz, San Juan, Puerto Rico.
  • El 3 de diciembre de 1.940 debutó la orquesta “Machito y sus Afrocubanos”, sus integrantes fueron: Machito – maracas, clave; Mario Bauzá – Saxo alto, trompeta; René Hernández – piano; Roberto Rodríguez – contrabajo; Luis Miranda – conga; José Mangual – bongó; Ubaldo Nieto – timbales; Bobby Woodlen – trompeta; Frank Dávila – Saxo alto; Gene Johnson – Saxo alto; Fred Skerritt – Saxo alto; José "Pin" Madera – Saxo tenor; Leslie Johnakins – Saxo barítono.
  • En el año 1.941 Machito inauguró el elegante club “La Conga” en el cual tocó durante cuatro años. En ese mismo año realizó sus primeras grabaciones: “Sopa de pichón” y “Tingo Talango” el cual fue todo un éxito. Machito y Bauza combinaron la música Cubana de su infancia con los sonidos del Jazz, a Mario se le ocurrió que el nombre apropiado para dicha combinación era el termino AFROCUBANO.
  • Desde ese año hasta 1.976, Bauza fue el director musical de la banda de Machito.
  • 1.942 llega a Nueva York la hermana menor de Machito quien luego se integró a la banda. Había estado por cinco años con la orquesta Anacaona, integrada solo por mujeres.
  • En 1.943 el 29 de mayo grabaron el tema “Tanga”, el cual se considera el primer tema del Latin Jazz o Jazz latino, término que ha creado gran polémica entre los escritores, músicos y amantes de este genero. Con los Afrocubanos grabaron los mas notables exponentes del Jazz como Stan Kenton, Dizzy Guillespie, Charlie Parker, entre otros.
  • - Otro hecho significativo dentro de la historia del Latinjazz fue la aparición en el ambiente musical newyorkino del legendario conguero cubano Luciano "Chano" Pozo. Chano llegó a New York invitado por el cantante Miguelito Valdés hacia 1.946. Después de trabajar con varias bandas latinas de poco renombre, Mario Bauzá le dijo que un amigo suyo estaba por formar una nueva banda y que quería un percusionista que conociera de ritmos cubanos. Ese amigo era Dizzy Gillespie. Al llegar Mario y Chano a la casa de Dizzy, Bauzá le dijo a éste: "Tengo un muchacho para ti, pero no habla inglés". "No importa" respondió Gillespie: "dejémosle que toque" Y cuando lo hizo fue contratado de inmediato.
  • Machito, como lo cuenta Cristóbal Diaz Ayala fue el autor de temas como: Mambo-e, Canasta, El campeonato, Va la conga, El velorio de macuto, Agúzate, Anhelos, Ganga yo y Katin.
  • 1.947 el 24 de enero se presenta en sociedad y de manera oficial el Jazz Afrocubano en el TOWN HALL de la ciudad de Nueva York.
  • En febrero de 1.947 STAN KENTON graba el tema “Machito”, con la participación de Frank Grillo.
     
  • 1.948, grabó con Charlie Parker el álbum “Mango mangue”.
  • Entre los discos de 1.949 tenemos: “Afrocubop” para el sello Spotlite y “Cubopo City” con el sello Tumbao.
  • De las grabaciones de 1.952 tenemos “Mambo Inn “ y “Mambo Sentimental”.
  • En 1.954 graba “Mambo América” , en 1,957 “Kenya: Afro Cuban Jazz” y “El As de la Rumba” en 1.958.
  • 1.962 Machito y sus Afrocubanos tocaron en las principales ciudades del Japón en una gira de tres meses.
  • 1.963 Los Afrocubanos acompañan a Miguelito Valdés.
  • 1.975 Machito y su orquesta toca junto a Dizzy Guillespie y Chico O’Farrill.
  • 1.982 las tres últimas producciones discográficas las realizó para el sello Tímeles en Holanda. 
  • En 1.984 le fue otorgado el premio Grammy por el disco “Machito and his Salsa Big Band”.
  • Machito falleció el 16 de abril de 1.984 en Londres cinco días después de una trombosis cerebral, luego de dar un concierto en el club Ronnie Scott.

De algunos temas de Machito se conoce la fecha de grabación , y de algunos de ellos varias versiones entre los que tenemos: “mango mangue”, grabado el 20 de diciembre de 1.948; “mambo” grabado el 21 de diciembre de 1.950; Los temas “Bucabu”, “One o’clock laep” de febrero 11 de 1.949,; “Blen ble blen”, “Si si no no” que dura 7 minutos veinte segundos y “Vacilando” grabados el 19 de marzo de 1.949; “Llora timbero”, “si si no no” que dura 8:26 y “Howard’s blues” de mayo 29 de 1.949; “Cubop City”, ”El rey del mambo” y “Bop champagne” grabados el 2 de abril de 1.949. Para la epoca se grabaron cuatro versiones de “Tanga”: Noviembre 14 de 1.950 dura 5:29, Junio de 1.951 dura 6:38, Noviembre 10 de 1.951 con una duración de 7:23 y la cuarta versión dura 4:57 y se grabó el 17 de noviembre de 1.951.

 

Y de 1.951 también son las grabaciones “babaratiri”, “Mambo picao”, “Holliday mambo”, “Carambola” y “Picadillo”.


 


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PANCHITO RISET / Biografia

 

Panchito Riset.  Cantante de una aguda pero melodiosa voz y una forma muy particular de interpretar el bolero, género en el que se destacó grandemente, aunque en sus inicios cantó casi todos los géneros musicales cubanos de moda en su época como la guaracha, el cha cha chá, la guajira, la conga y el guaguancó, entre otros.  El pasado 8 de agosto de 2008 se cumplieron veinte años de su partida de este mundo terrenal.

 

Su verdadero nombre era Francisco Hilario Riser Rincón.  Nació el 21 de octubre de 1910 en La Habana, Cuba, en el barrio de Atarés.  Desde temprana edad, aprendió a tocar el tres –la reconocida guitarra cubana de tres pares de cuerdas que hiciera famosa Arsenio Rodríguez– y la guitarra acústica española, instrumentos con los que se acompañaba, pero poco a poco los abandonó para centrarse más bien en cantar.  Alguna vez le comentó a Ángel Valdés Iturralde: “Cantaba y lo hacía sin pretensiones, los que me escuchaban me animaron a que lo hiciera profesionalmente. Fue así como se inició mi carrera, allá en mi querida e inolvidable Habana”.

 

 

El inicio

 

Empezó a cantar profesionalmente con el Septeto Esmeralda cantando y tocando la marímbula, pasando en 1927 al Sexteto Cauto.  Después siguió a otras agrupaciones, como el Septeto Bolero, el Sexteto Habanero en el cual estaba en 1928, musicalizando los bailes de la “Academia Habana Sport”, pasó luego al Sexteto Caney y de este a la Orquesta de Ismael Díaz.  Al respecto, en 1981, confesó: “Por aquel entonces, los salones se llamaban ‘Academias de Baile’, y empecé a cantar profesionalmente en el ‘Sport Antillano’. Manolo Romero, músico del grupo, quien tocaba el tres, y quien fuera compositor de ‘Anacaona’, me dijo que necesitaba un cantante nuevo, pues al anterior se le había dañado la voz por la carencia de micrófonos en aquella época. Allí me presenté y fue un éxito. Triunfo que monopolicé para después cantar en el ‘Habana Sport’ como integrante del Sexteto Habanero. Después lo hice con el Sexteto Cauto y Marcelino Guerra.

 

Uno de los más importantes Centros Nocturnos de la Habana era el “Eden Concert” porque sus administradores se caracterizaron por contratar nuevos talentos; hasta allí llegó a actuar Panchito, casi “por amor al arte”.  Integraba en 1933 el Septeto Caney, cuando tuvo la oportunidad de conocer a un representante llamado “Antobal” (Eusebio Santiago Azpiazu “Antobal”, nacido en Cienfuegos, Cuba, en abril 6 de 1890, hermano mayor de Don Azpiazu), quien estaba buscando un cantante para su orquesta, que reemplazara a Antonio Machín que había decidido marcharse para España.  Entonces le firman un contrato y se traslada a Nueva York.

 

Entonces en el mismo año, 1933, se presentó por primera vez en Nueva York, acompañado por una de las orquestas más populares de la ciudad, la Orquesta Antobal’s Cubans, su primera presentación fue en el centro nocturno “Madison Royal”.  Cantó por un tiempo con la orquesta de Antobal, y grabó con esta agrupación su primer disco en el que por error lo anunciaron como Riset (en lugar de Riser), al enterarse del error, lo dejaron así para no tener que rehacer toda la producción y con esta variación de la última letra de su apellido se le comenzó a conocer como Panchito Riset.  Después pasó a actuar en el Night Club “Cubanacán”, desde cuyo lugar, la emisora WBNX transmitía un Show en directo, lo cual le sirvió de difusión para una amplia acogida por parte del público latino en Nueva York.

 

Así comienza una etapa muy fructífera e importante para su carrera, ya que tuvo la suerte de cantar con dos de las orquestas más famosas de Nueva York la del español Xavier Cugat y la del también español Enrique Madriguera.  Al año siguiente, regresa a Cuba y se presenta ante sus compatriotas cubanos acompañado de la orquesta de Eliseo Grenet –el autor de “Mamá Inés” y otros éxitos–, en el Club “Yumurí”.  Después de esto regresa a Nueva York para realizar una serie de exitosas grabaciones, entre 1934 y 1937, con las agrupaciones: el Grupo Victoria de Rafael Hernández, el Cuarteto de Don Pedro Flores y el Cuarteto Caney.

 

Con el Grupo Victoria del maestro puertorriqueño Rafael Hernández grabó la danza “Mis Amores” (Simón Madera), el seis-aguinaldo “Ya Llegó La Navidad” (L. González), y el bolero “Mi Palomita” (R, Cole), grabados el 10 de octubre de 1934.  Con el Cuarteto del maestro, también, puertorriqueño Pedro Flores (El cuarteto Flores lo era solo de nombre, generalmente era un conjunto, en este caso, con una trompeta, dos guitarras, marímbula y maracas) realizó varias grabaciones a dúo con Daniel Sánchez como: “Obsesión”, “Los Cisnes” (Ramón Carrasco), “Flor Silvestre” (abril 10/1935), “Ciego De Amor” (abril 10/1935), “Los Hombres Son Sinvergüenzas” (son, abril 10/1935), “Sin Bandera” (abril 10/1935), y algunos temas como solista: el son “Cuando Vuelvas” y los boleros “Esa Eres Tú” y “Vencido”, grabados el 4 de febrero de 1936, entre otros.  La mayoría composiciones de Don Pedro Flores.  También grabó con Claudio Ferrer como segunda voz con el cuarteto convertido en Sexteto Florestemas como “Rumba Brava” (Panchito Riset), “Sola y Triste” (Armando Valdespí), “” (Pedro Flores), grabados el 31 de marzo de 1936, entre otros.  Con el Cuarteto Caney grabó: el bolero-son “Abandonada” (de M. Romero, enero 24/1936) con el que tuvo mucho éxito, “Al Encontrarte” (de A. Tariche, enero 24/1936) “Buscando La Melodía” (de Marcelino Guerra, mayo 14/1936), “Lamento Jarocho” (de Agustín Lara, mayo 14/1936), “Cuidadito Compay Gallo” (de Ñico Saquito, 21 de diciembre de 1936), “María Elena” (de Lorenzo Barcelata, 21 de diciembre de 1936), “Sabrosito Bongó” (de Panchito Riset, 21 de diciembre de 1936), “Alegre Conga” (de Miguel Matamoros, 29 de junio de 1937), “Bruca Maniguá” (de Arsenio Rodríguez, 12 de octubre de 1937), “La Masacre” (de Joseito Fernández, 12 de octubre de 1937), entre otros.

 

Por este tiempo conoció a la actriz norteamericana Eleanor Powell, que quedó gratamente impresionada con su voz y por la forma de tocar las congas, a tal punto que lo catalogó como el “El Rey Del Ritmo Nuevo”; por supuesto, “ritmo nuevo” para aquella época.  Por sugerencia de la actriz, Panchito se fue para Hollywood, California, donde se presentó debutando con su propia orquesta, en 1937, en el famoso Club Nocturno “Trocadero”, en el cual realizó una temporada triunfal con Eleanor Powell y luego con Ann Miller y Desi Arnaz en la segunda temporada; entretanto se lo disputaban los estudios de grabación.

 

De regresó a Nueva York, Panchito actuó, por el año 1938, con su propia orquesta en el aristocrático Club Nocturno “La Conga” de Nueva York que era, en ese tiempo, uno de los centros nocturnos de moda.  Con su Orquesta La Conga, en este año, grabó temas como “La Comparsa de Camajuaní” (R. Dihigo) “Pepita” (Eliseo Grenet), y “Por Corrientes Va Una Conga” (Ernesto Lecuona) en el ritmo conga y el son “Ensueño” (P. Tellería), entre otros.  Pasó luego al Club “Versalles”, donde inicia una largo tiempo de presentaciones, interrumpido por la circunstancia de haber tenido que prestar el servicio militar.

 

 

Del Ejército a su consagración

 

Como ciudadano de los Estados Unidos, al empezar los enfrentamientos de la Segunda Guerra Mundial el deber lo llamó, y Panchito se enlistó en el ejército, donde permaneció desde 1943 hasta 1945.  El ejército norteamericano lo destacó en Europa donde participó en varias batallas importantes como la de Normandía.  Como militar se distinguió y llegó a ocupar el cargo de asistentes de los médicos y cirujanos destacados en el frente.  Como reconocimiento a su labor y servicios prestados lo condecoraron con tres medallas de bronce.  Como soldado artista, realizaba shows para sus compañeros y durante su estancia en Inglaterra se presentó en el “Town Hall” de South Hampton.

 

Cuando lo licenciaron del ejército con honores mencionados, regresó entonces a lo que más le gustaba, cantarle a su público.  Tal fue su arraigo en la ciudad de Nueva York, que reapareció, de nuevo, en el exclusivo y famoso Club “Versalles”, donde estuvo cubriendo temporadas por un tiempo de 15 años consecutivos.  El nombre de Panchito Riset se los disputaban las carteleras de los principales centros nocturnos tales como: “Chateau Madrid”, “Alameda Room” y el famoso y renombrado “Carnegie Hall”.

 

A su regreso del servicio militar, también continuó grabando, preferentemente con grupos que se amoldaban a su estilo, como la orquesta de René Hernández y el conjunto de Luis “Lija” Ortiz, mientras hacia giras esporádicamente por el Caribe.  En sus presentaciones, con su voz e inconfundible estilo, Riset llevó al bolero la ingenuidad, la pureza en la expresión que existía en los años 30, y nunca buscó innovar su estilo.  Invitaba al oyente a trasladarse con él a la simple y sosegada magia de la década de los 30.

 

Con respecto a su estilo, muchos afirmaban que se lo había copiado a “Cheíto”, uno de los cantantes del Sexteto Habanero.  Y si bien es cierto que Panchito, como Cheíto, cantaba en los sextetos como requinto, o sea, con una voz que se destaca sobre el coro –estilo que Carlos Manuel Diaz “Caíto” perfeccionó para darle una característica única a los coros de La Sonora Matancera–, lo suyo realmente era distinto, porque poseía en el registro alto un vibrato que a veces parecía un temblor, pero que nunca perdía la afinación, algo fuera de lo común que le daba a sus interpretaciones, una expresión tanto de apremio como de sinceridad.  La voz de Riset era la voz del amor angustiado, cosa que reconocían los que compraban sus discos porque, en fin, casi todos ellos habían sentido las angustias del amor.

 

 

No Fue Profeta en su tierra

 

Lo interesante de su historia es que, a diferencia de cubanos como Antonio Machín, Bola de Nieve y Machito, entre otros, que disfrutaron de una vasta fama internacional en Cuba, su país natal, Panchito Riset no era muy conocido, ya que había salido de la isla siendo muy joven.

 

No fue hasta mediados de los 40 que los oyentes de la radio de una popular radioemisora habanera, Radio Cadena Suaritos, comenzaron a escuchar una nueva voz que no era la suave de Fernando Albuerne, la viril de Daniel Santos ni la cadenciosa de Bobby Capó, a las que ya estaban acostumbrados.  Esta nueva voz era algo distinto: muy aguda pero melodiosa, cantando en un estilo que, francamente, ya estaba pasado de moda.  Y para acabar, la canción que interpretaba comenzaba extrañamente con una risa, seguía con una pregunta y continuaba después con la evocación nostálgica de la amada perdida y el nido de sus amores.

 

Era una canción que parecía un tango.  De hecho, su tema recordaba a la percanta y el bulín de “Mi Noche Triste”, el primer tango que cantó Gardel.  Era una especie de tango tropical, a ritmo de bolero.  Uno de esos temas que se creían compuestos en una noche de farra, llenas de recuerdos, de mucho alcohol y de superabundante inspiración.  En suma, una canción tanto sublime como ridícula y, como tal, conquistó el corazón de las multitudes.  A poco, “El Cuartito” de Edmundo “Mundito” Medina, grabado en 1947, en la voz de Panchito Riset, se escuchaba por todas partes a nivel de saturación.  Como dato curioso, apunta el reconocido escritor de La Sonora Matancera, Héctor Ramírez Bedoya, que “Mundito” Medina era un exboxeador puertorriqueño, que fue entrenador del famoso cubano campeón mundial de boxeo de la categoría welter, Kid Gavilán.

 

En su voz impuso otros éxitos como “De Cigarro En Cigarro”, más tarde, con la misma aceptación, siguieron “Blancas Azucenas”, de Pedro Flores, de la cual el musicólogo Cristóbal Díaz Ayala dice que en su versión uno casi podía oler las flores, y “Cita A Las Seis”, que hacía que los oyentes llegaran a ponerse nerviosos al escuchar cómo su voz esperaba a la amada.

 

Y así, Panchito se mantuvo por décadas.  Como el baluarte de la música popular de Nueva York grabó para el sello Ansonia, con su maravilloso gorjeo melódico, preciosos boleros como “Melancolía Y Mi Gloria”, de Luis Kalaff, “Peregrina Sin Amor” y “Mil Copas”, de Bienvenido Brens, “Deseo Bohemio” y “Háblame Clro”, de la autoría del pianista Francisco Simó Damirón, “Todo Me Gusta De Ti”, de Leonel Sánchez y “Amor Y Odio”, “Ella” y “No Me Pidas Olvido”, de Armando Cabrera, entre otros, hasta que la salud le empezó a fallar.  Aún así, nunca perdió su maravillosa voz.

 

En la enfermedad y el final

 

En 1981, sufrió un duro golpe, cuando le amputaron las dos piernas debido a una pertinaz diabetes, pero aún así nunca perdió su buen ánimo y firmeza ni nadie que se acercara a él le escuchaba un solo quejido ni reproche.  Al respecto entrevistado en su habitación de un hospital de Nueva York, expresó: “Mis piernas me llevaron en un largo peregrinaje. He viajado el mundo, fui combatiente de la Segunda Guerra Mundial. Vi la muerte a mi lado, conocí la miseria humana que envuelve un holocausto, y tuve que seguir andando. Hoy por mi capacidad y entendimiento, puedo ser espectador de la vida, que no va a cambiar para mí, por el hecho de habérseme amputado las piernas. Esta prueba no es fácil sobrellevarla, pero tampoco es aplastante. Y creo que Dios ha sido bastante generoso; a pesar de que me quitaron las piernas, no me han privado de mi voz”.

 

Menciona el musicólogo cubano Cristóbal Díaz Ayala que en septiembre de 1983, cuando se celebró la Telemaratón de la Sociedad de Niños y Adultos Lisiados de Puerto Rico en Nueva York, la presencia y la actuación de Panchito Riset arrancaron, al mismo tiempo, lágrimas y aplausos.  Al presentarlo el animador Pedro Zervigón, el público lo obligó a interpretar varios números, entre ellos “Blancas Azucenas”.  Esa noche, fue la estrella que más brilló, aunque allí estaban Celia Cruz, Iris Chacón, Ruth Fernández, Myrta Silva y otras grandes figuras. Desde su silla de ruedas, siguió actuando hasta que la enfermedad pudo más que él.

 

Panchito Riset falleció el 8 de agosto de 1988, en Nueva York, debido a una arteriosclerosis generalizada, que como se dijo, anteriormente, le había postrado a una silla de ruedas por la amputación de sus dos piernas.  Su esposa de origen francés y enfermera de profesión, con sus cuidados y atenciones le hizo menos dolorosos sus últimos días.

 

Dos meses antes el 8 de junio (1988), ante la escasez de recursos económicos, la puertorriqueña Gilda Mirós le organizó una gigantesca velada con el propósito de recolectar fondos suficientes que le garantizaran a Panchito una vida más digna, pero sobre todo, una adecuada asistencia médica para sus enfermedades.  Acudieron a la velada Joe Quijano, Mario Bauzá, Charlie Palmieri, Mario Hernández y La Sonora Matancera con el cantante Bobby Capó.  El espectáculo fue grandioso y la alegría se tornó en llanto cuando Panchito, en una silla de ruedas, con su voz cansada y ronca, interpretó varios de sus gloriosos éxitos.  Al cantar “Cuando Salí De Cuba” y “Guantanamera” el público asistente enmudeció.  Fue un adiós multitudinario para uno de los grandes cantantes del pentagrama musical latinoamericano.

 


 

FUENTES CONSULTADAS

 

·        DÍAZ Ayala, Cristóbal.  Enciclopedia Discográfica de la Música Cubana 1925 – 1960.  Disponible en el sitio Web:http://gislab.fiu.edu/smc/bibliografia.html.

·        PELAEZ, Ofelia. Verdades, mentiras y anécdotas de las canciones, sus creadores e intérpretes. Editorial Discos Fuentes. Primera Edición. Medellín, Colombia; Septiembre de 2002.

·        RAMÍREZ Bedoya, Héctor. Historia de la Sonora Matancera y sus Estrellas. Impresos Begón. Segunda Edición. Volumen 1. Medellín, Colombia. 1998.

·        RICO Salazar, Jaime. Cien Años De BOLEROS.  Quinta edición.  Impreso por Panamericana.  Santa Fe de Bogotá, Colombia, actualizada al 2000.

·        VALDÉS Iturralde, Ángel.  Notas del disco El Amante de Siempre. Panchito. Con Ramón E, Aracena y su Orquestan. Ansonia Records SALP 1591.  Volumen 10. 1981.

 

 

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Herencia Latina


José Mangual Jr / Biografia

Iniciamos el año 2014 dedicando nuestra sección a un músico que tiene una trayectoria de casi medio siglo en la música que denominamos máxima expresión del barrio latino: la salsa. Se trata del maestro José Mangual Jr., nacido el  11 de enero de 1948 en Harlem, Nueva York, e hijo de José Mangual Sénior, uno de los más grandes bongoseros de nuestra música. 

El aporte de José Mangual Jr.a la salsa se inició después a mediados de los años sesenta en su ciudad natal, cuando integró la agrupación de Monguito Santamaría, hijo del gran percusionista Ramón "Mongo" Santamaría. También tocó con La Conspiración.

José Mangual Jr. también hizo parte de la banda de Tony Pabón. Su participación en esta banda fue especialmente importante porque marcó el inicio de su rol como cantante. En el LP "La protesta", grabado en 1972 para el sello Rico Records, José Mangual Jr.cantó el tema "San Miguel". 

En 1971 se vinculó a la banda de Willie Colón, y, dado que el cantante eraHéctor Lavoe, José participó en los mejores y más grandes álbumes grabados por ese gran dúo. Participó en la grabación de álbumes como Gran Fuga/The Big Break, Asalto navideño Vol. 1, El Juicio, Cosa nuestra, Lo mato y Asalto navideño Vol. 2. 

Mangual Jr. también grabó con Rubén Blades en algunos de los discos más representativos en la carrera musical del cantante panameño. Su talento le permitió estar realizando grabaciones simultáneas con otras agrupaciones, músicos y cantantes, como Ismael Miranda, Mon Rivera, Frankie DanteIsmael QuintanaCelia Cruz y la Orquesta Willard, dirigida por Willie Pastrana.

 

En 1977 se lanzó como solista, grabando con su propia agrupación el álbum titulado Tribute To Chano Pozo, y hasta el momento, tiene en su haber alrededor de veinte álbumes propios. Estos se suman a casi treinta grabaciones con Willie Colón Rubén Blades y Héctor Lavoe. Pero son apenas un parte de la inmensa lista de sus grabaciones con otras orquestas, músicos y cantantes. 

Para facilitar la consulta de la información, la sección de discografía que publicamos en esta página web está dividida en tres partes, así: la primera para la discografía de José Mangual Jr. con su propia agrupación; la segunda, para su discografía con 
Rubén BladesWillie Colón Héctor Lavoe; y la tercera para la enorme participación del maestro Mangual Jr. en otros grupos como corista, bongosero, campanero, percusionista, productor, compositor y director de orquesta.

‎Entre los álbumes de el maestro José Mangual Jr. con su propia agrupación tenemos el ya mencionado Tribute To Chano Pozo; Pa' Bailar y gozar; Ritmo, sabor y clave; Qué chévere; Dancing With The Gods (Bailando Con Los Santos) y Sabor y Swing. De estos LPs salieron algunas canciones que se convirtieron en verdaderos clásicos de la Salsa, como "Cuero na' má", "Bomba Caribe", "Campanero", "Tres bongoseros", "El mil amores", "Que lo diga el tiempo", "Campana mayoral", "Que será de mí", "Salta Perico", "Cuando la lluvia cae", "Saludo a Eleggua" y "Ritmo con ache".

Su meritoria carrera le ha permitido viajar por muchos países del mundo a lado de muchos otros grandes músicos y cantantes, con las mejores agrupaciones de nuestra música latina.

La emisora Latina Stereo 100.9 FM de la ciudad de Medellín en Colombia, a través de ésta, su página en Internet www.latinastereo.com, realiza un homenaje a José Mangual Jr por medio de este trabajo investigativo que realiza una aproximación a su obra musical, y como reconocimiento de su trayectoria musical y de su gran legado al mundo de la Salsa, 

¡Gracias, maestro José Mangual Jr!

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Ramón Quian Monguito El Único / Biografia

 

Monguito el Único

 

Nuestro homenajeado de este mes es Ramón Quian Sardiñas, cantante, compositor, director de orquesta y productor, caracterizado por su voz nasal y conocido en el mundo de la música latina como "Monguito El Único". Monguito y Mongo son hipocorísticos –es decir, nombres cariñosos– que se emplea en Cuba para quienes se llaman Ramón.

Monguito el Único nació en el pueblo de Manguito, provincia de Matanzas, Cuba. Matanzas es cuna de otros grandes de nuestra música, como Dámaso Pérez Prado, Justo Betancourt, Francisco Aguabella, Barbarito Diez, Arsenio Rodríguez. La fecha del nacimiento de Monguito no es precisa, pero como inició su carrera musical en 1946, es razonable suponer que pudo haber nacido a mediados de los años veinte. En su natal Matanzas hizo parte de orquestas, como La Orquesta Ito y La Orquesta Mazzuet.

La trayectoria musical de Monguito abarca casi medio siglo, durante la cual interpretó diversos ritmos como la rumba, el son, el montuno, la guajira y la guaracha.

A comienzos de los años 50, en La Habana, Quian se presentó con la orquesta Modernista y el Conjunto Modelo en programas de radio y televisión, en teatros y espectáculos bailables en la ciudad. Luego viajó a México, donde cantó con el Conjunto de Alejandro Sosa y la Gran Orquesta Los Brillantes. También trabajó con Pepe Arévalo y sus Mulatos. De hecho, su éxito fue tal que le permitió actuar en varias películas durante su permanencia en el país azteca.

 

En 1962 se trasladó a Nueva York, donde cantó inicialmente con la Orquesta Broadway. Realizó su primera grabación con el conjunto de Arsenio Rodríguez, cantando en el álbum Primitivo, el cual fue lanzado por Roost Records en 1963. También participó en el homenaje realizado en el Carnegie Hall a la memoria del maestro Ernesto Lecuona. Luego se vinculó a la orquesta de Johnny Pacheco y grabó, entre 1964 y 1967, los álbumes At The New York World's Fair, Pacheco te invita a bailar, Viva África y Pacheco Presents Monguito, el cual lo convirtió en el primer cantante solista que grabó para el sello Fania Records, en 1963. Monguito también que fue el primer cantante de la Fania All-Stars, al interpretar el tema "Como me gusta el son", en el álbum de 1968 Live' At The Red Garter, Vol. 1.

Nuestro homenajeado también participó en grabaciones con Herbie Mann, Tico All Stars, Orchestra Harlow y Fania All Stars, hasta 1968, año en el que creó su propia agrupación, cuyo álbum de debut fue Monguito El Único y su Conjunto. A principios de la década de los setenta realizó como solista las dos grabaciones, De todo un poco y Escúchame / Listen to me, ambas con Fania.

En 1972 cambió de disquera y grabó el álbum Monguito El Único: Yo Sí.. Como Candela! para el sello musical Teca Records.

Tras varios años sin grabar, reapareció en 1979 con el exitoso álbum Monguito El Único: Yo No Soy Mentiroso, realizado para el naciente sello SAR Records. El álbum ganó un disco de Oro.

El año 1980 es quizás el año del mayor aporte musical de Monguito a nuestra música. Es el año en que participó en una serie de álbumes realizados para el sello Sacodis de Nueva York, empresa disquera creada por el comerciante Aboudou Lassissi. Monguito fue vocalista en unos trabajos y director musical en otros. Los álbumes están reseñados en la sección discográfica de esta página. Monguito tuvo la oportunidad de viajar el mismo año al continente Africano. Se presentó en lugares como Dakar, Benín, Mali y Costa de Marfil.

La última etapa en la vida musical de Ramón Quian va de 1981 a 1995. El gran sonero de matanzas grabó los álbumes Algo diferente, Montuno para ti, Monguito el Único International, Monguito El Único, Alto songo, Yo soy la meta, El padrino del son montuno y Sazonando.

Su música le hizo merecedor de varios premios. Recibió en el famoso Palladium el trofeo como cantante sonero más popular del año 1966; trofeo El Búho de Oro en ciudad de Panamá como premio al mejor cantante del año 1971; con la producción musical Yo No Soy Mentiroso de 1979 producido por Torres, gano otro disco de oro y un nuevo disco de oro en Abijan, Costa de Marfil, otorgado en 1980 por el ministerio de agricultura de ese país, por su álbum From Cuba to África.

De la última década de su vida se conoce poco. Al parecer, estuvo retirado de la música, dedicado a otros menesteres. Pero su legado musical vivirá en los corazones de los amantes de la música latina. Sea este un pequeño pero sentido homenaje a otro gran músico y cantante Matancero.



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Se soltaron los caballos para siempre: semblanza de Cheo Feliciano

Se soltaron los caballos para siempre

 

El jefe musical de Señal Radio Colombia recrea el perfil del cantante, quien murió el Jueves Santo.

Un mismo lugar le dio una bienvenida y una despedida a José Luis Feliciano Vega: el Coliseo Roberto Clemente de San Juan (Puerto Rico). Allí, el 13 de noviembre de 1973, después de 20 años de residir en Nueva York, se presentó por primera vez ante el público de su país como parte de la Fania All Stars, cantando –no podía ser de otra manera– 'El ratón'. Hoy su cuerpo se encuentra en ese mismo lugar, a la espera de ser despedido por los suyos tras el absurdo accidente que el pasado jueves pudo lo que el cáncer no había logrado.

La partida de Cheo Feliciano supone el final de un modo de cantar, un estilo iniciado por Tito Rodríguez en la década de los 40, y hoy, sin el ‘Señor Sentimiento’ en la faz de la Tierra, huérfano de posta. Ambos ostentaron un cantar limpio, enclavado en el registro barítono, con un rango algo limitado, pero con enormes niveles de vocalización, alcance y ternura. Todo ello los convirtió en grandes soneros, virtuosos para cantar el son, certeros a la hora de improvisar y básicamente superdotados para el arte del bolero.

Fue justamente la relación laboral entre el enorme hijo de Santurce y el aspirante a cantante de Ponce, que fungía como utilero de la orquesta de Rodríguez en el legendario Palladium de Nueva York, la que permitió a Cheo Feliciano cursar su prueba de fuego. “Los panas míos comenzaron a gritarle a Tito que me diera una oportunidad para cantar”, le contó Feliciano a la periodista Helga García, citada por el DJ caleño Gary Domínguez en su Cuaderno latino de la salsa. “Entonces me dijo: ‘La tarima es tuya, vamos a ver si de verdad tú eres bueno’. Se fue a la barra a darse un trago y la orquesta comenzó a tocar dos de los números que cantaba Tito”. Y aunque el mismo Cheo confesó que esa primera opción la traspasó prácticamente imitando a su mentor, fue suficiente para ser recomendado por Rodríguez al percusionista Joe Cuba, en cuyo sexteto faltaba un cantante.

Es bien conocida la historia del tema más célebre del cantante, a la vera de esa agrupación: faltando un corte para cerrar la producción 'Hangin’ Out' (1964), Feliciano propuso una suerte de ronda infantil que había compuesto sin ninguna ambición y que finalmente, a ritmo de guajira, ocupó el cuarto corte del lado B bajo el título de 'El ratón'. Hoy, esa pieza, el primer gran éxito de lo que poco después se llamaría salsa, ha sido objeto de centenares de versiones, incluyendo las del propio Cheo con sus orquestas, con la Fania All Stars y la muy recordada grabación con dicho colectivo al lado del guitarrista Jorge Santana, hermano de Carlos y líder del grupo Malo. Justamente, la posibilidad de encontrar una recóndita versión de 'El ratón', aparentemente grabada por el mismo Cheo Feliciano acompañado por la guitarra del inglés Eric Clapton, es punto de partida de la teoría detectivesca esgrimida en 'La nostalgia del melómano' (2005) ópera prima del periodista y escritor Juan Carlos Garay. A la publicación de dicha novela Feliciano respondió agradeciendo al autor por dedicarle su talento y su tiempo para incluirlo en su obra.

Los años con el Sexteto de Joe Cuba significaron para Cheo Feliciano el despegue de una carrera monumental, sin cuya intervención el fenómeno salsa hubiera perdido en elegancia y calidez. Fueron años en los que abandonaría el mambo y el bolero a la manera de Rodríguez para enfocarse en el muy de moda boogaloo y en géneros netamente bailables y, si se quiere, más solicitados por la juventud que por la veteranía del Spanish Harlem neoyorquino. Corría la década de los 60 y se estrenaba Feliciano además con sus primeras all-stars: la del sello Alegre en 1961, la del sello Cesta Records (con la que grabó su bolero favorito, 'Tú, mi delirio', de César Portillo de la Luz) y la del sello Tico, que realizó una sola y enorme sesión de descargas en otro célebre local neoyorquino, el Village Gate, en 1966. En créditos de esa serie de discos aparece bautizado como ‘Cheíto’.

La llegada del cantante ponceño a texturas más cercanas a la salsa tópica y a repertorios más personales se da con su llegada a la orquesta de Eddie Palmieri, en 1967. Son años en los que puede darse el lujo de ser el únicofrontman, el puente ideal para el inicio de una carrera como solista. De esos dos años al lado del pianista quedan clásicos como 'Busca lo tuyo', 'Ritmo alegre' y 'Páginas de mujer', este último tema con arreglos del monteriano Francisco Zumaqué.

Era el momento del despegue solista, pero, como él mismo se lo contó a la revista venezolana Swing Latino, en ese tiempo había perdido sus ambiciones de superación, “porque el monstruo de la droga destruye cualquier cosa”.

Figura clave en la rehabilitación del cantante fue el compositor Catalino ‘Tite’ Curet Alonso, probablemente el más importante de los creadores boricuas dentro del fenómeno salsa, responsable de títulos como 'Juanito Alimaña', 'Periódico de ayer', 'Barrunto' y 'Las caras lindas'. La primera producción solista del cantante, titulada Cheo (1971), está compuesta por temas de Curet y del propio Feliciano. Las primeras notas de ese trabajo las marca el virtuoso vibráfono de Louie Ramírez en un clásico verdadero creado por don Catalino, Anacaona. Para Feliciano, Tite Curet fue su compadre, su hermano mayor, su consejero, responsable en gran parte de su obra musical como solista. De regreso del infierno de las drogas, en 1973, el cantante agradeció a Curet con un trabajo dedicado a su obra, con un título que da cuenta de la ayuda recibida: 'With a Little Help From My Friend'.

“Aunque siempre he sido particularmente fanático del Cheo bolerista, no puedo dejar de reconocer su indiscutible calidad a la hora de decir la guaracha o el son –manifiesta el venezolano César Miguel Rondón en su enciclopédico 'Libro de la salsa'–. Quizá ninguno de los cantantes lanzados a la fama continental por el boom de la salsa pueda gastarse semejante soltura para pasar de un extremo a otro del canto caribe.” Puede ser por eso por lo que entre los apodos que se le trataron de endilgar a Feliciano, desde el anodino ‘Niño Mimado de Puerto Rico’ hasta el infamante ‘Ratón’, el que mejor le calzó fue el de ‘Señor Sentimiento’. Y que lo digan como prueba reina sus incursiones en el género romántico con temas como 'Amada mía', 'Contigo en la distancia', 'Nuestras vidas', 'Castillos de arena' y sus discos completos al lado de la Rondalla Venezolana. Sea momento de redimir su prácticamente olvidado 'Un solo beso' (1997), acaso una obra maestra del género romántico compuesta por temas inéditos de Armando Manzanero.

La carrera de Cheo Feliciano siguió siendo, en lo sucesivo un dechado de virtudes y generosidad. Sus últimas apariciones previas a su anunciada lucha contra el cáncer, de la que salía avante, habían sido al lado de su indudable alumno Rubén Blades en un álbum compartido bajo el nombre de 'Eba say ajá', y en una última all stars llamada 'Salsa Giants', creada por el productor Sergio George. En ese contexto se escuchó recientemente su grito de batalla: “¡Se soltaron los caballos, familia!”, grito que hace eco desde la madrugada del jueves 17 de abril, mañana en que los caballos se soltaron para siempre.

JAIME ANDRÉS MONSALVE B.*
Para EL TIEMPO

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Historia de la Salsa: Cheo Feliciano

 

 

A continuación un extracto de la edición de Historia de la Salsa que se le dedicó a Cheo Feliciano el 5 de noviembre de 2003. Baja adjunto el suplemento completo.

Su presencia aún se hace sentir entre los recovecos de la calle Guadalupe de Ponce, donde ubica la residencia de sus padres desde principio de los años 30, justo a la antigua entrada del pueblo, frente al viejo Cementerio Histórico que entonces servía de parque para que los niños retozaran por los restos de lo que una vez fueron panteones difuntos.

En ese lugar nació José “Cheo” Feliciano Vega, el 3 de julio de 1935, considerado como la voz más privilegiada del pentagrama salsero, graduado de la escuela de soneros de Ismael Rivera y discípulo del acento y la eufonía de Tito Rodríguez.

En la ciudad de Nueva York se curtió en las grandes orquestas latinas de la década del 50, con quienes aprendió las mañas del arte de la canción hasta lograr despuntar entre los más renombrados artistas de la época.

Su carrera musical, que ya cumplió 47 años, ha sellado uno de los episodios más significativos en el repaso de nuestro cancionero popular por su excelente capacidad interpretativa en géneros diversos como el bolero, la salsa, la pachanga y el cha-cha-chá. Además, ha refulgido por la calidad de su voz, sus fraseos y sus tonos melodiosos, y graves a la vez, que saben entrar al juego con las armonías provocando momentos sublimes y cadenciosos.

Ése es Cheo Feliciano, el cantante que todo salsero aspira ser. Completo, excelso, virtuoso, afable, simpático y humilde.

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Cheo Feliciano, la leyenda de la salsa y el bolero

cheo feliciano fallece Cheo Feliciano, la leyenda de la salsa y el bolero

 

José Luis Feliciano Vega, conocido como Cheo Feliciano, compositor y cantante puertorriqueño de salsa y bolero y toda una leyenda en su género, nació el 3 de julio de 1935 en Ponce, Puerto Rico. EFE

Autor de boleros como “Si por mí llueve”, “Anacaona” y “Amada mía”, Feliciano, fallecido hoy a los 78 años en un accidente de tráfico en Cupey (a las afueras de San Juan), tenía una larga carrera cuyo punto culminante fue en 2008, cuando consiguió un Grammy latino por su “excelencia musical”.

El cantante comenzó en la música como percusionista en su ciudad natal tras estudiar desde los 14 años en la Escuela Libre de Música Juan Morel Campos.

A los 18 años aprendió a tocar las tumbadoras de la mano del percusionista Francisco “Kako” Bastar, con quien viajó a las ciudades canadienses de Quebec y Montreal.

Además, y para buscar una oportunidad en el mundo de la música, fue el “cargamaletas” de grandes intérpretes como Tito Rodríguez, Frank “Machito” Grillo, Tito Puente, Mon Rivera.

En 1952 se instaló en Nueva York donde se curtió como músico acompañando durante cinco años a varias orquestas de boleros como la agrupación “Ciro Rimac’s Review”.

Pero no fue hasta octubre de 1957 cuando le llega su primera oportunidad de demostrar su aptitudes como cantante en la orquesta El Sexteto de Joe Cuba, y a las dos semanas se casó con su actual esposa, Socorro Prieto León, conocida como “Coco”.

Estuvo diez años con esa agrupación, con la que hizo su debut profesional con el tema “Perfidia” que se convirtió junto con “Amada mía” en un clásico de su repertorio.

Durante esa década trabajó en 17 discos, entre ellos, “Stepping’ out” (1961), “Diggin the most” (1962), “Comin’ at you” (1963) y “Vagabundeando” (1964), en el que logró éxitos como “El alma del barrio” y “El ratón”.

Después, entre 1967 y 1969 formó parte de la banda de Eddie Palmieri como vocalista.

En este último año, tuvo que dejar la música por problemas con las drogas, y tras rehabilitarse retomo en 1972 su carrera musical con la grabación de “Cheo”, cuyos temas fueron escritos por el legendario compositor puertorriqueño Tite Curet Alonso (1926-2003).

El disco batió récords de ventas con éxitos como “Anacaona”, “Mi triste problema, “Pa’ que afinquen” o “Si por mí llueve”, que le consolidaron como uno de los iconos latinoamericanos de la salsa.

Tras quince discos en solitario con el sello Fania, en 1983 fundó su propia discográfica, Coche Records.

En 1984 fue homenajeado por varios de los artistas con los que compartió escenarios como Ruben Blades y Joe Cuba, en el concierto “Tributo a Cheo Feliciano”.

En España fue una estrella en la década de los ochenta y un habitual del Carnaval de Tenerife, y también actuó en 1992 con motivo de la Exposición Universal de Sevilla.

En 1990 pasó a trabajar para el sello del productor Ralph Mercado, el más importante de música latina de los noventa, con el que grabó cinco discos: “Los feelings de Cheo”, “Cantando”, “Motivos”, “Un sólo beso” y “Una voz… mil recuerdos”.

Feliciano grabó además el último tema compuesto por Curet Alonso, “Ésa es tu fortuna”.

Su contribución a la música latina fue reconocida con premios y distinciones, entre ellos el Daily News Award; la Copa de Oro en Venezuela; el Latin New Award; o el Grammy a la Excelencia Musical de la Academia Latina de la Grabación en 2008.

Ese mismo año llevó a cabo la gira “50 años de familia” que comenzó en Venezuela y Panamá para después pasar por ciudades como Nueva York, Milán y Roma, antes de volver a Latinoamérica y culminarla en Puerto Rico.

El cantante había superado un cáncer que se le diagnosticó en abril de 2013 y por el que había recibido tratamiento de quimioterapia.

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Biografia Ramón Luis Ramírez Toro (Chamaco Ramirez)

 

Para muchos de los llamados “salseros de la mata” es fácil identificar el nombre de Ramón Luis Ramírez Toro, mejor conocido en el medio artístico salsero como “Chamaco Ramírez”.Inicio acompañado de éxitos como cantante de la orquesta del recordado “maestro de maestros” Don Tommy Olivencia, a quien se unió a los 16 años.De Chamaco, un boricua nacido en el pueblo de La Parada 26 de Santurce no solo podemos hablar de su trayectoria con Olivencia que fue en su primera etapa 1957 - 1971 y en un rencuentro musical en los años 1974 – 1976, ya que este sonero plasmó importantes trabajos musicales de alto relieve con la Alegre All Stars, Salsa All Stars, Kako, y por supuesto, su álbum en solitario. Basta pensar en clásicos de la salsa de la altura de "Trucutú" o "Planté Bandera", donde Chamaco posiblemente realizó su mejor esfuerzo musical, no obstante temas legendarios como “Casabe con longaniza”, “Este guaguancó” ( 1962 ); “Sabroso” y “¿Cómo te cayó?” ( 1967 ); “Guajira y montuno”, “Homenaje a los calvos”, “La china” y “La soga” ( 1971 ); “Doroteo” y “Pa'lante otra vez” ( 1974 ); “Casimira”, “Evelio y la rumba” y finalmente “Planté bandera” ( 1975).Al repertorio de la orquesta “la Primerísima” de Olivencia aportó, entre otras piezas : “Pepe El Toro” y “El títere” ( 1968 ), uno de sus últimos trabajos fue su recordado dueto con el legendario José Feliciano con quien interpretó “Consuelo”. Entonces, ¿por qué no poner de relieve los logros de un sonero que dio importante contribución musical a la salsa? En pocas palabras, el enriquecimiento cultural de toda persona no puede estar supeditado a la visión que se pueda tener de la vida personal de un artista y mucho menos devaluar su condición humana en detrimento de su talento que merece el reconocimiento por su poca o mucha influencia en el mundo de salsa.La historia de la salsa seria inexacta sin nombrar el trabajo y el legado que sin duda dejo Chamaco para la posteridad enmarcado en su ingenio musical para la improvisación y el soneo. Chamaco Cantó lo que sintió, muchas veces se saltaba la clave y la emparejaba con su ingenio musical, siempre presto para cualquier desafío musical y debo hacer hincapié que mis hijos de 12 y 13 años dicen que lo consideran parecido a un rapero moderno debido a la facilidad de interpretar los temas en la improvisación.Su vida fue un poco desordenada debido a la adicción a las drogas, hecho por el cual mantuvo problemas con las autoridades de su tierra y las de Nueva York, se dice que su trágica muerte –caso que nunca se resolvió- fue debido a los problemas antes expuestos, sus compañeros de profesión en diversas conversaciones aseguran que Chamaco rompió todos los puentes con ellos y se dedicó al delito en la ciudad de Nueva york en la cual murió abaleado una madrugada del 27 de marzo de 1983, en el Barrio del Bronx.

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Biografía de Leo Marini

 

 

En cierta noche de frío inclemente, don Luis, un caballero de origen francés, caminó las ocho cuadras que distanciaban el hogar de su restaurante Los Tres Hermanos. Estaba entelerido. No usaba indumentaria que le brindara adecuado abrigo. Al día siguiente, una tos húmeda y persistente, le anunció que una fuerte gripe iba a convertirse en su huésped. Pero sus 35 años, no fueron suficientes para que sus defensas lo ampararan de la complicación neumónica. En cinco días más, la partida definitiva de esta tierra fue inevitable. Y en una de las situaciones abstrusas de la vida, cuando don Luis expiraba en la habitación principal de la casa familiar, en otra, situada siete metros más allá, nacía María Luisa, la segunda descendiente de los esposos Batet-Vitali.
Y tan angelical que se veía Albertico con sus primorosos cinco añitos. Por ser el primogénito, concentraba todos los afectos de la reducida familia. Pero el destino quiso que a tan corta edad, su padre lo dejara huérfano. Y sería Herminia, su madre, la encargada de la enseñanza de ahora en adelante. La manutención económica correría por cuenta de don Felipe, un acomodado comerciante que luego se convirtió en su padrastro, proporcionándole la dicha de tener la compañía de sus dos nuevos hermanos: Alicia Zulema y Jorge.
La historia para Alberto Batet Vitali, comienza el 23 de agosto de 1920, cuando llega al mundo en la ciudad de Mendoza, provincia del mismo nombre en la República Argentina. Al tiempo que su padre atendía el restaurante, su progenitora, ayudaba en las finanzas del hogar y despachaba en una bodega de comestibles que habían adecuado en el terreno residencial. También colaboraba el abuelo paterno.
Después llegó la tragedia... pero el mundo tenía que continuar. El padrastro resultó gran colaborador con las aspiraciones de Alberto. Pero ¿cuáles eran ellas? El joven había escuchado muchas canciones en la radio entonadas por tres cantantes mexicanos, y esas voces lo habían cautivado. El bolero, la temática musical que abordaban, con su ritmo enamorado y cadencioso, lo traía desvelado desde meses atrás. José Mojica, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu, se habían enseñoreado en la sintonía latinoamericana. Alberto tenía una innata facilidad para silbar sorprendentemente bien, que se volvió famosa en el entorno parroquial, por lo cual era identificado con facilidad. Pero tendría que esforzarse mucho para educar su voz, pues en sus escarceos con unas hermosas muchachas vecinas, éstas le alababan el timbre de su voz.
La suerte se colocó de su parte cuando el afamado tenor lírico español Juan Díaz Andrés, después de recorrer América con compañías operísticas y luego de padecer en el Perú la ruptura de su matrimonio, no encontró el sosiego requerido en el Brasil y aterrizó en la capital provincial mendocina, donde residían sus parientes. Alberto lo escuchó cantar por LV 10 Radio Cuyo, que era la única emisora del pueblo y de manera inmediata buscó su asesoría musical. Díaz Andrés, durante un año le enseñó la técnica del buen cantar, alejándole la manía de imitar a Juan Arvizu porque perdía dicción y originalidad. Lo aconsejó para que siempre interpretara música suave y melodiosa, que sería el cimiento para la obtención de su propio estilo. Este profesor lo llevo a cantar en aquella emisora y con Francisco Fábregas, el presentador del programa, fungieron como padrinos con el nuevo nombre que lo haría famoso en el continente: LEO MARINI.
Con una comparsa de amigos en plan de vacaciones viajó a Chile. Allí obtuvo un contrato para cantar en salas de baile y radioteatros de Valparaíso y Viña del Mar. Se sentía muy orgulloso. En 1941 en esas tierras, se encontraba un pianista cubano que monopolizaba la sintonía. Isidro Benítez, tenía organizado un buen conjunto que ambientaba los programas de planta de la emisora local de Valparaíso. Con este elenco, llega Leo al acetato con sus primigenias cuatro páginas: Virgen de media noche (Pedro Galindo), Puedes irte de mí (Agustín Lara), Inútilmente(Luis Aguirre) y Cerca de ti (Luis Aguirre). El sello grabador fue la RCA Victor. Su estancia en el país austral duró cuatro meses.
José Rocha, amigo suyo y propietario de una emisora provincial argentina, le consigue un excelente contrato por cuatro años en la famosa L.R.3 Radio Belgrano de la capital argentina, propiedad de Jaime Yankelevich. La orquesta de planta integrada por 40 músicos, era dirigida por Herman Kumok. Su destino estaba trazado en la música y ocurre un segundo y providencial encuentro. El primer violín de aquella agrupación, Américo Belloto Varoni, simpatiza con Marini y como la clientela colombiana estaba inmersa en la onda bolerística, los directivos de la Odeón, le encargaron a este profesor que grabara dos discos sencillos con boleros en la voz del nuevo artista. Así aparecieron: Llanto de luna, Ya lo verás, Caribe soy y Yo contigo me voy. Estos números se realizaron para los enamorados del área del Caribe y era procedente bautizar el grupo con un nombre que aludiera esta zona geográfica. Así aparecieron Don Américo y sus Caribes. Con ellos se patentizó el verdadero despegue de la carrera profesional de Leo, que en lo sucesivo encontraría despejado un próvido camino. En los entarimados musicales de nuestra América se aprestaron a iterar sus aplausos, pues su fama sería inmarcesible.
Ocho nuevas grabaciones le facilitan una extensa gira internacional: Venezuela, Cuba, Puerto Rico y República Dominicana. Visita a Colombia por vez primera, en una época de agitación política. Luego de recorrer muchas ciudades en una memorable caravana artística, arriba a Bogotá el 8 de abril de 1948. Su valioso Longines tiene un pequeño desperfecto. Lo lleva a una relojería cercana al hotel donde se hospeda, pero es menester dejarlo allí, para reclamarlo en dos días. Cuando comenzaba la tarde del viernes 9, ¡PUM, PUM, PUM!, matan al líder político liberal Jorge Eliécer Gaitán. El caos se apodera de Colombia. Un amotinamiento. A los ocho días Marini apenas puede salir a deambular fuera de su hotel, y desde luego, se encamina a buscar su reloj. No encuentra ni las paredes en pie del establecimiento comercial aludido. Gran decepción en el cantante y una anécdota que jamás olvidaría.
Viaja luego a La Isla del Encanto, para sobreponerse a su desencanto. Allí trabaja en la estación WNEL de San Juan, promocionado por la cadena Kresto y Cupido propicia su primer matrimonio con la dama argentina Esther Salandari. Regresa en 1950 a Buenos Aires y trabaja con la orquesta de planta de la Radio El Mundo en el programa Sonrisas y melodías. Allí estaban maestros de la música como Marzán, Marafiotti y Lister. Después de finalizado su contrato con la Odeón argentina, firma con la Seeco. En 1951, Sidney Seegel magnate de esta empresa, le aconseja marchar a La Habana para que grabe con el grupo de mayores ventas en dichos momentos en Latinoamérica: la Sonora Matancera. Se conoce con sus colegas cubanos y comienza su dilatada amistad musical con cuatro temas de antología: Luna yumurina, Quiero un trago tabernero, Mi desolación y Desde que te vi.
Al mes regresa a San Juan de Puerto Rico, pero al año siguiente, para que las grabaciones con la Sonora sean más profusas, la Seeco le promueve una estadía prolongada en la capital cubana. Allí en 1952 nace su primogénito Luis Alberto. La Habana era una ciudad efervescente, un emporio discográfico y televisivo en Hispanoamérica. Eran los tiempos del Conjunto Casino, los Jóvenes del Cayo, la Orquesta América, el Conjunto Colonial, la Orquesta Riverside, Chapottín y sus Estrellas, Conjunto Gloria Matancera, Trío Matamoros, Dúo Los Compadres, Arcaño y sus Maravillas, los Hermanos Castro, Benny Moré, Olga Guillot, Nelo Sosa, Daniel Santos y tantas otras luminarias.
Nuestro artista con El Decano de los Conjuntos de América, pega un batazo de cuatro esquinas, cuando graba Maringá, Amor de cobre, Tomando té e Historia de un amor. Su inquietud musical lo lleva de nuevo en 1954 a Colombia, tierra donde es idolatrado. Hace yunta con el trombonista, compatriota y director de orquesta Arnoldo Nali y el acetato se impregna de: Infortunio (Fatalidad), Amor del alma y Prohibido.
Cuba lo acoge luego en diversas oportunidades, 1955, 1956 y 1958. En este último año y ya con el advenimiento del formato de larga duración, con la Matancera graba Reminiscencias, su trabajo más vendido en la historia. En Bogotá, se aventura luego a fundar en compañía de su viejo amigo Américo Belloto, el sello discográfico Coro, de corta permanencia en el mercado. Ya había nacido en 1957 en la capital colombiana su segundo hijo, José Luis.
En los albores de los años sesentas, se radica en su patria Argentina. Precisamente allí, le ocurre lo que nadie desea ni para el mayor enemigo: se divorcia. En el mundo hispano de la música el tiempo de bolero se rezaga. La balada lo suplanta. El Rock and Roll enloquece a la juventud. Los amantes caribeños de las notas bullangueras, se inclinan por el boogaloo, cuyos compases en una increíble amalgama, van a confluir en el movimiento salsero de los años por venir.
Señora Bonita, el sugestivo bolero que había grabado el colombiano Nelson Pinedo, en dos oportunidades anteriores, es un suceso en su voz, cuando lo graba en Caracas en 1970 con la Sonora de Arnoldo Nali. Es como su resurrección profesional. Carlos Andrés Pérez, Presidente de Venezuela, lo condecora en 1978 por su trayectoria musical. A su lado también se encuentran, Libertad Lamarque, Toña la Negra, Bobby Capó, Dámaso Pérez Prado y Pedro Vargas. Se estaciona luego en la tierra de Bolívar. Renato, el magnate de la farándula venezolana, solicita sus servicios para que su segunda orquesta Los Solistas de Capriles, enriquezca su repertorio con su melodiosa voz.
Una vez más Cupido le apadrina su segundo connubio con la dama chilena Gloria Solana y de manera definitiva, después se va a vivir a Buenos Aires, buscando la cercanía de sus dos hijos. Cuando en la década del ochenta es requerido en otras latitudes, vuela a Caracas, San Juan, Bogotá, Medellín, Cali, México, a deleitar a sus incondicionales fanáticos. Pero, llega 1993... Permítame explicarle. La dificultad que usted tiene para la micción, puede ser causada por una obstrucción de la próstata, que a su vez puede deberse a una inflamación benigna o en el peor de los casos, puede producirse por una neoplasia de pronóstico reservado.
Leo Marini escuchaba atentamente las consideraciones del galeno. Estaba sentado y en su mano derecha apretaba un bastón. A su lado, Gloria su rubia esposa, también estaba expectante. Esa molestia que lo atormentaba desde hacía cuatro meses, en la última semana se había convertido en un verdadero sufrimiento. Ya tenía dificultad hasta para caminar. Sus piernas a veces eran trémulas ¿Por qué? ¿Si la sintomatología inicial era tan sólo urinaria?.- Así es que pienso enviarle una pesquisa radiológica muy sofisticada, que nos aclarará la dimensión de su enfermedad
— Prosiguió en sus comentarios el joven médico, que en su diestra portaba un bolígrafo, con el que puntualizaba cada tramo de su conversación. Su consultorio era sobrio, en donde sobresalía una mesa de examen, con estribos metálicos para acomodar a sus pacientes urológicos. Un reloj marcaba las cuatro y 20 minutos.
—Don Leo, en tres días tendremos el diagnóstico exacto de sus afecciones, después de evaluar los resultados de los análisis que le voy a ordenar. Es cuestión de tiempo. La droga que le voy a formular le calmará mientras tanto sus dolores. Además la sonda vesical le facilitará la evacuación urinaria.-
— ¿Doctor — preguntó el cantante — si resulta que tengo un cáncer, hay esperanza de que en una operación que me lo extirpe y pueda trasladarme pronto a otro país? Tengo un buen contrato pendiente para una gira artística. La vida está dura y debo obtener dinero para poder pagar todo lo concerniente a mi enfermedad.
—Amor, primero está tu salud y luego el trabajo. - La esposa que había estado callada interrumpe con decisión. —Doctor, desde que viene enfermo, no hace sino repasar las canciones que dizque va a interpretar. No deja ni dormir. Por eso se tardó tanto para venir a su consulta. Decía que eran malestares pasajeros de viejo. Claro, de viejo prostático. Y ya ve usted que la situación parece muy complicada.
El temido diagnóstico se confirmó a los tres días. Leo Marini tenía un cáncer de la próstata, con repercusiones sistémicas. Las metástasis óseas de la columna vertebral, certificaban el estado avanzado de su padecimiento. Lo que seguía sería un calvario: posibles cirugías y una hormonoterapia agresiva. Cinco, siete o diez años de supervivencia, con una deficiente calidad de vida. La actividad musical de Leo en el futuro estaba en entredicho. Sus mejores recursos los debía encaminar a procurarse su misma supervivencia. Sus 73 años bien trajinados, de los cuales 54, los había dedicado con ahínco al trabajo musical, le indicaban que los mejores momentos ya habían transcurrido.
Los 55 L.D. que había grabado eran historia. Una historia bien documentada, con anécdotas por miles, dos matrimonios, dos hijos de distintas nacionalidades, uno cubano y otro colombiano. Una actividad farandulera pletórica de alegrías y frustraciones, y a la hora de realizar balances, el aspecto económico era el más discutido. Atrás quedaban sus experiencias en el microsurco con el acompañamiento de buenas agrupaciones musicales, como las de Leroy Holmes, Juanito Arzúa, Pedro J. Belisario, Luis Barragán, Pedro Mesías, Lino Vinci, Vicente Bianchi, Toby Muñoz, Edgardo Quintero, Valentín Trujillo, Larry Godoy, Jorge Beltrán y Los Peniques, José Luis Ramírez, Carlos Guerra, Sonora Salomón, Conjunto Los Provincianos, Sonora Silver y Sonora de Lucho Macedo. Su capítulo con la Sonora Matancera merecía categoría especial.
La pantalla grande tampoco le fue esquiva y fue protagonista en la época dorada de tres filmes: Sueña mi amor (1946, en Chile), Mary tuvo la culpa y Qué rico el mambo (1949 y 1950 en Argentina). Para su orgullo, tenía un prestigio continental logrado con tesón y justos merecimientos. Sus apelativos de El Bolerista de América, La Voz que Acaricia, La Voz que Arrulla, El Bolerista de Siempre y El Bolerista Continental, bastarían para merecer el calificativo de leyenda. Su público se contaba por millones. Todos los países de Iberoamérica acogieron su cálida voz en los momentos cumbres. Su calidad artística se paseó por teatros, clubes, casinos, radio y televisión. Fueron épocas victoriosas. Días exultantes.
Pero ahora todo era distinto. El declive insoslayable de la vida ya había llegado. Era coherente sentarse con su esposa Gloria para planear el futuro. Las alegrías recibidas por ambos hijos, cuando le procuraron los cinco nietos, fueron inenarrables. Tan preciosos todos. Tendría que recordar también que desde hacía 12 años, cuando presintió una debacle económica en su país, ya había distribuido entre los dos hijos, a manera de herencia, una cantidad considerable de dinero para que se aseguraran un futuro tranquilo. Gloria poseía por su cuenta un cómodo apartamento y ciertos ahorros que le reportaban buenos intereses para los gastos de una dama de 51 años.
Abandonar de una vez por todas el entorno musical no sería fácil, pero las circunstancias eran mandatorias. Sus músculos no le respondían con la acostumbrada eficiencia. Aunque cuando se subía a un escenario a deleitar a la clientela, una oleada de energía lo invadía y olvidaba su deleznable condición. Y lo mejor de todo, su voz adquiría nuevas tonalidades y unos bríos insospechados recorrían su cuerpo, sin solicitar aquiescencia a la ley de gravedad. Entregarse a su público era su obsesión. Así fue como asistió en Buenos Aires en 1995 a un merecido homenaje que le brindaron sus compatriotas y del cual quedó para la posteridad un disco compacto.
Sería extraordinario que una vez llegada su hora final lo enterraran con la pompa que mereció el gran Carlitos Gardel. Aunque tenía por bien sabido que ello era difícil de realizar. Pero su prestigio en la América Latina era cimentado. Un artista por antonomasia es vanidoso. En Colombia fue la atracción del bolero. En Venezuela lo consideraron como suyo. En Cuba, su primer L.D. fue récord de ventas. En México tierra de eximios artistas, fue estrella de muchos espectáculos. En el Perú, le obligaron a montar en un elefante de circo para cantar en unos carnavales. En Chile, el país que lo lanzó a la fama, lo idolatraban. En Puerto Rico, lugar de su primer matrimonio, fue acogido como figura estelar.
El domingo 15 de octubre del año 2000, cuando las manecillas del reloj marcaban en la tarde la 1:30, Leo Marini, apaciblemente, entregó su alma a Dios. Los rezos y los brazos de sus hermanas Alicia Zulema y María Luisa, lo asistieron cuando se sumergió en las tinieblas ineluctables, las que no tienen regreso. Para testificarle una entrañable admiración, allí mismo hubiésemos querido estar también muchos de sus incondicionales amigos. Su fin llegó sin dolor, sin afán, sin estremecimiento. Se clausuró el ciclo de su vida en la misma casa de la ciudad argentina de Mendoza donde había comenzado hacía 80 años y 53 días. A veces el Todopoderoso permite que los últimos instantes de un hombre transcurran como la semblanza de su vida. Porque si bien es cierto que en su senectud obtuvimos su amistad, los amigos que lo conocieron desde siempre, están conmigo de acuerdo en que era todo un caballero. Circunspecto pero amable. Callado pero amistoso. Observador pero sincero. En su eximia recolección de aplausos de su prolija carrera musical, agenció amistades a tutiplén. Se codeó con presidentes, magnates, políticos y literatos. Así mismo con empleados, obreros y personas comunes y corrientes. Para todos era Leo simplemente. El gran Leo. El insuperable Leo. La tesitura de su voz era su carta de presentación y su calidad humana fue la clave para ya no olvidarlo jamás.
Los colombianos nos debemos sentir orgullosos, porque no desaprovechaba ninguna entrevista para pregonar que nuestra tierra la consideraba como su segunda patria. Muchos coleccionábamos sus nuevas grabaciones y se festonó en la vida farandulera una nueva frase: el estilo Leomarinesco. Con ello se quiso exaltar su voz de tenorino, arrulladora voz, sugestiva y sugestivante, que subyugando a millones de personas, permaneció para siempre en la impronta de las almas.
Fue precursor y adalid del bolero tango. De su entorno argentino, trajo las partituras de varios tangos, para que con el Decano de los Conjuntos de América, rubricara una modalidad musical, que ha tenido siempre muchos adeptos:

Tú quieres más el mar
me dijo con dolor
y el cristal de su voz se quebró.

Recuerdo su mirar
con luz de anochecer
y esta frase como una obsesión...

De los boleristas famosos de los años cincuentas, Leo Marini en Colombia ha sido, el que más ha perdurado en la reminiscencia musical. A tal punto, que en las emisoras orientadas a la música popular, día no hay en que no se pongan sus grabaciones. Ha obtenido este mérito mediante dos razones muy contundentes. La primera. Su calidad interpretativa. La segunda, la señaló el mismo cuando en una medellinense mañana durante la charla de un apetitoso desayuno, le preguntamos:-- Maestro, ¿por qué usted fue el bolerista de la época antigua que más trascendió hasta el tiempo presente? Con elocuencia, categóricamente sentenció:-- Porque yo me uní a la Sonora Matancera y los otros se quedaron en lo suyo. Siempre atesoró gran estimación y respeto por los yumurinos. Comentaba: --- Para mí, nunca antes de la Sonora ni después ha existido una que la iguale. Todos eran caballeros y compañeros sin igual. ¡En los años cincuentas estaba ese conjunto como un tiro! Ellos son ejemplo para las nuevas generaciones y quedarán por siempre en el sitial más destacado de la historia musical.
Los expertos ya propalaron su veredicto: la Sonora Matancera es un mito de la música popular del siglo veinte. Y con entereza ha contribuido de modo indiscutible para que Bienvenido Granda, Daniel Santos y Celia Cruz lo sean también. Por sus conquistas, trascendencia y perdurabilidad vaticino que La voz que Acaricia también lo puede ser. Cuando para evaluar sus preferencias, los coleccionistas y expertos han realizado encuestas para definir la trilogía de todos los tiempos en el bolero, inalterablemente Leo ocupa un lugar cimero. Siempre está en el podio acompañado de Fernando Albuerne y por otro que pudiera ser Genaro Salinas, Hugo Romani, Wilfredo Fernández, Lucho Gatica.
Muchos de los latinoamericanos han sido fruto de los amores propiciados por Leo Marini con sus canciones. Pero también, un descanso, una copa de vino y una melodía del Bolerista de América, son conducentes para que la imaginación retrotraiga imágenes de lueñes amores, de amores imposibles, de ingratos amores. Los invito para que en el pentagrama de nuestra memoria musical, siempre evoquemos con cariño a ese gigante de la cancionística de América, cuyo nombre se escribirá por siempre con letras indelebles: Leo Marini

Caribe soy
de la tierra del amor
de la tierra donde nace el sol
donde la verdes palmeras
se mecen airosas, al soplo del mar...

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Biografia: Carlín Rodríguez

 

Su nombre de pila es Carlos Asicio Rodríguez Villasana, pero en el ambiente musical venezolano lo conocemos como “Carlín”, apodo este que le colocará el finado Fidias Danilo Escalona, en los años sesenta. Carlín Rodríguez nació en Caracas el 17 de Noviembre de 1939. Su inquietud por la música comienza desde niño, cuando cantaba en los actos culturales de la escuela. Pero según nos relata el propio Carlín, su vocación musical crece, cuando una vez siendo todavía un muchacho, el gran Benny Moré, se estaba presentando en el famoso Teatro Alameda de San Agustín del Sur, y al terminar el espectáculo esté se dirige hacia un pequeño bar que se encontraba justamente detrás del teatro, el sitio era conocido como “La Atarraya”. Allí estaba el Benny, tomándose unos tragos y cantando con su guitarra, y de repente alguien le dijo “aquí tenemos un chamo que canta muy bien”, llamaron a Carlín y cantaron a dúo el tema “Alma Libre”, que había grabado antes con Alfredo Sadel. Después de haber cantado el Benny le coloca la mano en el hombro a Carlín, como diciéndole que bien lo haces muchacho, esté gesto marco definitivamente la vida de Carlos Rodríguez, quien según nos cuenta fue algo así como su bautizó en la música.Posteriormente a esto, ya para el año 1956, varios jóvenes del barrio deciden formar una agrupación musical a la cual la llamaron “Las Estrellas del Trópico”, sus integrantes eran: Frank Rengifo, Cesar Mosquera, Marcial León, José Naranjo, Julio Barrios, Melquíades Torrealba, Cruz Alvarez y Carlín Rodríguez.Con este grupo fueron a concursar en un programa de televisión llamado “Lo de hoy” conducido por el finado Renny Ottolina y era trasmitido todos los días desde las siete de la mañana. Fueron varios días de competencia pero al final “Las Estrellas del Trópico”, tuvieron la fortuna de ganar el concurso y la premiación fue una semana de contrato en Radio Caracas Televisión y al mismo tiempo la Asociación Musical los carnetizó, es decir los hizo profesionales.
Después de este concurso, a principio de los años sesenta Carlín Rodríguez debuta profesionalmente como cantante con la Orquesta de Próspero Díaz, con la que tocaban en muchas fiestas familiares, utilizando en su mayoría el repertorio de la Sonora Matancera. Luego, de su paso por está orquesta Carlín, trabaja con varios grupos amateurs de la capital, como el “Quinteto Vitola”, en donde tocaban música popular, hasta que es llamado por Leonardo Pedrosa, para que formara parte de su orquesta “Los Caciques”, en donde permaneció aproximadamente tres años.En el año 1964, se separan varios músicos de “Los Caciques”, y por iniciativa del finado Roberto Montserrat, nace el Combo Latino. Estos logran grabar un 45 rpm, con los temas: “En Cadenas” y “Yo vendo unos ojos negros”, vocalizados por Raúl Mayora, cantante de San Agustín que luego se marcharía para Europa y nunca más se supo de su existencia. Carlín Rodríguez y el Bobby son los encargados de hacer los coros en dicho trabajo.
Era el año 1966, y en el ambiente musical caraqueño ya se escuchaban los buenos comentarios acerca del Combo Latino. Sin embargo, nos relata Carlín que había la necesidad de varios instrumentos y uniformes para el grupo. Es cuando un día apareció Federico Betancoar habló con Roberto Montserrat, quién era director del Combo, ambos llegarón a un acuerdo económico, y deciden llamar a la agrupación “Federico y su Combo Latino”, e inmediatamente graban un 45 rpm en donde incluyen los temas: “Conmigo” y “Celosa”, en la voz de Carlín Rodríguez, que luego serían complemento para el primer Lp titulado “Llego la Salsa”, siendo este el primer disco en utilizar el término “Salsa”. Los cantantes en esta producción fueron Dimas Pedroza y Carlín. Luego en ese mismo año 1966, graban el Lp “Salsa y Sabor”, posteriormente el disco “Mas Salsa”(1967).
En el año 1968, Carlín Rodríguez sale del Combo Latino y entra el cantante Oswaldo Rey. Ese mismo año Carlín es llamado por su amigo y colega Ray Pérez, y graba en el segundo disco de los Calvos “Y que calvos”, y en el primer disco de “Los kenyas”.
En el año 1969, Carlín por invitación de Richie Ray y Bobby Cruz viaja a Nueva York, pero antes deja grabada su voz en la producción del “Pavo” Frank Hernández, “Mi nuevo sonido”(1969). En apenas su primera noche en N.Y, Richie y Bobby, llevan a Carlín a una de sus presentaciones en un famoso club de la ciudad, en donde Carlín Rodríguez, interpreta en tarima el tema “Las Caraqueñas”, del finado José Quintero.
En Nueva York, se consigue con otro venezolano Johnny Sedes, quien lo invita a grabar en la producción “Mama Calunga”(1969), e interpreta el tema: Guajira Dancers”, acompaña en este disco a dos grandes vocalistas, Chirivico Dávila y al también venezolano Leo González. Para el año 1972, Carlín regresa a Venezuela, e ingresa en las filas de la Orquesta del maestro Porfí Jiménez en sustitución de Nano Grand.En el año 1974, vienen por primera vez a Venezuela las Estrellas de Fania, y se presentan en Nuevo Circo de Caracas, alternado con una orquesta de músicos venezolanos ensamblada por Porfí Jiménez, a la cual le colocaron el nombre de “Las Estrellas de Venezuela” y los vocalistas eran: Freddy “Coco” Ortega, Chico Salas y Carlín Rodríguez.
En 1975, graban la producción "El Rico Sabor de Porfi", en donde se mantenian los mismos vocalistas: Coco, Chico y Carlín.En 1976, el maestro Porfí Jiménez, graba dos producciones, “Tiene de todo Porfí” y “Salsa Venezolana” en donde los vocalistas eran: Carlín Rodríguez, Coco Ortega y Joe Ruiz quién entra en sustitución de Chico Salas.



Ricardo Quintero, Carlos Daniel Palacios y Carlín Rodríguez, grabando con el Trabuco Venezolano.

Al año siguiente es decir 1977, Carlín es llamado para integrarse a “El Trabuco Venezolano”, grabando en los dos primeros discos de esta sensacional orquesta. Paralelamente a esto, Carlín Rodríguez continua trabajando con la orquesta de Porfí Jiménez.

Finalizando de la década de los años ochenta, Carlín es nuevamente invitado a grabar en compañía de su gran amigo el negrito Calaven, en una producción titulada “El Milagro”, con la Orquesta Los Dementes de Ray Pérez. Allí se destacó interpretando los boleros “Cuando te vayas” , “Caminemos hasta allá”, y el sabroso tema “Aquí estoy de nuevo”, cantando a dúo con Calaven, quien a su vez deja grabada su incomparable voz en una sensacional versión del tema: “Convergencia”. Esta fue la ultima grabación en vida del gran Calaven.

En el año 1999, Carlín Rodríguez, viaja a Cuba y participa en el Festival de Boleros de Oro, y a raíz de esto graba un excelente material discográfico con diferentes agrupaciones cubanas, entre ellas podemos nombrar al “Sexteto Bayamo”, “La Orquesta Tempestad Latina” y “Hora Buena Banda Show”.

Carlín Rodríguez, sigue activo en sus actividades artísticas y recientemente fue nombrado Patrimonio Cultural de la Gran Caracas, condecorado en acto público por la Alcaldía Mayor, gracias a su gran aporte como Coordinador de Eventos Culturales en la Parroquia San Agustín.


Orlando "Watussi" Castillo, Felipe "Mandingo" Rengifo, Carlín Rodríguez, Carlos Daniel Palacios y Freddy "Coco" Ortega, en la Descarga de Los Barrios.
NOTA :  Caracas, mayo 6 del   2012-En horas de la mañana de este domingo falleció en su casa de San Agustín, el cantante salsero Carlín Rodríguez. Ayer el barrio le rindió homenaje, por eso de agradecer en vida. Varias orquestas se dieron cita en San Agustín para expresarle su afecto a Carlín y ahora, en la mañana de este domingo fallece, justo allí, en su barrio, rodeado de su gente.Carlín estaba atravesando graves problemas de salud a causa de un cáncer pancreático, que le llevó a un deterioro importante de su vitalidad.
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Orquesta La Terrifica

 

 

La Orquesta La Terrífica es un desprendimiento musical de la sonora ponceña originado por uno de los trompetistas José rodriguez quien en compañía de varios músicos de la sonora decidieron a principios de los 70(1972) arriesgarse por cuenta propia en su creación además del trompeta rodriguez quien se perfilo como líder y arreglista, están tito gomes, Francisco Alvarado(exbongosero de la ponceña y compositor).su primera producción discográfica sale en 1974 bajo el sello de masucci fania, una gran desventaja para esta novata institución ya que en ese sello ya estaba la ponceña (masucci había comprado el sello inca del que la sonora de kike lucca formaba parte). detodas formas el primer lp de la terrífica fue soberbio y definió un sonido diferente a la sonora al incorporarle al brass de vientos trompetas y saxo…
.como respuesta a la indisposición de don kike y papo por esta fuga de músicos…ellos respondieron al famoso»hachero pa un palo» clásico son de arsénico hit de la sonora en su primer lp…Con un poderoso montuno titulado «hachero mayor», donde se destaca la pluma de Fc. alvardo y el pregón hiriente de tito gomez el segundo lp (1975)de la terrífica trae nuevas voces…aparecía la voz femenina de yolanda rivera un mulata aindiada de la barriada de baldority que había estado trabajando con bandas en New york y regresaba a su tierra a colaborarle a esta nueva banda (esto mucho antes de que fuera seducida por la ponceña)…en este lp viene una version muy curiosa del guaguanco #3 famoso por la sonora matancera de cuba y la primera version del tema «esta demas»…a la voz de yolanda…se le unía un pregonero de penuelas puerto rico pichie perez…el tercer lp repiten la formula con los vocalistas yolanda y pichie,.se destacan las composiciones de luigui texidor «la vida se llama mujer» y «humpo en la cabeza»…en el cuarto lp se estrena la voz de un excantante de rock que hacia su aparición por los predios de Ponce con la terrífica era Manuel martinez mannix…que unio de a las voces de pichie y jossie leon se apuntaba uno de los éxitos de este lp «pura»…para el 79 llegaría la época dorada de la terrífica con el sello artomax, José rodriguez su director y fundador utiliza tres trompetas y dos trombones, empiezan a realizar giras no solo por toda la isla sino al exterior acompañando a Ismael miranda…
El 5to lp tiene uno de sus primeros temas radiados a nivel internacional ‘casa pobre casa grande’ una composicion de corte social escrita por José nogueras…en 1981 sale al mercado el 6to lp terrifico el ultimo trabajo en vida que haría el gran pianista y arreglista jorge millet…incluye ‘como da vueltas la vida»… «hinca la yegua»…el 82 trae cambios importantes…llega también del sur de Puerto Rico un joven vocalista con buenos recursos a la hora de pregonar…Héctor tricoche se apuntaba los extios por todas partes y de alguna manera…tratando siempre de sobrevivir en el ambiente sureno…la terrifica se mantuvo…con cambios imprevistos…curiosamente se convertiría en una especie de cantera musical y vocal para la sonora ponceña…muchos de los músicos pasaron por la terrífica antes de entrar a las grandes ligas de papo lucca…en el 84 descubrimos otro lp con otra voz curiosa la de guito colon se destaca en el tema eso me conviene ;llega sorprendiendo la audiencia con un timbre similar al ya reconocido cantante de gunda merced Luis Carrión…escuchando en «eso me convierte’ combinando su pregón con el de tito gomez…conocemos dos trabajos mas de la terrífica el lp regresamos en los 90…y mas terrífica del 92 donde viene «corazón fracturado»…

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Vicentico Valdés. Uno de los mejores intérpretes que ha dado el bolero a nivel internacional.

 

 

Nació en el barrio habanero de Cayo Hueso, en el municipio Centro Habana, provincia Ciudad de La Habana, el 10 de enero de 1921, en el seno de una familia de notables músicos.

Fue cantante en el Septeto Nacional, la Charanga de Cheo Belén Puig y la Orquesta Cosmopolita. En 1944 viaja a México, donde comienzan sus primeras grabaciones con la Perles, y dos años después a New York, donde labora por el desarrollo de la disquera norteamericana Seeco. En esa ciudad Vicentico trabajó con las importantes orquestas puertorriqueñas de Noro Morales y el célebre pailero Tito Puentes. Otro género al que dedicó mucho espacio, además del bolero fue al mambo.

En 1953 grabó en La Habana con la Sonora Matancera, y al año siguiente ya tenía su propia orquesta. A partir de entonces se mantendría en la preferencia del público, sobre todo latinoamericano. Murió en New York el 26 de junio de 1995.

Juventud

Vicentico con amistades
Vicentico con amistades

Dentro de una familia de notables músicos, como sus hermanos Marcelino Valdés y Oscar Valdés, percusionistas, y el también gran cantante Alfredito Valdés. Este contexto familiar influyó claramente en él, y participa posteriormente como cantante en dos de las principales agrupaciones de la música cubana: el Septeto Nacional y la Charanga de Cheo Belén Puig, interpretando en ellas sones, guarachas y danzones, aunque incursionó en otros formatos como fue el caso de la Orquesta Cosmopolita, una jazz band.

En 1944 viaja a México, donde canta con varias orquestas y comienzan sus primeras grabaciones con la firma Peerless. Fueron decenas de piezas, casi todas de música movida, como guarachas y sones y es curioso pues aún en esta etapa no se había decidido a cantar boleros a plenitud, sino que los incluía de manera fortuita a su repertorio.

Años más tarde viaja a New York, ciudad norteamericana donde se desarrolló una proporción importante de la música cubana y allí labora para la importante disquera norteamericana Seeco, de la que fue productor. En esa ciudad es de destacar la presencia de una gran población puertorriqueña, fervorosa y ávida consumidora de nuestra música, lo cual hizo posible la gestación de una explosión musical en la que participaban tanto músicos y orquestas boricuas y cubanas. Ello permitió el desarrollo de grandes músicos y cantantes, como Chico OFarrillMario BauzáPanchito ResetOrlando VallejoAntonio Machín o el Conjunto Caney, de Fernando Storch, por sólo mencionar algunos de los más destacados.

Vicentico y la Sonora Matancera
Vicentico y la Sonora Matancera

Vicentico trabajaría en New York con dos de las más importantes orquestas puertorriqueñas, la de Noro Morales (1947) y la del célebre pailero Tito Puente (1949). A comienzos de los 50, realizó varias grabaciones con ellos, en las que ya los boleros en su repertorio tenían mayor presencia; también versiones de canciones de otros países, como "La vie en rose": una costumbre que mantendrá a lo largo de su vasta carrera, en la que grabaría cerca de 50 discos. Otro género al que dedicó mucho espacio fue al mambo, que triunfaba por esos años, sobre todo en el continente gracias a otro cubano célebre, el matancero Dámaso Pérez Prado, quien ya causaba estragos sobre todo en México y La Habana.

En 1953 grabó en La Habana con la Sonora Matancera y, al año siguiente, ya tenía su propia orquesta en New York. A partir de entonces se mantendrá en la preferencia del público, sobre todo latinoamericano, hasta fines de los 80. En Cuba mantuvo un programa diario de media hora en la COCO, aunque era reclamado por los oyentes en otras emisoras capitalinas e, incluso provinciales.

Como todos los grandes boleristas, su calidad no se basaba sólo en la tesitura de su voz, sino, sobre todo, en su capacidad interpretativa, en la dramatización que hacía cuando cantaba. Comparando su voz con las de otros nombres como Orlando Vallejo, Ñico MembielaOrlando Contreras, y el mítico Benny Moré, la suya era decididamente nasal, pero no tanto como las de sus colegas y amigos Panchito Riset y Antonio Machín, que como él, ya en esos años, estaban en EUA.

Repertorio musical

Ya en 1958 incorpora a su repertorio tres boleros de una autora entonces desconocida para el gran público y de sólo 24 años:

  • En la imaginación
  • Deja que siga sola
  • Tú dominas

La canción Tu Dominas, dedicada a Marta Valdés, sus letras elevaban sobremanera la ya ganada reputación y excelencia del género. En el disco "El gran Vicentico Valdés", aparecen unas significativas palabras del cantante, pronunciadas en 1964 y que han ganado en actualidad:

Soy mucho más afortunado que muchos de los cantantes que empiezan ahora. Puedo defender todo el tiempo lo que creo que es correcto musicalmente. No tengo que hacer concesiones porque la gente me acepta como soy. Pero si fuera a empezar hoy y tuviera que hacer todas las cosas que he venido haciendo hasta ahora, sería mucho más difícil.

Sabemos que la calidad en general es más baja y de esa forma el estímulo de muchos compositores y cantantes se ha muerto.

En el año 2001 recibiría un merecido homenaje gracias a la edición de la antología de poemas cubanos sobre boleros y canciones, dedicada al gran cantante y titulada Añorado encuentro, que contó con la selección y prólogo del poeta Waldo González López Míos, y que editó cuidadosamente la experimentada Mayra Hernández Menéndez, para la capitalinaEditorial Extramuros.

Discos y grabaciones

Este excepcional cantante cuyo estilo particular marcó pauta, también difundió a los mejores compositores latinoamericanos de boleros, en especial a los cubanos, de los que fue un valioso promotor internacional como bien han referido no pocos de ellos.

Grabó numerosos álbumes a lo largo de su exitosa vida profesional y mereció muchísimos premios por la venta de sus gustadas grabaciones, particularmente en el mundo latino. Entre ellos varios Discos de Oro por algunas como:

  • "Añorado encuentro"
  • "Envidia"
  • "Los aretes de la luna", reunidas en álbumes como: Lo mejor de Vicentico Valdés, Clásicos de Vicentico Valdés con la Orquesta de Bobby Valentín y Canciones premiadas de Vicentico Valdés.

Justamente Vicentico cantó diversas canciones de algunos de los mejores compositores del feeling, entre éstos los renombrados autores cubanos Giraldo Piloto y Alberto VeraMarta ValdésRené TouzetArmando PeñalverLuis YáñezJorge ZamoraJosé Antonio MéndezÁngel Díaz y otros. Uno de esos valiosos números le valdría en 1958 un Disco de Oro, cuya réplica llevara desde entonces colgada al cuello. El éxito fue”Añorado encuentro”, del binomio Piloto y Vera que nadie, ni siquiera después, cantaría como él.

Sentía un orgullo y satisfacción tal por esta canción como con ninguna otra, aunque más tarde se enamoró de otras dos, igualmente famosas, que hizo suyas en su voz: Envidia, y Los aretes de la luna. Con éstas conformaría la tríada de su repertorio preferido, según confesara el propio Vicentico en diversas entrevistas de la época.

Al decir del compositor y fundador del feeling, Ángel Díaz, “…Vicentico fue uno de los primeros grandes boleristas en acercarse al feeling y a sus compositores. No sé si estudió canto pero cantaba como un ángel, con las aes abiertas (mi felicidaaá -decía- y la fidelidaaá). No empleaba la A ovalada o redondeada, como ensañan los profesores de canto lírico. Es, de algún modo, lo que hoy hace Luis Miguel, quien ha tomado no poco de esas figuras de la canción y el bolero.

Discografía original

Este nuevo acercamiento a la obra del célebre cantante cubano nos llega de la mano del experimentado investigador musical Jorge Rodríguez, quien ha sido premiado en varias ediciones de Cubadisco gracias a su minuciosa labor de selección musical. Aquí convergen diversas canciones que brillaron en la voz de Vicentico a lo largo de su carrera, como:

Vicentico con Piloto y Vera.
Vicentico con Piloto y Vera.

Este fonograma integra la famosa y vasta colección “Las voces del Siglo”, de la EGREM, y trata de enmarcar discográficamente a los mejores exponentes de la música popular cubana de todos los tiempos, haciendo énfasis en las décadas de los 40, 50 y 60. Encontraremos aquí diversas orquestaciones que se deben a las diferentes épocas en que fueron grabadas estas canciones, y que al estar compiladas en un mismo CD tienen, obligatoriamente, un sentido y una coherencia musical.

Pero aquí hallaremos boleros con Conjunto, con orquesta tipo jazz band y con extrema variedad sonora, como el uso de violines, bongoes, flauta, piano, trompetas y saxofones por ejemplo, ofreciendo una riquísima gama musical, y que denota las diversas etapas interpretativas de Vicentico. Este es uno de los mayores logros del disco: la inclusión de varias grabaciones pertenecientes a distintas épocas, pero con el cuidado de preservar una unidad y un sentido musical determinado.

Otra característica notable de esta entrega es su diseño, recreando una antigua foto del cantante y que gracias a un trabajo de arte encomiable de Alberto Medina Peña, logra romper con lo tradicional de los trabajos compilatorios a los que estamos acostumbrados. Contribuyen al rotundo éxito del disco las acertadas notas discográficas (y musicológicas, añade) del gran amigo y conocedor musical, fonográfico y musicólogo Pepe Reyes Fortún, quien nos alumbra en la vida y obra del gran músico cubano teniendo el gran reto de hacerlo de manera sintética por el poco espacio que físicamente traen los CDs para este tipo de empeños.

Letra de la Canción "Añorado Encuentro"

Aunque lejos estemos tú y yo,
siempre unido estará nuestro amor
añorando tan solo el momento
de estrecharnos con loca y tenaz pasión. 
Ni siquiera logré imaginar
me quisieras lo mismo que yo, 
aunque siempre en mi pecho callara
la inquietud que al tus ojos mirar me ahogaba. 
Hoy rompo las cadenas del silencio, 
logro decirte que te quiero, 
que tú eres todo lo que anhelo. 
Volveremos a vernos tú y yo, 
trataremos del tiempo borrar, 
no tendremos en cuenta razones
que no sean las de nuestros corazones. 

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Biografia: "Negrito Calaven"

 

Carlos Rafael Perdomo Yáñez…"Negrito Calaven" *29/02/1940 - 03/05/2003.

Nace en Caracas, es el segundo de nueve hermanos, Calaven demostró un gran talento musical a muy temprana edad. Se inicia en la música junto a sus amigos de infancia en el Barrio "Tiro al Blanco" en Caracas Cantando Boleros (Vendrán-Parece Mentira) y Después Descargando Su melodiosa Voz en nadie se Salva De La Rumba Y El Carbonero) pero con Federico fue que alcanzo gran popularidad a mediados de la década de los 60’, hizo numerosas presentaciones en vivo y en televisión en Venezuela, Curazao y Colombia. Poseía un estilo muy personal, influenciado por el liricismo, una gran diversidad rítmica lo cual hacia que fuera reconocido instantáneamente lo que lo llevo a ser calificado de innovativo y genial por unos y de radical e inusual por otros.Realizo sus primeras grabaciones con "Anguera y sus Muchachos".Participo en las agrupaciones “Los Kenya”, “Los Calvos” y “Los Dementes” dirigidos por el pianista Ray Pérez, “Pipo y sus Estrellas”, la orquesta "Los Caciques" dirigida por Leonardo Pedroza y “Las Estrellas Latinas” junto a Canelita Medina, Joe Ruiz y Carlin Rodríguez. En 1981 grabo con el pianista Jesús “Chuito” Narváez la producción “Calaven y Yo”. Calaven falleció en Caracas el 03/05/2003, dos anos después de haber sufrido un aneurisma cerebral. Aunque nunca recibió el reconocimiento que se merecía, es indudable su gran aporte al genero de la salsa en Venezuela, como lo demuestran las grabaciones que nos dejo, que aunque no numerosas son un testamento a su gran talento.

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Biografia RAFAEL CORTIJO

 

Rafael Cortijo Verdejo, nacido un 11 de diciembre de 1928 en Santurce Puerto Rico, quizás uno de los protagonistas más sobresalientes de la música popular de Puerto Rico durante los años 50. Rescató, en plena época de la televisión, la tradición afroantillana del país, devolviéndole a la percusión el predominio que fue perdiendo luego que afloraran en la música local otros instrumentos musicales. En su niñez siempre estaba presente el sonido de los tambores y el cantar de pleneros como Cornelio y María Teresa. Aprendió cómo hacer congas o timbas con los barriles que después utilizó para atraer a Ismael Rivera, aún muy joven, para que lo acompañara en sus descargas, que en ese entonces se realizaban, usualmente, en la playa. Además fue un personaje de mucha importancia en la historia de la música latina y celebrado por sus dotes como percusionista (timbales, conga, bongo, maracas y otros), como líder de la orquesta y como compositor. Era el héroe musical de las tradiciones en Puerto Rico y América Latina; admirado por su creatividad y talento. Cortijo sacó la bomba y plena fuera de los arrabales y con su orquesta, predominantemente de raíces africanas, introdujo éstos géneros a todos los niveles de la sociedad puertorriqueña y también en el extranjero. Rafael tuvo la oportunidad de poner en uso lo que aprendió tocando los bongós y las congas con el Conjunto Monterrey de Moncho Muley. Inició su carrera profesional con la Orquesta de Frank Madera, donde tuvo la oportunidad de realizar diversas giras junto a su cantante Daniel Santos y luego con la de Miguelito Miranda. Además trabajó en los programas radiales de la cantante, compositora, percusionista y actriz Myrta Silva y el vocalista cubano Miguelito Valdés, quien le sugirió que formara su propia orquesta. Cortijo sabía que existían variedades al ritmo de la bomba cangrejera. Con su experiencia previa y la que ganó participando en fiestas tradicionales como los Carnavales de San Mateo y San Juan, él estaba bien preparado para organizar un auténtico grupo de bomba y plena. Creó su propio estilo trayendo a la orquesta trompetas y saxofones, pero retuvo el sabor tradicional de bomba y plena a través de la base rítmica tradicional. El momento definitivo en la carrera de Cortijo vino en 1954. Él tocaba las congas con el Combo de Mario Roman cuando el líder de la orquesta decidió retirarse. Esto le dió la oportunidad a Cortijo de organizar se propio grupo. Sabía exactamente qué sonido quería y quienes serían los músicos que lo producirían para él. El primer vocalista del grupo fue Sammy Ayala. Posteriormente el entonces vocalista de la Orquesta Panamericana, Ismael Rivera, se unió al grupo en 1955. En las próximas tres décadas, estos dos amigos cercanos -Rafael e Ismael -vivieron una vida en la cual compartieron lo bueno y lo malo. Cualquier experiencia que tuviera uno de ellos como individuo era vivido o compartido por los ambos, incluyendo fama, alcohol, adicción a las drogas y hasta la cárcel. En 1962, después que Rivera fuera encarcelado por una ofensa de drogas, miembros de su Combo, dirigidos por el pianista Rafael Ithier, se separaron para formar El Gran Combo. Más de cuatro años pasaron antes que Cortijo y su Combo se reunieran con Ismael para dar el acompañamiento para ¡Bienvenido!. Esto fue seguido por otra reunión en 1967 que resultó en el album Con Todos Los Hierros. Entonces Cortijo organizó una nueva orquesta llamada Bonche y debutó con ellos en Sorongo, esta incluía, a pesar de su débil voz, a su hija Fe Cortijo, como una de las vocalistas. Ella continuó trabajando con su padre hasta su último album. Cortijo realizó una colaboración con el percusionista y líder de la orquesta Koko; reviviendo así algunas de sus populares canciones de bomba y plena. Tras su meteórica alza, Cortijo e Ismael pagaron el precio por los años de excesos y problemas legales. Ellos encontraron en Puerto Rico un ambiente hostil e intolerable y se fueron a Nueva York. Pero Cortijo nunca se sintió cómodo allí y regresó a Puerto Rico. Ya de vuelta en la isla su vida, no mejoró mucho. Tite Curet y un amigo le ayudaron financieramente para producir el album Pa' los Caseríos y hasta compuso muchas de las canciones. El Combo tuvo una serie de éxitos, la primera canción que grabó fue "El Bombón de Elena" -bajo el sello Seeco- y también la futurística "Máquina del Tiempo", llevada al público en 1974. En medio de esos éxitos hay clásicos como: "Maquinolandera", "El chivo de la campana", "Oriza", "Perfume de Rosas", "Tuntuneco", “Quítate de la vía Perico”, "Déjalo que suba",“El negro bembón” y otras. A diferencia de otras agrupaciones musicales, Cortijo y su Combo introducen en su espectáculo el baile, el mismo que se bailaba en las fiestas populares de los barrios. Eran realmente una atracción audiovisual y la televisión puertorriqueña así le reconoció. El popular Show del Mediodía presentaba el grupo de lunes a viernes por cinco años. Al son de sus ritmos contagiosos, originados en el puro instinto y sin partituras, bailó toda una generación de puertorriqueños. Él quería que su orquesta tocara música espontáneamente y que evitara las rutinas inflexibles de grandes orquestas que dejaban a los músicos fijos en el escenario detrás de sus arreglos musicales escritos. La orquesta de Cortijo tocaba de pie, bailaba en el escenario y hasta a veces se unían a los bailarines en la pista de baile. Sus arreglos musicales eran mínimos y eran usados como base para las improvisaciones de los músicos. El estilo encendía a los presentes y eso, eventualmente, los ayudó a competir con grandes orquestas de esa época como las de Machito, Tito Rodríguez y Tito Puente. La orquesta mantuvo contacto con el público tocando en bailes a través de la isla, especialmente en las tradicionales fiestas patronales. Formaron parte de este legendario Combo: Rafael Ithier, Sammy Ayala, Roy Rosario e Ismael “Maelo” Rivera, entre otros. La música de Cortijo también era muy popular en otras partes de Latinoamérica. Cuando se le preguntaba sobre la aceptación que la música directamente asociada con las tradiciones puertorriqueñasesta tenía en otros países, decía: «El sonido de los tambores traídos por los africanos son entendidos en todas partes del mundo. Por ejemplo, yo entiendo completamente la música haitiana y al mismo tiempo mi música es entendida y apreciada en Haití, también la gente humilde en cualquier lugar no tiene problemas identificándose con mi música porque es su música también. Tratamos de tocar nuestra música honestamente, con espontaneidad y sin variaciones sofisticadas que pueden alterar su forma original». El 25 de junio de 1974, Coco Records auspició un concierto en San Juan; logrando juntar los miembros originales de Cortijo y su Combo. Esa noche estuvieron: Rafael Cortijo, Ismael Rivera, Roy Rosario, Martín Quiñones, Rafael Ithier, Eddie Pérez, Héctor Santos, Mario Cora, Sammy Ayala, Roberto Roena, Miguel Cruz y Kinito Vélez. El concierto produjo el álbum Juntos Otra Vez. El mismo fue realizado en 1982 con el nombre de Ismael Rivera Sonero Número 1. Cortijo falleció a los 54 años, el 3 de octubre de 1982, de cáncer en el páncreas, en el apartamento de su hermana ubicado en el residencial público de Luis Lloréns Torres. Fue honrado por su gente y por los líderes públicos, el pueblo cangrejero se volvió para rendirle tributo póstumo. Miles de ciudadanos, músicos y artistas desfilaron frente al ataúd del proscenio del salón de actos del residencial en una sentida manifestación pueblerina de luto y reflexión. Ismael Rivera, el sonero por excelencia del Combo de Cortijo, pasó la noche en vela lamentando la muerte de su compañero. «¿Por qué te fuiste el día de mi cumpleaños?», le preguntaba al cuerpo inerte de Cortijo... Él fue enterrado el 6 de octubre en el cementerio de Villa Palmeras. En el entierro se volcó todo el dolor del espíritu cangrejero, evento recopilado años más tarde por el escritor Edgardo Rodríguez Juliá, en su libro “El entierro de Cortijo”.

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Nelson Ned, el pequeño gigante de la canción brasileña

 

En Brasil era poco conocido, si bien en la Latinoamérica hispana y en EE UU se consagró como ídolo generacional. Nelson Ned d’Ávila Pinto, conocido en el mundo artístico como Nelson Ned (Minas Gerais, 1947), falleció el pasado 5 de enero en São Paulo, lejos de los oropeles de la fama y en el silencio de la pequeña localidad paulista de Cotia, donde pasó las últimas horas de su vida hospitalizado. El más célebre intérprete brasileño de boleros murió aquejado por una infección pulmonar, pero en realidad su vida comenzó a apagarse lentamente una década antes, tras sufrir en 2003 un accidente vascular cerebral agravado por diagnósticos de diabetes, hipertensión y alzhéimer. Ned había perdido la visión de un ojo y solo podía desplazarse en silla de ruedas.

La anomalía de enanismo que sufría (medía 1,12 metros) nunca fue un obstáculo para que el público latino lo encumbrase como una de las grandes voces de la canción romántica de las décadas de los sesenta y setenta. Espoleado por su éxito en Latinoamérica, el compositor e intérprete se volcó en la grabación de discos y en giras en las que la totalidad de su repertorio era en español. Colombia, México y Argentina se rindieron rápidamente ante su talento artístico. Después vino el público latino de EE UU. Y Ned, del que poco se hablaba en Brasil, comenzó a codearse con nombres como Julio Iglesias o Tony Bennett.

“El pequeño gigante de la canción” llenó tres veces el legendario Carnegie Hall y también se presentó en el Madison Square Garden de Nueva York. La carrera artística de Ned fue inversamente proporcional a su estatura: grabó 32 discos y vendió 45 millones de copias en todo el mundo, de las cuales más de un millón se despacharon en el mercado de EE UU. Esto lo consagró como el primer latinoamericano en alcanzar estas cifras de ventas en el país donde Sinatra o Bennett mantenían su hegemonía.

Nelson Ned comenzó su carrera desde abajo y fue en el programa televisivo del célebre presentador brasileño Chacrinha donde inició una carrera que poco después se revelaría meteórica. El intérprete de Todo pasará dijo años después de sus inicios: “Chacrinha me dio una oportunidad y me dio de comer. Le debo mucho. Fue muy difícil ser cantante de música brega [término usado en Brasil para definir la música romántica de dudoso gusto] y enano en este país”.

El intérprete brasileño recorrió los escenarios de toda Latinoamérica y en sus últimos años en activo se entregó a la música góspel (años antes había abrazado la confesión evangélica). En 1996 publicó su autobiografía El pequeño gigante de la canción, en la que certificó no tener ningún complejo por la estética de sus canciones: “¿Quién no es hortera cuando habla de amor? El amor es hortera, no mi música”.

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Elio Pacheco 50 años de “PURA SALSA”

Elio Pacheco

Elio Ernesto Pacheco, reconocido músico fundador de la Dimensión latina, nació en Caracas el 08 de Abril de 1944. Elio Pacheco proviene de una familia musical, su padre un gran bajista y percusionista, y sobre todo su hermano Kiko Pacheco, fueron los que influyeron en su formación musical. Elio solía hacer las suplencias a Kiko, cuando este formaba parte de agrupaciones como, el Quinteto Vitola, Los Megatones de Lucho, La Orquesta de Pedro.J. Belisario, entre otros.

Elio Pacheco se da conocer en el ambiente musical venezolano, cuando pasa a formar parte de la Orquesta La Dimensión Latina.

dimension original

Su comienzo en la Dimensión Latina fue gracias a su hermano mayor el popular Kiko Pacheco, quien sostenía una gran amistad con Oscar D’león, ellos tenían un quinteto de nombre “Los Junior”, con el cual tocaban en un viejo local llamado “La Sabra”, para ese entonces Oscar no cantaba, solo ejecutaba el bajo. En esta misma época existía también otro local muy conocido llamado Cervecería “La Distinción”, en donde tocaban como orquesta de planta “Los Satélites”, los cuales a raíz de un problema surgido en el mencionado lugar, son despedidos. Con “Los Satélites”, participaban el pianista Jesús “Chuito” Narváez y como primer trombón el gordo Cesar Monge. Lo cierto es que el Sr. Aurelio, dueño de “La Distinción” necesitaba de los servicios de otra orquesta, y es cuando Oscar sin pensarlo mucho, le dice ha este que él tenía la orquesta, y de esta manera comienza a buscar a los que serían los integrantes de está agrupación, naciendo así “La Dimensión Latina”.

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Oscar D’León fue quien invito a Elio Pacheco, para que formara parte de este proyecto Llamado Dimensión Latina.

Elio Pacheco llego a recorrer con esta orquesta muchos países entre los cuales podemos nombrar: Los Estados Unidos, Francia, Italia, España, Panamá, Colombia, México, entre otros. Según comenta el propio Elio Pacheco. “...Muchos se han atribuido ser fundadores de esta gran orquesta, pero los que verdaderamente la ensamblaron y estuvieron con ella en aquellos años dorados fueron: Oscar Emilio León, Cesar Anual Monge, José Antonio Rojas, José Rodríguez, Jesús “Chuito” Narváez y mi persona...Solo seis personas lograron hacer lo que ninguna orquesta venezolana había logrado alcanzar, el éxito internacional...”

collage dimension

En el año 1977, Elio Pacheco se separa de la Dimensión Latina, y al año siguiente inspirado en la legendaria Orquesta Aragón de Cuba, decide formar una charanga y es así como nace “La Magnifica”,con la cual logra grabar dos discos. El primero “Elio Pacheco y La Magnifica”(1977), en donde participan como vocalistas: Freddy Bogado y Luís Rivas, el segundo “Con clase, sabor y algo mas”(1978), con la vocalización de Nal Belmonte. La Magnifica de Elio Pacheco fue la primera charanga hecha en Venezuela.

la magnifica

Primer disco de la Magnifica

LA MAGNIFICA Lp N° 1

Segundo Disco de la Magnifica

Lp N° 2

Luego para el año 1979, Elio Pacheco con el apoyo en los arreglos de Cesar Monge conforma lo que sería“La Orquesta La Mafia Latina”, la cual obtiene un gran exito con el tema “Sabor a Caney”, incluido en la primera grabación de esta orquesta y cuyo cantante fue Fernando “Chino” Suárez.

Lp N° 1Lp N° 2Lp N° 3

 

En el año 1983, Elio Pacheco, vuelve a la Dimensión Latina y graba en el disco titulado “Producto de exportación”. En esta nueva etapa con la Dimensión Latina, Elio realiza varias giras internacionales por: USA, Centroamérica, Suramérica, Europa y las diferentes Islas del Caribe.

Elio Pacheco también se ha destacado como productor musical, trabajando en el año 1993 con la Orquesta Magia Latina en donde participó como vocalista Andy Montañez. En el año 1996 fue el productor de 2 discos de Bebo Moré, hijo del popular Benny Moré. También realizó la producción del disco de Franklin Virguez en 1996.

 

BEBO MOREMAGIA LATINA

En el año 2005, con motivo del 35 aniversario de la Dimensión Latina, varios sus integrantes originales entre ellos Elio Pacheco, decidieron reunirse una vez más y nace la agrupación “Los Generales de la Salsa”, grabando un CD, en donde plasman toda esa gran calidad profesional que les ha merecido el nombre que llevan con gran orgullo “Los Generales de la Salsa”. 
En el año 2006, el maestro Elio Pacheco, nos presenta su más reciente trabajo musical, bajo el nombre de“Elio Pacheco y su Orquesta”, en donde incluye varios temas inéditos y otros temas que fueron éxitos con las orquestas Mafia Latina y Dimensión Latina., todos vocalizados en forma excelente por su nuevo cantante Eudys Borromé “El único indio catire”.

ELIO PACHECO Y SU ORQUESTA

En el 2009 sus 50 años de Vida artística, con quien estuvo acompañado de Rodrigo Mendoza, Wilmer lozano, Marcial Izturis, Socrates, Edgar Dolor Quijada, Wiwi Busnego, Erick Francheski, Angel Flores, Mariana la sonera, Wilmer Cobos, Alexis Martinez, Miguel Araujo, Arturo Guaramato, Edgar Lopez, Cheo Valenzuela, Eudys Borrome, Ronald Montpache, Hector Pacheco, Luis Muñoz, Wladimir Lozano y la Super Orquesta la MAFIA LATINA.

50 Aniversario

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Biografía de La Sonora Matancera

 

 

 

La Sonora Matancera, ha sido el más famoso conjunto de música cubana, nacido en la década del veinte precisamente en la ciudad de Matanzas, entre las calles Jovellanos y Ayuntamiento, quedaba la calle Salamanca N°41, frente a los baños La Americana, en la plazoleta Ojo de Agua.

Como el Decano de los Conjuntos de América ha sido llamada la legendaria agrupación de la Sonora Matancera, fundada en la ciudad de Matanzas (Cuba), en 1924. Desde esa fecha hasta el presente, este grupo ha recorrido el mundo llevando lo mejor de la música de su país y de otras regiones y por sus filas han pasado los mejores vocalistas de Latinoamérica.

Les presentamos una breve reseña del nacimiento de la Sonora Matancera, transcribiendo apartes de la carta que nos dirigió el señor Humberto Cané, hijo del fundador de la agrupación y la complementa una investigación realizada por el señor Carlos Deiby Velásquez.

Hay que tener en cuenta, como dice Humberto Cané, que la verdad no es absoluta ni pertenece a nadie en particular. Por ello agradecemos cualquier observación que tengan respecto a la presente investigación, pues siempre tendremos un espacio para corregir cualquier eventualidad.

APARTES DEL ESCRITO DE HUMBERTO CANÉ

Mi nombre es Humberto Cané, músico de profesión y nací el 22 de enero de 1918. Mi padre fue el señor Valentín Cané, fundador y director de la Sonora Matancera hasta su muerte en 1956.

La Sonora Matancera se hizo en mi casa y se formó cuando yo tenía seis años (1924), en la calle de Salamanca, de la ciudad de Matanzas. Sus primeros músicos fueron: Domingo Medina y Julio Govin -guitarristas-, Pablo "Bubú" Vázquez -contrabajista-, "El Jimagua" (nunca pude saber su nombre) -timbalero-, Ismael Goberna -trompetista y cornetín-, Carlos Manuel Alonso "Caíto" -maracas-, Rogelio Martínez -claves y cantante- y Valentín Cané -director y tresero-.

Primeramente mi padre la bautizó con el nombre de Tuna Liberal, porque se dedicaba a amenizar las fiestas políticas del Partido Liberal y después le cambió el nombre a Estudiantina Matancera. Ya organizado mi padre sacó unas tarjetas de presentación donde decía "Estudiantina Matancera... Director Valentín Cané", lo que no le gustó a los integrantes pues también exigían sus créditos, a lo que mi padre les contestó: -Bueno muchachos, este grupo es mío y por lo tanto ya que ustedes no están de acuerdo, los despido y así ustedes pueden hacer su grupo...

Tiempo más tarde se enteraron que mi padre estaba formando otro grupo y fueron a pedirle disculpas, y como en esos tiempos no había muchos músicos donde escoger, los aceptó de nuevo, incluyendo además otros integrantes: Ismael Goberna -trompeta-, Juan Bautista Llopiz -guitarra-, Pablo Vázquez -contrabajo-, José Rosario Chávez -timbalitos-, Rogelio Martínez -cantante y claves-, Carlos Manuel Alonso "Caíto" -maracas- y por supuesto mi padre Valentín Cané -tresero-.

Desde este momento le cambió el nombre al grupo por el de Sonora Matancera.

MOMENTOS CUMBRES DE LA SONORA MATANCERA

Se cumplieron en 1994, setenta años de existencia de la Sonora Matancera, "El decano de los conjuntos cubanos". Por ello y ante la falta de un ensayo serio sobre esta agrupación, el cual sirva de guía a sus muchos admiradores, consideramos de importancia hacer este recuento cronológico del conjunto.

La Sonora Matancera es el producto de varios factores: Sensibilidad artística, tradición, longevidad e innovación musical. Su permanencia a través de los años se debe a la constante difusión de los diversos ritmos cubanos y a la gran cantidad de músicos y cantantes que la han conformado en 70 años de labores ininterrumpidas.

La sonoridad inimitable del conjunto individualizó a sus integrantes: la voz de Caíto, las trompetas de Pedro Knight y Calixto Leicea, el timbalito de "Manteca", el piano de Lino Frías y los cantantes que lo han acompañado, todos de primera línea en la música tropical de América, entre los que se encuentran Celia Cruz, Bienvenido Granda, Celio González, Nelson Pinedo y Willy Rodríguez. Al igual que los importantes solistas que con él cantaron: Daniel Santos, Toña La Negra, Miguelito Valdés, Vicentico Valdés, Víctor Piñeros, Alberto Beltrán y Leo Marini. Su universalidad para interpretar la música cubana va desde el guaguancó hasta la guaracha swing, el be bop, la canción jíbara, el merecumbé y la cumbia.

Entre sus muchas contribuciones a la música popular cubana están las siguientes incorporaciones:


En un sexteto: Bongó con baquetas y trompeta, la cual fue utilizada alternándola entre el coro e inspirador.
Fusión del bandoneón con el modelo del conjunto tímido cubano, creando así una modalidad bastante original de interpretar una música sincopada como lo es la cubana.
El tambor batá dentro del modelo del conjunto, el cual sólo se usaba para las fiestas religiosas de los yorubas (Yemayá).
El órgano Hammond para mezclarlo con el piano.


La Sonora Matancera es un ejemplo de organización y superación en la música popular. Cantar, más que un oficio, es una virtud, un don, un misterioso don de algunos seres humanos que no todos poseemos. Nadie aprende a cantar en un conservatorio, aunque el conservatorio contribuye a aumentar las posibilidades técnicas de aquellos que nacieron para el canto. Y en el caso particular de la Sonora Matancera es un don recibido por las grandes musas de lo popular existentes en Cuba, país que ha dado a estos extraordinarios músicos que llevan consigo la experiencia y la exquisitez.

La Sonora Matancera es el más popular de los conjuntos musicales de América, que ha fructificado durante 70 años de labor artística, dando como resultado la creación de un estilo propio en la interpretación de la música popular cubana (guaracha, mambo, son, guajira, etc.). Todos los arreglos musicales de la Matancera son realizados para el estilo individual de cada cantante. El contrapunto de los trompetistas (Leicea y Knight), los melódicos solos del pianista Lino Frías y las partes de percusión, han dado como resultado la extraordinaria combinación del cantante y el conjunto.

Cabe preguntarse: Si en La Habana había agrupaciones mucho más completas que la Sonora Matancera, ¿por qué, entonces, fue la preferida de los artistas que visitaron a La Habana en la década del cincuenta? La respuesta se la dio Calixto Leicea al musicólogo cubano Cristóbal Díaz Ayala, en entrevista concedida en Cali en julio 26/86: "Nosotros nunca tuvimos problema con ningún cantante, nunca tratábamos de imponerles nuestro estilo, sino al contrario, nos adaptábamos al cantante". Y es que como lo dijo Javier Vásquez, en entrevista concedida en la misma fecha al musicólogo Díaz Ayala: "Para tocar en la Sonora no basta ser buen músico, hay que tener otras cosas, hay que ser persona".

La cronología de sus momentos cumbres puede resumirse así:

DECADA DEL VEINTE: "NO TE EQUIVOQUES"

En esta década los cubanos tenían sus ídolos y bailaban al compás de los famosos danzones de Miguel Faílde. "El bombín de Barreto" y "Rompiendo la rutina", los temas de moda en las versiones de la orquesta de Félix González. Los Sextetos Habanero y Boloña imponían el ritmo. Surge entonces la Sonora, la cual entra a competir con los grandes del son en los años 20.

1924 Enero 12. Ciudad de Matanzas. Barrio Ojo de Agua. Calle Salamanca No. 41, entre Jovellanos y Ayuntamiento. Allí un grupo de muchachos ambiciosos, comandados por Valentín Cané, da origen a un conjunto de cuerdas al que se denomina TUNA LIBERAL. Es el momento del gran auge del son y para cantarlo se requería de cuatro guitarras. Los músicos fundadores son Valentín Cané (tres), Pablo "Bubú" Vásquez (contrabajo), Eugenio Pérez (cantante), Manuel Sánchez "Jimagua" (timbalito), Ismael Goberna (trompeta) y los guitarristas Domingo Medina, José Manuel Valera, Julio Gobín y Juan Bautista Llopis.

1926 Se retiran Juan Bautista Llopis, Julio Gobín, Eugenio Pérez y Domingo Medina. Por esta época adoptan el nombre de Sexteto Soprano, en el cual alternan sus inspiraciones Eugenio Pérez y el nuevo cantante Carlos Manuel Díaz Alonso "Caíto". Es la época de los éxitos de María Teresa Vera, Trío Matamoros y los Sextetos Matancera y Agabama.

1927 Por recomendación de Caíto llega Rogelio Martínez a la agrupación. En este año vuelve a cambiársele el nombre al conjunto por el de Estudiantina Sonora Matancera.

Ha llegado el momento de recorrer nuevos caminos. En este año llegan, por fin a La Habana, capital y centro cultural cubano.

Hacen sus primeras grabaciones para la Víctor: "Fuera, fuera, chino"; "El por qué de tus ojos", "Cotorrita Real", "No te equivoques" y otros. Los sitios de moda en La Habana de esa época son El Patio, El Moka, Teatro Alhambra y la estación de radio "El progreso Cubano".

DECADA DEL TREINTA: "DE RAMA EN RAMA"

En esta década la Matancera se preocupa por adaptarse, en su medida, a los progresos musicales de la época. Como innovación introducen el piano de cola, interpretado por Pérez Prado, quien años más tarde sería gran orquestador, pianista, arreglista e innovador del mambo.

1935 Abril. Inicia su larga carrera como trompetista del grupo Calixto Leicea, en reemplazo de Ismael Goberna, quien enfermo, se ve obligado a regresar a Matanzas, donde posteriormente muere. A partir de este año comienza a denominarse Conjunto Sonora Matanza y actúa en las academias de baile "Marte y Belona" y "Habana Sports".

Manuel Sánchez "Jimagua" se retira del conjunto. Ingresa José Rosario Chávez "Manteca". Las orquestas de los Hermanos Castro, Lebatard y Palau preparan el camino para introducir el piano de cola. Algunos conjuntos, como la Sonora, adicionan este instrumento para posibilitar muchas más sonoridades.

24 de junio. Ocurre un hecho crucial en la música popular de América Latina: muere en Medellín Carlos Gardel. Sobre él, Rogelio Martínez nos dijo en entrevista que le hicimos en la ciudad de Bogotá en octubre 18/88: "Yo soy hincha fiel de Carlos Gardel. Y cuando me enteré de su fallecimiento lloré. Y aunque no tuve el gusto de conocerlo personalmente, lo admiro mucho y creo en él, por la calidad de todo lo que cantó, lo cual es inmejorable. Por eso, debido a su calidad, el público de toda América todavía lo recuerda".

1937 Ingresan el cantante Humberto Cané, quien se retira al año siguiente, e Israel del pino (cantante) y el pianista Dámaso Pérez, quienes se retiran en 1938.

1938 Se retiran Humberto Cané, Israel del Pino y Pérez Prado. Este último es reemplazado por el pianista Severino Ramos, quien permanece hasta 1957. En este año el cantante Israel del Pino, quien también interpreta el saxofón, interviene en la única grabación de la Sonora con saxo: "La raspa".

DECADA DEL CUARENTA: "QUE JELENGUE"

Durante esta década la Sonora se las ingenia, para salir adelante, con ritmos como la guaracha, el montuno, los cuales les dieron fama en Cuba.

1940 Ingresa "El bigote que canta", Bienvenido Granda, el cual permanece hasta 1954. Su picardía caribeña y su voz nasal lo hicieron la voz insignia de la Sonora. Conformó el trío de voces inolvidables de la agrupación con Rogelio y Caíto.

1944 Llegan dos músicos procedentes del Conjunto de Arsenio Rodríguez: El pianista Lino Frías, quien permanece hasta 1977 y el trompetista Pedro Knight, quien se retira en 1966. La cohesión de estos dos virtuosos le dan fluidez a la estructura sonora de la agrupación. En este mismo año firman contrato con la empresa de discos Panart y graban los temas "La Ola Marina", "Pugilato", "Qué Jelengue" y otros.

1946 Realiza actuaciones y grabaciones, como músico de planta, el conguero Tata Güines.

1947 Actúa y realiza grabaciones con el cantante Miguel de Gonzalo.

1948 Hace su debut en la Sonora el conguero Angel Alfonso Furias "Yiyo", quien permanece hasta 1980. Este contribuye a consolidar la percusión del conjunto con el timbalero José Rosario Chávez "Manteca". Ambos, con su estilo habanero, logran dejar una huella imborrable en los géneros afrocubanos, entre los cuales se destaca la "Danza del cocoye", en ritmo de conga callejera.

Comienza a realizar grabaciones como solista Daniel Santos, quien permanece hasta 1954.

1949 Se retira Valentín Cané. Ingresa Myrta Silva, quien permanece hasta 1951. Actúa como invitado el bandoneonista Joaquín Mora, quien realiza boleros acompañando, con la Sonora, a Daniel Santos y Bienvenido Granda. En este año la Asociación de Prensa Radial Impresa de Cuba (ACRI) selecciona como el más popular de los conjuntos cubanos a la Sonora Matancera.

DECADA DEL CINCUENTA: "BURUNDANGA"

La fama de la Sonora Matancera en todo el continente americano viene de esta década, gracias a la difusión que del conjunto hizo el sello Seeco. Con el patrocinio publicitario de este sello disquero, la Sonora realizó frecuentes grabaciones y giras a través de Latinoamérica y se convierte en el conjunto cubano que más se adapta a la sonoridad de estos países.

Esta es quizá la mejor década de la Matancera, ya que por esta época empiezan a desfilar por el conjunto las más extraordinarias estrellas del canto popular caribeño, como Vicentico Valdés, Celia Cruz, Nelson Pinedo, Daniel Santos y otros que le dieron fama a la agrupación y a su vez, en sentido recíproco, la Sonora a sus cantantes.

Durante esta época la mayoría de los cantantes más conocidos de Cuba y América trabajan con este conjunto. Su fama la había ganado no solo por su calidad como agrupación para bailar sino por su organización musical a cuyo respaldo aspiraba todo intérprete de los ritmos caribeños.

A diferencia de muchas agrupaciones de la isla, la Sonora ha elaborado su estilo de las raíces de la música cubana, el cual se nota en su forma de tocar, en el fraseo y en el sentido rítmico de sus cantantes.

1950 Ingresa como cantante Celia Cruz, quien permanece hasta 1965.

1951 Se retira Myrta Silva. Llega Leo Marini, quien vuelve a estar con la agrupación en los años 1954, 1958 y 1970.

Llega realizar grabaciones como solista Miguelito Valdés. Vuelve a estar en 1977.

1952 Realiza grabaciones como solista Bobby Capó. Actúa como invitado y realiza grabaciones con su órgano el panameño Avelino Muñoz.

Ingresa como trompetista Alfredo "Chocolate" Armenteros. Reemplaza a Calixto Leicea por quebrantos de salud y graba los temas "Hoy se más" y "Rico guaguancó". Realiza grabaciones la cantante haitiana Marta Jean Claude. Actúan y realizan grabaciones Gloria Díaz y Raúl del Castillo.

Del 25 de enero de este año es la carta enviada al investigador barranquillero Enrique Chinchilla Gómez por Rogelio Martínez cuyo texto es el siguiente: "Sobre la aclaración del bolero "A la orilla del mar", le diré que el autor es el señor José Berroa, cubano y el del "Ba Bae" su servidor".

1953 Realiza sus primeras grabaciones con la Sonora el solista Vicentico Valdés. Hacen grabaciones y actúan las Hermanas Lago (Esperanza, Cristina y Graciela): "Tu corazón es para mí" y "Mambo para las niña bonitas".

1954 Se retiran Bienvenido Granda y Daniel Santos. Vuelve Leo Marini. Realizan grabaciones y actúan Tony Alvarez y Olga Chorens.

Orlando Vallejo permanece seis meses. Ingresan Alberto Beltrán, quien estará hasta 1955 y Nelson Pinedo, quien permanece hasta 1958.

Llega a la agrupación Rodolfo Hoyos, para actuar y realizar grabaciones. Manuel Leicea "Puntillita" realiza la grabación de "El gallo, la gallina y el caballo" (de José Carbó Menéndez). Ingresa el cantante Laíto (Estanislao Sureda), quien permanece hasta 1956.

1955 Febrero. Primera visita a Colombia. Así nos la narró el director Rogelio Martínez: "Entramos el 11 de febrero de 1955 por la costa atlántica. Después estuvimos en Medellín y de ahí a Bogotá". La primera presentación en Medellín fue el 20 de febrero del 1955, en el Teatro Junín y compartieron el escenario con el siguiente elenco: Imperio Argentina con sus canciones, danzas y poesías; el poeta y recitador Angel Pericel; el concertista de guitarra Esteban de San Lucar. La Sonora actuó con sus cantantes Laíto, Celia Cruz y Alberto Beltrán. Además Luis Rovira y su orquesta, Montecristo y el tenor mejicano Mario Alberto Rodríguez.

Se retira Alberto Beltrán. Ingresa Carlos Argentino, quien está hasta 1958. Realiza grabaciones Carmen Delia Dipiní e ingresa Celio González, quien permanece hasta 1964.

1956 Se retira Laíto.

1957 Se retiran Severino Ramos y Pablo "Bubú" Vásquez. Ingresa Elpidio Vásquez, en reemplazo de "Bubú".

Ingresa Simón Domingo Esquijarrosa "Minino", en reemplazo de José Rosario Chávez, que había fallecido. "Minino" está hasta 1960. Realiza grabaciones y actuaciones el cantante puertorriqueño Johnny López.

1958 Se retira Carlos Argentino. Regresa Leo Marini a grabar su segundo álbum de "Reminiscencias". Actúa y realiza grabaciones Caridad Cuervo. Se retira Nelson Pinedo. Ingresa Rey Caney. Actúa y realiza grabaciones el cantante uruguayo Chito Galindo. Hace grabaciones como solista Vicentico Valdés. Actúa y graba el venezolano Víctor Piñeiro.

DECADA DEL SESENTA: "ESTOY LOCO"

Como ya se dijo, la Sonora se adaptaría a todos los ritmos antillanos y por ende trabajarían las diversas formas de poner a gozar al pueblo.

La Sonora se introduce en el apasionante ritmo sincopado del mambo, dándole a sus metales la sonoridad ritmática en su instrumentación y unificándolo con otros grandes ritmos de la música cubana al combinarlo con la guaracha, el son y el bolero. Los mismo harían con el chachachá, el guasón, el mozambique, el pilón y la pachanga. Posteriormente el twist y el boogaloo.

1960 Julio 15. Emigran de Cuba en compañía de sus cantantes Celia Cruz y Celio González. El timbalero Simón Domingo Esquijarrosa "Minino" se retira, al regresarse a Cuba desde Méjico. Es reemplazado por Mario Muñoz "Papaíto".

La Sonora fue el único grupo musical cubano que salió completo para el exilio. Esto da una idea de la cohesión del grupo, puesto que es evidente que no es fácil poner de acuerdo a tanta gente.

1962 Ingresa el cantante Willy "El Baby" Rodríguez, quien está hasta 1966.

1964 Se retira Celio González.

Actúan y realizan grabaciones los cantantes Emilio Domínguez (mexicano) y Alberto Pérez Sierra.

1965 Se retira Celia Cruz.

La Seeco lanza un elepé titulado "Sonora Matancera en Mejicano". Esta producción recoge los instrumentales "Sólo tú", "Compay Lobo", "Cuban Pete" y "Descarga Sonora", en los cuales se puede apreciar la evolución rítmica e instrumental de la música de la agrupación.

1966 Se retiran Willy Rodríguez y Pedro Knight.

1967 En reemplazo de Pedro Knight ingresa el trompetista Ramón Emilio Aracena "Chiripa".

Ingresa Máximo Barrientos, quien permanece hasta 1969.

Ingresa Justo Betancur, quien está hasta 1971. Ingresa el cantante Tony Díaz, quien permanece hasta 1970. Ingresa Linda Leyda, la cual se retira en 1968. Ingresa Eliot Romero, quien está hasta 1971. Este graba el último tema que realizaría la Sonora para el sello Seeco.

1968 Llega la cantante Kary Infante, la cual está hasta 1970. Ingresa la cantante colombiana Gladys Julio, quien permanece hasta 1969. Se retira Linda Leyda.

1969 Se retiran Máximo Barrientos y Gladys Julio.

DECADA DEL SETENTA: "MANI TOSTAO"

"De Matanzas me han mandado un recado"; así dice en su letra Barbarito Díez, de Matanzas son los muñequitos de Matanzas, Celina González, Miguel Faílde, Aniceto Díaz, Sexteto Matancero, Pérez Prado, Justo Betancur, Arsenio Rodríguez y por supuesto la Sonora Matancera.

1970 La Sonora Matancera en su sello propio MRVA grabó los elepés "Dama rebelde, "Continuación Reminiscencias Leo Marini".

Se retira Tony Díaz y Kary Infante.

Estuvo como cantante de la Sonora Camilo Rodríguez "Azuquita". Vuelve Leo Marini.

1971 Se retira Justo Betancur. Ingresa Yayo "El indio", y también ingresa como corista Roberto Torres, quien estuvo hasta 1973.

1972 Vuelve Carlos Argentino para grabar su elepé. "Lo mejor de Carlos A. Torres".

1973 Llega Welfo Gutiérrez, quien permanece hasta 1976. Se retira Roberto Torres.

1974 Se retira Ramón Emilio Aracena "Chiripa", en su reemplazo ingresa el trompetista Horacio Dorbal, quien permanece hasta 1976.

1975 Llega el trompetista Ray Feliciano, quien está hasta 1977. Ingresa el trompetista Saúl Torres, quien permanece hasta 1976. Realiza grabaciones como invitada Toña la Negra.

1976 Se retira Horacio Dorbal y Welfo Gutiérrez. Además se retira el trompetista Saúl Torres.

1977 Regresa el trompetista Alfredo "Chocolate" Armenteros y está hasta 1980. Hace grabaciones Miguelito Valdés. Se retira Ray Feliciano. Se retira como trompetista Calixto Leicea. Continúa como miembro del Conjunto, pero sin grabar. Llega el cantante Jorge Maldonado, quien está hasta 1981. Ingresa el pianista Javier Vásquez, el cual permanece hasta 1989.

DECADA DEL LOS OCHENTA: "FIESTA"

Esta década es quizás la menos brillante del Caribe, pero la más comercial en el mundo latino. La Sonora cambia su estilo, perdiendo originalidad. Comienza a envolverse en la salsa, a raíz de la incorporación de músicos de Nueva York. El piano y el bajo pasan a ser electrónicos. El coro apenas se reconoce.

1980 Se retira "Chocolate" Armenteros. Se retira Angel Alfonso Furias "Yiyo". Llega el cantante Tony Maldonado, quien está hasta 1981. Ingresa el trompetista Héctor "El bomberito" Zarzuela, quien permanece hasta 1986.

1981 Vuelve a grabar un elepé Justo Betancur. Durante este año hace parte como trompetista Pedro Bulong. Actúan como invitados el tresista Mario Hernández y el percusionista Daniel José. Se retiran Jorge Maldonado y Tony Maldonado. Ingresa el conguero Alberto Valdés, quien se retira en 1989. Realiza actuaciones especiales Elpidio Vásquez Jr.

1982 Ingresa el cantante Cali Alemán, quien está hasta 1985. Como invitado, hasta 1983, actúa el conguero Julián Cabrera.

Vuelve para grabar un elepé Celia Cruz.

1983 Actúa como invitado Johnny Pacheco. Realiza actuaciones especiales Elpidio Vásquez Jr.

1984 Hace grabaciones como solista Ismael Miranda.

1985 Se retira Cali Alemán.

1986 Se retira Héctor "El bomberito" Zarzuela. Ingresa el trompetista norteamericano Ken Fradley.

1989 1º de junio. Gilda Mirós, directora del programa Radio Hit, realiza el encuentro musical para conmemorar los 65 años de la Sonora Matancera, con actuaciones en el Carnegie Hall y el Parque Central de Nueva York.

Se retira el conguero Alberto Valdés y el pianista Javier Vásquez.

DECADA DEL NOVENTA: "CADA DÍA TE QUIERO MÁS"

Si bien es cierto que han desaparecido muchos de los integrantes que conformaron la Sonora, también es cierto que aún sobreviven algunos de sus primeros integrantes como Rogelio Martínez y Calixto Leicea, quienes siguen trabajando con el mismo entusiasmo y sabor de hace años, ya que son unos campeones en eso de aguantar la edad.

1991 Ingresa el cantante Fernando Lavoy, quien permanece hasta 1992 y el pianista José Luis Cruz.

1992 Fallece el cantante Fernando Lavoy.

1993 Regresa a hacer coros el cantante Willy Rodríguez.

1994 Enero 12. Se conmemora en toda América los 70 años de existencia del grupo. Sobre ella bien dijo Bobby Capó: "La Sonora Matancera representa para los latinoamericanos una tradición. Se conoce donde quiera. Dejaron de ser cubanos para convertirse en figuras mundiales".

CANTANTES INSIGNES
(Septiembre 9 de 2003) Por Óscar Alzate

La Sonora Matancera fue y será uno de los conjuntos de más prestigio en Latinoamérica. He aquí una mínima reseña de sus cantantes de mayor prestigio:

Alberto Beltrán: El Negrito del Batey nació en La Romana, República Dominicana el 5 de mayo de 1923 y falleció el 2 de febrero de 1997 en Miami. Su llegada a la sonora ocurrió en 1954 y en 1955 graba boleros como "Todo me gusta de ti", "Aunque me cueste la vida", "Te miro a ti", "Mil cosas" e "Ignoro tu existencia".

Bienvenido Granda: (Bienvenido Rosendo Granda Aguilera) Cantante de planta desde 1944 hasta 1954. Nació en La Habana, el 30 de agosto de 1915 y murió el 9 de julio de 1983 en México. De su repertorio con la Sonora Matancera se destacan "Pugilato", "Babarana", "Río guaguancó", "Morena", "En la orilla del mar", "La ola marina" y otros más.

Bobby Capó: (Félix Manuel Rodríguez Capó). Nació en Puerto Rico el 1º de enero de 1922. Murió el 18 de diciembre de 1989 en Nueva York. Catalogado como uno de los grandes compositores de Puerto Rico y su participación en la sonora fue entre 1952 y 1954. Impuso temas como "Piel canela", "Así son los quereres" y "El dengue".

Carlos Argentino Torres: (El rey de la pachanga) Nació el 23 de junio de 1929 en Buenos Aires, Argentina y falleció en la misma ciudad el 30 de junio de 1991. Ingresó a la sonora en 1955 y cosechó éxitos como "Tu rica boca", "Perdóname vida", "En el mar", "Apambichao", "El cachumbembe", "Ay cosita linda" y "Vámonos pal campo".

Carlos Manuel Díaz Alonso Caíto: Nació en Matanzas, Cuba el 8 de noviembre de 1905 y murió en Nueva York el 27 de septiembre de 1990. Ingresó a la Matancera en 1937 e interpretó "Corte de tubo", "De rama en rama" y "Papá Lázaro".

Carmen Delia Dipini: (Carmen Delia Depini Piñero) Nació en Naguabo, Puerto Rico, el 18 de noviembre de 1927 y falleció el 4 de agosto de 1998 en Bayamón, Puerto Rico. Ingresó a la sonora en 1949 y grabó éxitos como "Regálame un minuto", "Delirio", "Para que la oigas", "Delirio de amor" y "Besos de fuego".

Celia Cruz: (Celia Caridad Cruz Alfonso) La guarachera de Cuba. Nació el 21 de octubre de 1925 en el barrio Santo Suárez de La Habana y falleció en 16 de julio de 2003 en New Jersey. Estuvo con la Sonora Matancera desde 1950 hasta1959, cuando se inició la revolución en la isla. Viaja a México y allí se encuentra de nuevo con la sonora hasta 1965, época en la que empieza a cantar con otras orquestas de New York como la de Tito Puente, la de Johnny Pacheco y otras. Sus temas más sobresalientes con la sonora fueron "Pinar del río", "El yerbero moderno", "Burundanga", "Caco, cao, maní picao", "El bajío", "Crocante habanero", "Tu voz", "Dile que por mí no tema", "Tuya, más que tuya", y muchos más, que inmortalizaron esa época gloriosa con la Matancera.

Daniel Santos: (Daniel Santos Betancur) El inquieto anacobero nació el 6 de junio de 1916 en San Juan de Puerto Rico y falleció el 27 de diciembre de 1992 en Ocala, Estados Unidos. Ingresó a la sonora en 1948 y permaneció hasta 1953. Dejó una huella muy importante en este conjunto gracias a temas como "El tibiritabara", "Bigote gato", "La rumba tiene valor", "Vuelve muñequita", "Oye negra", "El sofá", "El corneta", "El mambo es universal" y muchos más.

Estanislao Sureda "Laíto": Nació en Cienfuegos, Cuba el 14 de mayo de 1914 y murió en octubre de 1999. Ingresó a la sonora en 1954 y grabó temas como "Cañonazo", "En el bajío", "Nocturnando", "Mi redención" y "Yambú pa gozar".

Leo Marini: (Alberto Batet Vitali) Nació el 23 de agosto de 1920 en Mendoza, Argentina y falleció el 15 de octubre de 2000, en Buenos Aires. Su primera etapa con la sonora fue desde en 1952 hasta 1972. Su primer tema lo grabó con le sello Seeco y fue "Luna yumurina". Le siguieron otros importantes como "Tomando té", "Maringá", "En la palma de la mano", "Tristeza marina" y otros. Su última presentación con la Sonora Matancera la realizó en 1982, en su 65 aniversario.

Miguelito Valdés: (Miguel Ángel Eugenio Lázaro Zacarías) Míster Babalú nació el 6 de septiembre de 1912 en el barrio Belén de La Habana y murió en Bogotá el 9 de noviembre de 1978. Se integró a la onora en 1953 y popularizó temas como "Se formó el rumbón", "Arroz con manteca", "El extraño" y "A pasarse un pollo".

Myrta Silva: (Myrta Blanca Silva Oliveras) La Gordita de Oro nació en Arecibo, Puerto Rico, el 11 de septiembre de 1923 y murió en San Juan de Puerto Rico el 2 de diciembre de 1987. Ingresó a la sonora en 1949 y grabó éxitos como "Qué corto es el amor", "Loca" y "Sandongo".

Rogelio Marínez Díaz: Director y guitarrista, nació en Matanzas el 7 de septiembre de 1905 y falleció el 15 de mayo de 2001.

Vicentico Valdés: (Vicente Valdés Valdés) Nació el 10 de enero de 1921 en La Habana y murió el 25 de junio de 1995 en Nueva York. Se inició con la sonora en 1953 donde realizó sus primeras grabaciones con los temas "Yo no soy guapo", "Lindo omelenkó", "Decídete amor" y "Una aventura". Tuvo un receso por sus viajes y en 1958 terminó de grabar los temas que lo harían famoso, "Los aretes de la luna", "Envidia" y "La añoro".

Víctor Piñeros Borges: El negro nació en Venezuela en 1925 y murió en Caracas el 5 de enero de 1975. Ingresó a la sonora en 1958 con éxitos como "Río Manzanares", "No quiero nada con su mujer", "Puente sobre el lago" y "Máquino landera".

CANTANTES, FUNDADORES, INTEGRANTES E INVITADOS

Alemán García, Carlos "Cali" (cantante) - Nicaragua.
Alvarez, Tony (cantante) - Cuba.
Aracena, Emilio "Chiripa" (trompeta) - República Dominicana.
Armenteros, Alfredo "Chocolate" (trompeta), nació el 4 abril de 1928 - Santa Clara, Las Villas.
Barrientos Toro, Maximiliano - (cantante) Puerto Rico, década del 70 - Fallecido.
Bautista Llopis, Juan - Matanzas (guitarra) - Fallecido.
Beltrán, Alberto "El negrito del batey", (cantante), mayo 5 de 1923, Ciudad la Romana - República Dominicana.
Betancur, Justo "El mulato", (cantante), diciembre 6 de 1940, Matanzas.
Bulong, Pedro "Puchy", (trompeta), Puerto Rico.
Cabrera, Julián, Cuba (conga).
Cané, Humberto, (cantante), enero 22 de 1918, Matanzas.
Cané, Valentín - Matanzas (fundador y director. Tres) falleció en 1956.
Capó, Bobby (Rodríguez Capó, Félix Manuel), (cantante), nació en enero 1º de 1921 en Coamo, Puerto Rico, y murió en diciembre 18 de 1989 en Nueva York.
Chávez, José Rosario "Manteca", (timbalitos), Cuba, falleció en 1957.
Chorens de Alvarez, Olga (cantante) - Cuba.
Claude, Martha Jean, (cantante) Jamaica.
Cuervo, Caridad, (cantante), abril 1 de 1946, Cuba.
Cruz Alfonso, Celia "La guarachera de Cuba" (cantante), octubre 21 de 1917, Santo Suárez, Cuba.
Cruz, José Luis (pianista).
De Gonzalo, Miguel (cantante) - Falleció en noviembre 13 de 1975 en Cuba.
Del Castillo Raúl (cantante), Cuba.
Delpino, Israel (cantante) Cuba.
Díaz Alonso, Carlos Manuel "Caíto" (fundador, cantante y maracas), diciembre 5 de 1905, Matanzas, Cuba, murió el 27 de septiembre de 1990 en Nueva York.
Díaz, Gloria (cantante) Cuba.
Díaz, Tony (cantante) Cuba.
Dipiní Piñero, Carmen Delia (cantante), noviembre 18 de 1927 Naguabo, Puerto Rico.
Domínguez, Emilio "El jarocho" (cantante), Méjico.
Dorval, Horacio (trompeta), Puerto Rico.
Esquijarrosa, Domingo Simón "Minino" (timbalito) Cuba, fallecido en La Habana en 1993.
Fradley, Ken (U. S. A.) (trompeta).
Frías, Miguel Ezequiel "Lino Frías" (piano) - Cuba - falleció en junio de 1983 en Nueva York.
Furias, Alfonso Angel "Yiyo" (conga) Cuba, junio 15 de 1986 Nueva York, fallecido.
Galíndez, Polito (cantante) - Cuba.
Galindo, Chito (cantante) Uruguayo.
Goberna, Ismael (corneta) Matanzas, falleció en 1935.
González Ascencio, Celio (cantante) enero 29 de 1924 - Camajuaní - Cuba.
Govín, Julio - Matanzas (cantante y maracas) fallecido.
Granda Aguilera, Rosendo Bienvenido "El bigote que canta" (cantante). Nació en agosto 30 de 1915 y murió en La Habana en julio 9 de 1983.
Gutiérrez, Welfo (cantante) Santiago de las Vegas, septiembre 23 de 1942.
Hernández, Mario (tres), Puerto Rico.
Hierrezuelo La O, Reinaldo "Rey Caney" (cantante), diciembre 30 de 1926, Santiago de Cuba.
Hoyos, Rodolfo (cantante) Cuba.
Infante Castellanos, Kary (cantante). Nació en Cuba, diciembre 3.
José Daniel (güiro - tambora).
Julio, Gladys (cantante) Colombia.
Knigth - Pedro (trompeta) Cuba.
Lago, Cristina (cantante) Cuba.
Lago, Graciela (cantante) Cuba.
Lago, Lucía (cantante) Cuba.
Lavoy, Fernando, mayo 6 de 1950, Cuba - Falleció en Nueva York en 1992.
Leicea, Calixto (trompeta) junio de 1909.
Leida Álvarez, Linda (cantante) Cuba. Falleció en Nueva York en junio de 1986.
Licea, Manuel "Puntillita" (cantante) Cuba, enero 4 de 1927.
López, Johnny (cantante), nació en Mayagüez (Puerto Rico) y murió en marzo 14 de 1963 en Nueva York.
Maldonado Fuentes, Jorge (cantante), nació en septiembre 24 de 1950 Riopiedras, Puerto Rico.
Maldonado Fuentes, Tony (cantante) Puerto Rico.
Marini, Leo (Alberto Batet Vitale), (cantante), nació el 23 de agosto 23 de 1920 - Medoza, Argentina.
Martínez Díaz, Rogelio (cantante y guitarra) septiembre 7 de 1907 Matanzas, Cuba.
Medina, Domingo (guitarra) Matanzas.
Miranda, Ismael (cantante), Aguada (Puerto Rico) febrero 20 de 1950.
Montero, Medardo (grabador) murió en La Habana el 3 de agosto de 1995.
Mora, Joaquín Mauricio (Bandoneón), nació en Argentina, septiembre 22 de 1907 y falleció en agosto 2 de 1979 en Panamá.
Miranda Ismael (cantante) nació en febrero de 1950 en Aguada, Puerto Rico.
Muñoz, Avelino - Panamá, diciembre 20 de 1920 (órgano) falleció en Puerto Rico en enero 24 de 1962.
Muñoz Salazar, Mario "Papaíto" (timbalitos), nació en Buenavista, Cuba, en noviembre 3 de 1925.
Pacheco, Johnny (flauta), nació en marzo 25 de 1935 en República Dominicana.
Peguero Vegas, Gabriel Eladio "Yayo El Indio" (cantante), nació en marzo 18 de 1920 en Puerto Rico.
Pérez Sierra, Alberto (cantante), Cuba - Falleció en diciembre 27 de 1989 en Nueva York.
Pérez Prado, Dámaso (piano), nació en Matanzas el 11 de diciembre de 1916 y falleció en septiembre 14 de 1989 en Méjico.
Pinedo, Nelson (Napoleón Nelson Pinedo Fadullo), (cantante), Barranquilla, Colombia febrero 10 de 1928.
Piñero Borges, Víctor (cantante) nació en 1925 en Venezuela y falleció en enero 5 de 1975 en Venezuela.
Planas Hernández, Enrique Raúl (cantante) nació el 18 de agosto de 1924 en Las Villas, Cuba.
Ramos, Severino "Refresquito" (piano y arreglista), nació en Matanzas en 1903 y falleció en La Habana en 1969.
Rodríguez, Felipe (cantante) Caguas, Puerto Rico, mayo 8 de 1926.
Rodríguez, Willie (cantante) Cuba.
Romero Elliot - Puerto Rico (cantante) falleció en 1990.
Santos Betancur, Daniel Doroteo, (cantante), nació el 6 junio de 1916, Trastalleres, Puerto Rico y murió el 27 de noviembre de 1992 en Ocala, Florida.
Silva Oliveros, Mirta Blanca "Myrta Silva" (cantante) nació en septiembre 11 de 1923 en Arecibo Puerto Rico y murió el 2 de diciembre de 1987 en Nueva York.
Sureda Hernández, Estanislao "Laíto" (cantante), mayo 7 de 1914 Cienfuegos.
Toña la Negra (María Antonia del Carmen Peregrino Alvarez), (cantante), nació en octubre 17 de 1912 en Veracruz, Méjico, y murió en noviembre 19 de 1982.
Torres, Roberto (cantante) febrero 10 de 1940 Güines, Cuba.
Torres, Saúl (trompeta).
Valdés, Alberto (conga) Cuba.
Valdés, Alfredo, nació en La Habana en 1908 y falleció el 28 de octubre de 1988 en Nueva York.
Valdés, Carlos "Patato" (conga) - 4 de noviembre de 1926 en La Habana.
Valdés, Miguel Angel Eugenio Zacarías "Mr. Babalú" (cantante) La Habana septiembre 6 de 1912 y murió en Bogotá el 9 de noviembre de 1978.
Valdés, Vicentico (cantante) La Habana, enero 10 de 1921 y falleció en Nueva York en 1995.
Valera, José Manuel (guitarra) Matanzas.
Vallejo, Orlando, (cantante), nació en Arroyo, Naranjo el 30 abril de 1919 y murió en Miami el 20 de enero de 1981.
Vásquez, Elpidio Jr. (bajo).
Vásquez, Javier (piano y arreglista) La Habana, abril 8 de 1936.
Vásquez Pablo "Bubú" (contrabajo) Matanzas - Fallecido.
Vásquez, Raymundo Elpidio (bajo) Cuba.
Vegas, Félix (trompeta), Puerto Rico.
Zarzuela, Héctor "Bomberito" (trompeta) - El sibao, República Dominicana, junio 3 de 1937.


Algunos cantantes han tenido esporádicas intervenciones con La Sonora Matancera en actuaciones en vivo, como Pedro Vargas que cantó a dúo con Celia Cruz; Charlie Palmieri tuvo una breve intervención al piano; Tito Cortés, Adalberto Santiago; Gregorio Barrios; Orlando Contreras, Pepe Reyes y Alfredo Sadel.

EN EL CINE
(Noviembre 30 de 1998) Por: Carlos Deiby Velásquez

El cine aparece en 1895 cuando los hermanos Lumiere presentaron al público 16 cintas breves, rodadas al aire libre, con un aparato patentado en febrero de aquel mismo año.

En 1930 apareció el Sexteto Habanero y Ernesto Lecuona en un filme norteamericano titulado "Hell harbord" con la actuación especial de la mejicana Lupe Vélez. Esta fue la primera vez que un grupo cubano apareció en algún filme cinematográfico.

El primer corto metraje donde aparece la Sonora Matancera es "Tam, tam o el origen de la rumba", filmada en 1938 por el maestro del cine cubano Ernesto Caparroso Óliver. Tiene una duración de 28 minutos y está dedicado a exaltar la música en Cuba. El maestro Alfredo Julio Brito se encarga de musicalizar este primer corto metraje, con los conjuntos Edén Concert, La Orquesta de Julio Brito y la Sonora Matancera. La sonora aparece en escena con el tema "Guaguancó". Para finales de los 30 el conjunto matancero estaba integrado de la siguiente forma: Humberto Cané, tres y voz primera; Rogelio Martínez, guitarra y segunda voz; Carlos Díaz "Caíto", maracas y tercera voz; Valentín Cané en el contrabajo; José Rosario "Manteca" en los timbales y Calixto Leicea en la trompeta. Ésta fue la primera generación Matancera que abrió el ciclo de la Sonora en el cine.

La segunda vez que la Sonora aparece en cámaras es a principios de los cincuenta cuando se grabó "Ángel", una coproducción México - Cubana grabada en la isla y en toda Latinoamérica. Daniel Santos le cuenta a Héctor Mujica en su libro "Confesiones del inquieto anacobero" lo siguiente: "La Sonora y yo hicimos la grabación de unos números que fueron apoteósicos y que se grabaron en Radio Progreso: "En el Tíbiri Tábara", "Bigote gato", etcétera, pero empezaron a surgir problemas por envidia. Con el cantante Guillermo Portabales, un día en la cantina, él andaba con su trío y me empujaron por la puerta batiente del bar y caí en la cuneta de la calle. Allí un policía me pateó en la cara y me partió a punta pies el arco superciliar derecho. Al día siguiente de aquel episodio llegué al estudio de filmación de la película y si observan bien, verán que sólo aparezco desde el lado izquierdo del rostro, pues el derecho lo tenía pateado". En la película aparece Daniel Santos cantando los temas: "En el tibiritabara", "La rumba tiene valor". Aquí Valentín Cané aparece bailando con el contrabajo antes que Óscar D'León. Igualmente la bailarina y cantante Rosita Quintana interpreta el tema "Quién pompó".

No hemos podido ubicar cronológicamente toda la filmografía de la Sonora Matancera, ya que muchas de estas películas no tienen la fecha exacta de grabación. Sin embargo nos hemos guiado por las versiones de veteranos matanceros como Miguel Fernández "Lalo" que más o menos la ha ubicado de la siguiente manera: "Escuela de modelos" fue grabada después de la incorporación la Sonora a la casa Seeco de New York en el año 1950. De la misma época son "Borrasca" y "La mentirá", esta última se realizó con el actor español Jorge Mistral y en la cual Bienvenido Granda interpreta "Sunsún Babae", obra que escribió Rogelio Martínez. En este tema interviene el desaparecido Silvestre Méndez (Tumba).

Incontables son los filmes donde se escucha, de fondo, la música de Cuba pero es innegable que México fue de las industrias cinematográficas que más música de Cuba utilizó en sus películas, sobre todo rumberas y de vedetes como: Ninón Sevilla, Miroslava, Lina Salomé, Blanquita Amaro, María Antonieta Pons y tantas otras.

Otro filme donde aparece la Sonora es en "Ritmos del Caribe" rodada en 1950 por la compañía cinematográfica Mexicana S.A. Aquí aparecen como actores principales Rafael Valedón, Amalia Aguilar, Susana Guizar, Kiko Mendieve, y la estelarización de Rita Montaner, llamada "La única". En esta película también aparece el destacado actor y periodista cubano Rosendo Rosell con la actuación especial de los Chavales de España, al igual que Los Panchos, Daniel Santos y La Sonora, Los Rumberos, Silvestre Méndez y su amigo Justi Barreto. La película tuvo la dirección musical de Gonzalo Curiel y la dirección general de Juan J. Ortega. La Sonora en esta producción nos dejó ver los temas "Negra", un son afro de la autoría de Daniel Santos y "Romper el coco". Una particularidad de este filme es la presentación de Rita y La Sonora interpretando "Rareza del siglo".

También de esa época es "Música, mujeres y piratas" donde baila Isora, Namora, Lina Salomé con el sonido de la Sonora y la orquesta Cosmopolita.

La compañía cinematográfica mexicana presenta a Resortes y Rosita Fornés en "Me gustan todas", con la actuación especial de la Matancera, el Trío Servando Díaz y Mario Fernández Porta. Es una obra original de Humberto Gómez Landero y Alfonso Moronesa, que cuenta con la adaptación especial de Juan J. Ortega. En esta película la Sonora acompaña la bella y aún vigente Rosita Fornés con los temas de Osvaldo Farrrés "Tu verás" y de Mario Fernández Porta "Anoche me quisiste". "Me gustan todas" fue grabada hacia el año de 1952.

En 1955 se preparaba otra película con la participación de la desaparecida Nini Marshal, Antonio Aguilar (cuando cantaba boleros); el título de esta nueva cinta fue "Una gallega en La Habana", allí interviene el grupo Melodías del Cuarenta, aunque sea brevemente y la Sonora con sus cantantes Celia Cruz y Nelson Pinedo, la primera abre con el tema "Sandunguéate", donde participa en los cueros Estanislado Sureda "Laíto", y para el segundo hit "Me voy pa’ La Habana", del compositor colombiano Rafael Campos Miranda.

Tenemos referencia de dos películas grabadas enteramente en La Habana en 1957; la primera sin mayor información que la de su título "De espaldas", de carácter carnavalesco y aparece Celia Cruz con La Sonora. La segunda una de las mejores por su reparto y su musicalización, la dirección de ésta estuvo a cargo de Rafael de la Pedroza, allí trabajan los veteranos Pototo y Filomeno, Siomara Alfaro, Llopis Dulzaides, Celia Cruz y Celio González, estos últimos abren con los temas "Me voy a Pinar del Río" y "No te quedes mirando".

Pasarían tres años en los que sucederían varios hechos, uno de ellos, la revolución cubana en 1959 y al siguiente año partiría la Sonora Matancera para México, allí grabaría su última película titulada "Amorcito corazón" para los estudios Churubusco con la participación de Rosita Quintana, Fernando Casanova, Mauricio Garcés y la Sonora Matancera con las Mulatas de Fuego, Celia Cruz, Alberto Pérez y Willy "Baby" Rodríguez. La Sonora nos interpreta los temas "Tu voz", "Amorcito corazón" y "La pachanga".

En 1989 la actriz y periodista Hilda Mirós, los presenta en el Central Park de Nueva York y en la sala más prestigiosa de Norteamérica, el Carniege Halls en su celebración de los 65 años, esperamos que en este 1999 quede algún documento importante como reseña fílmica de la legendaria Sonora Matancera.

DISCOGRAFIA DE LA SONORA MATANCERA
(Enero 19 de 1995) Por Carlos Deiby Velásquez

La discografía de la Sonora Matancera comienza en 1927, cuando en los estudios portátiles de la Víctor –instalados en la calle Prado y San Rafael de La Habana- grabaron en el sistema ortofónico "Las cuatro estaciones", "Por la carretera central", "Matanzas tierra del fuego", "Eres más bella que el sol", "Cotorrita real", "De oriente da occidente", "El por qué de tus ojos" y "Fuera, fuera chino".

Después de trece años de receso fonográfico, la Sonora Matancera reaparece en 1944 grabando varias placas para Discos Panart (de propiedad del ingeniero Ramón Sabat), en las cuales acompaña a Bienvenido Granda.

En 1948 graba para Stinson Records, con el nombre de Conjunto Tropicabana. Este nuevo trabajo le crea a la Sonora roces, y su posterior rompimiento con Discos Panart, puesto que el Conjunto era exclusivo de este sello.

A partir de 1949, se vincula a la naciente casa Ansonia Records, en donde alcanza a registrar dos miniplay (discos de 10 pulgadas cada uno), acompañando a Bienvenido Granda. En marzo de ese mismo año, Sidney Siegel (propietario de Seeco Records) le propone al conjunto que graben para su compañía. Esta serie se inicia con "Hay vistas que tumban cocos", de Calixto Leicea. En la parte vocal, aparte de Bienvenido, está también Mirta Silva y Daniel Santos.

A comienzos de 1950, el Conjunto cambia nuevamente de sello disquero. Esta vez para volver a la inicial Víctor, en donde acompaña únicamente al Inquieto Anacobero.

En este mismo año, inicia la época dorada de sus grabaciones, teniendo en los vocales a Celia Cruz, Daniel Santos, Bienvenido Granda, Leo Marini, Miguelito Valdés, Nelson Pinedo, Carlos Argentino, Vicente Valdés, Laíto y Celio González.

En 1957, según el investigador puertorriqueño Pedro Malavet Vega, la Sonora realiza, en La Habana, un "free lance" para el sello Marvella, esta vez con el nombre de Sonora Habanera.

En 1969 crea su propio sello (MRVA), en el cual continúa su exitosa discografía, después de su retiro de la Seeco. En esta ocasión acompaña a Leo Marini, Carlos Argentino, Máximo Barrientos, Linda Leyda, Eliot Romero y Kary Infante.

A principios de la década del sesenta, Discos Orfeón de México la vincula para que grabe con Yayo El Indio, Celio González, Welfo Gutiérrez, Toña La Negra, Miguelito Valdés y Jorge Maldonado.

Entre 1981 y 1984 pasa a hacer parte del elenco de artistas del sello Fania. Luego en 1989, celebra sus 65 años de existencia con un álbum para el sello Taurus, en donde queda plasmado el concierto realizado en Nueva York, en el Carnegie Hall.

Su último trabajo lo constituye el CD para el sello Wea, de 1993, en el cual acompaña a Yayo El Indio.

Es este, en resumen el aporte discográfico del "Decano de los conjuntos cubanos", el cual esta conformado por más de mil temas y constituye una larga e importante labor, realizada durante sesenta y seis años, la cual ha calado de manera profunda en la cultura latinoamericana, y que ha servido, además para que se identifique a la Sonora con la música popular caribeña.

El Negrito del Batey nació en La Romana, República Dominicana el 5 de mayo de 1923 y falleció el 2 de febrero de 1997 en Miami. Su llegada a la sonora ocurrió en 1954 y en 1955 graba boleros como "Todo me gusta de ti", "Aunque me cueste la vida", "Te miro a ti", "Mil cosas" e "Ignoro tu existencia".

Bienvenido Rosendo Granda Aguilera. Cantante de planta desde 1944 hasta 1954. Nació en La Habana, el 30 de agosto de 1915 y murió el 9 de julio de 1983 en México. De su repertorio con la Sonora Matancera se destacan "Pugilato", "Babarana", "Río guaguancó", "Morena", "En la orilla del mar", "La ola marina" y otros más.

Félix Manuel Rodríguez Capó. Nació en Puerto Rico el 1º de enero de 1922. Murió el 18 de diciembre de 1989 en Nueva York. Catalogado como uno de los grandes compositores de Puerto Rico y su participación en la sonora fue entre 1952 y 1954. Impuso temas como "Piel canela", "Así son los quereres" y "El dengue".

El rey de la pachanga. Nació el 23 de junio de 1929 en Buenos Aires, Argentina y falleció en la misma ciudad el 30 de junio de 1991. Ingresó a la sonora en 1955 y cosechó éxitos como "Tu rica boca", "Perdóname vida", "En el mar", "Apambichao", "El cachumbembe", "Ay cosita linda" y "Vámonos pal campo".

Carmen Delia Depini Piñero. Nació en Naguabo, Puerto Rico, el 18 de noviembre de 1927 y falleció el 4 de agosto de 1998 en Bayamón, Puerto Rico. Ingresó a la sonora en 1949 y grabó éxitos como "Regálame un minuto", "Delirio", "Para que la oigas", "Delirio de amor" y "Besos de fuego".

Celia Caridad Cruz Alfonso. La guarachera de Cuba. Nació el 21 de octubre de 1925 en el barrio Santo Suárez de La Habana y falleció en 16 de julio de 2003 en New Jersey. Estuvo con la Sonora Matancera desde 1950 hasta1959, cuando se inició la revolución en la isla. Viaja a México y allí se encuentra de nuevo con la sonora hasta 1965, época en la que empieza a cantar con otras orquestas de New York como la de Tito Puente, la de Johnny Pacheco y otras. Sus temas más sobresalientes con la sonora fueron "Pinar del río", "El yerbero moderno", "Burundanga", "Caco, cao, maní picao", "El bajío", "Crocante habanero", "Tu voz", "Dile que por mí no tema", "Tuya, más que tuya", y muchos más, que inmortalizaron esa época gloriosa con la Matancera.

Daniel Santos Betancur. El inquieto anacobero nació el 6 de junio de 1916 en San Juan de Puerto Rico y falleció el 27 de diciembre de 1992 en Ocala, Estados Unidos. Ingresó a la sonora en 1948 y permaneció hasta 1953. Dejó una huella muy importante en este conjunto gracias a temas como "El tibiritabara", "Bigote gato", "La rumba tiene valor", "Vuelve muñequita", "Oye negra", "El sofá", "El corneta", "El mambo es universal" y muchos más. Nació en Cienfuegos, Cuba el 14 de mayo de 1914 y murió en octubre de 1999. Ingresó a la sonora en 1954 y grabó temas como "Cañonazo", "En el bajío", "Nocturnando", "Mi redención" y "Yambú pa gozar".

Alberto Batet Vitali. Nació el 23 de agosto de 1920 en Mendoza, Argentina y falleció el 15 de octubre de 2000, en Buenos Aires. Su primera etapa con la sonora fue desde en 1952 hasta 1972. Su primer tema lo grabó con le sello Seeco y fue "Luna yumurina". Le siguieron otros importantes como "Tomando té", "Maringá", "En la palma de la mano", "Tristeza marina" y otros. Su última presentación con la Sonora Matancera la realizó en 1982, en su 65 aniversario.

Miguel Ángel Eugenio Lázaro Zacarías. Míster Babalú nació el 6 de septiembre de 1912 en el barrio Belén de La Habana y murió en Bogotá el 9 de noviembre de 1978. Se integró a la onora en 1953 y popularizó temas como "Se formó el rumbón", "Arroz con manteca", "El extraño" y "A pasarse un pollo".

Myrta Blanca Silva Oliveras. La Gordita de Oro nació en Arecibo, Puerto Rico, el 11 de septiembre de 1923 y murió en San Juan de Puerto Rico el 2 de diciembre de 1987. Ingresó a la sonora en 1949 y grabó éxitos como "Qué corto es el amor", "Loca" y "Sandongo".

Vicente Valdés Valdés. Nació el 10 de enero de 1921 en La Habana y murió el 25 de junio de 1995 en Nueva York. Se inició con la sonora en 1953 donde realizó sus primeras grabaciones con los temas "Yo no soy guapo", "Lindo omelenkó", "Decídete amor" y "Una aventura". Tuvo un receso por sus viajes y en 1958 terminó de grabar los temas que lo harían famoso, "Los aretes de la luna", "Envidia" y "La añoro". El negro nació en Venezuela en 1925 y murió en Caracas el 5 de enero de 1975. Ingresó a la sonora en 1958 con éxitos como "Río Manzanares", "No quiero nada con su mujer", "Puente sobre el lago" y "Máquino landera".

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Biografia / RAFAEL CORTIJO

 

 

 

Rafael Cortijo Verdejo, nacido un 11 de diciembre de 1928 en Santurce Puerto Rico, quizás uno de los protagonistas más sobresalientes de la música popular de Puerto Rico durante los años 50. Rescató, en plena época de la televisión, la tradición afroantillana del país, devolviéndole a la percusión el predominio que fue perdiendo luego que afloraran en la música local otros instrumentos musicales. En su niñez siempre estaba presente el sonido de los tambores y el cantar de pleneros como Cornelio y María Teresa. Aprendió cómo hacer congas o timbas con los barriles que después utilizó para atraer a Ismael Rivera, aún muy joven, para que lo acompañara en sus descargas, que en ese entonces se realizaban, usualmente, en la playa. Además fue un personaje de mucha importancia en la historia de la música latina y celebrado por sus dotes como percusionista (timbales, conga, bongo, maracas y otros), como líder de la orquesta y como compositor. Era el héroe musical de las tradiciones en Puerto Rico y América Latina; admirado por su creatividad y talento. Cortijo sacó la bomba y plena fuera de los arrabales y con su orquesta, predominantemente de raíces africanas, introdujo éstos géneros a todos los niveles de la sociedad puertorriqueña y también en el extranjero. Rafael tuvo la oportunidad de poner en uso lo que aprendió tocando los bongós y las congas con el Conjunto Monterrey de Moncho Muley. Inició su carrera profesional con la Orquesta de Frank Madera, donde tuvo la oportunidad de realizar diversas giras junto a su cantante Daniel Santos y luego con la de Miguelito Miranda. Además trabajó en los programas radiales de la cantante, compositora, percusionista y actriz Myrta Silva y el vocalista cubano Miguelito Valdés, quien le sugirió que formara su propia orquesta. Cortijo sabía que existían variedades al ritmo de la bomba cangrejera. Con su experiencia previa y la que ganó participando en fiestas tradicionales como los Carnavales de San Mateo y San Juan, él estaba bien preparado para organizar un auténtico grupo de bomba y plena. Creó su propio estilo trayendo a la orquesta trompetas y saxofones, pero retuvo el sabor tradicional de bomba y plena a través de la base rítmica tradicional. El momento definitivo en la carrera de Cortijo vino en 1954. Él tocaba las congas con el Combo de Mario Roman cuando el líder de la orquesta decidió retirarse. Esto le dió la oportunidad a Cortijo de organizar se propio grupo. Sabía exactamente qué sonido quería y quienes serían los músicos que lo producirían para él. El primer vocalista del grupo fue Sammy Ayala. Posteriormente el entonces vocalista de la Orquesta Panamericana, Ismael Rivera, se unió al grupo en 1955. En las próximas tres décadas, estos dos amigos cercanos -Rafael e Ismael -vivieron una vida en la cual compartieron lo bueno y lo malo. Cualquier experiencia que tuviera uno de ellos como individuo era vivido o compartido por los ambos, incluyendo fama, alcohol, adicción a las drogas y hasta la cárcel. En 1962, después que Rivera fuera encarcelado por una ofensa de drogas, miembros de su Combo, dirigidos por el pianista Rafael Ithier, se separaron para formar El Gran Combo. Más de cuatro años pasaron antes que Cortijo y su Combo se reunieran con Ismael para dar el acompañamiento para ¡Bienvenido!. Esto fue seguido por otra reunión en 1967 que resultó en el album Con Todos Los Hierros. Entonces Cortijo organizó una nueva orquesta llamada Bonche y debutó con ellos en Sorongo, esta incluía, a pesar de su débil voz, a su hija Fe Cortijo, como una de las vocalistas. Ella continuó trabajando con su padre hasta su último album. Cortijo realizó una colaboración con el percusionista y líder de la orquesta Koko; reviviendo así algunas de sus populares canciones de bomba y plena. Tras su meteórica alza, Cortijo e Ismael pagaron el precio por los años de excesos y problemas legales. Ellos encontraron en Puerto Rico un ambiente hostil e intolerable y se fueron a Nueva York. Pero Cortijo nunca se sintió cómodo allí y regresó a Puerto Rico. Ya de vuelta en la isla su vida, no mejoró mucho. Tite Curet y un amigo le ayudaron financieramente para producir el album Pa' los Caseríos y hasta compuso muchas de las canciones. El Combo tuvo una serie de éxitos, la primera canción que grabó fue "El Bombón de Elena" -bajo el sello Seeco- y también la futurística "Máquina del Tiempo", llevada al público en 1974. En medio de esos éxitos hay clásicos como: "Maquinolandera", "El chivo de la campana", "Oriza", "Perfume de Rosas", "Tuntuneco", “Quítate de la vía Perico”, "Déjalo que suba",“El negro bembón” y otras. A diferencia de otras agrupaciones musicales, Cortijo y su Combo introducen en su espectáculo el baile, el mismo que se bailaba en las fiestas populares de los barrios. Eran realmente una atracción audiovisual y la televisión puertorriqueña así le reconoció. El popular Show del Mediodía presentaba el grupo de lunes a viernes por cinco años. Al son de sus ritmos contagiosos, originados en el puro instinto y sin partituras, bailó toda una generación de puertorriqueños. Él quería que su orquesta tocara música espontáneamente y que evitara las rutinas inflexibles de grandes orquestas que dejaban a los músicos fijos en el escenario detrás de sus arreglos musicales escritos. La orquesta de Cortijo tocaba de pie, bailaba en el escenario y hasta a veces se unían a los bailarines en la pista de baile. Sus arreglos musicales eran mínimos y eran usados como base para las improvisaciones de los músicos. El estilo encendía a los presentes y eso, eventualmente, los ayudó a competir con grandes orquestas de esa época como las de Machito, Tito Rodríguez y Tito Puente. La orquesta mantuvo contacto con el público tocando en bailes a través de la isla, especialmente en las tradicionales fiestas patronales. Formaron parte de este legendario Combo: Rafael Ithier, Sammy Ayala, Roy Rosario e Ismael “Maelo” Rivera, entre otros. La música de Cortijo también era muy popular en otras partes de Latinoamérica. Cuando se le preguntaba sobre la aceptación que la música directamente asociada con las tradiciones puertorriqueñasesta tenía en otros países, decía: «El sonido de los tambores traídos por los africanos son entendidos en todas partes del mundo. Por ejemplo, yo entiendo completamente la música haitiana y al mismo tiempo mi música es entendida y apreciada en Haití, también la gente humilde en cualquier lugar no tiene problemas identificándose con mi música porque es su música también. Tratamos de tocar nuestra música honestamente, con espontaneidad y sin variaciones sofisticadas que pueden alterar su forma original». El 25 de junio de 1974, Coco Records auspició un concierto en San Juan; logrando juntar los miembros originales de Cortijo y su Combo. Esa noche estuvieron: Rafael Cortijo, Ismael Rivera, Roy Rosario, Martín Quiñones, Rafael Ithier, Eddie Pérez, Héctor Santos, Mario Cora, Sammy Ayala, Roberto Roena, Miguel Cruz y Kinito Vélez. El concierto produjo el álbum Juntos Otra Vez. El mismo fue realizado en 1982 con el nombre de Ismael Rivera Sonero Número 1. Cortijo falleció a los 54 años, el 3 de octubre de 1982, de cáncer en el páncreas, en el apartamento de su hermana ubicado en el residencial público de Luis Lloréns Torres. Fue honrado por su gente y por los líderes públicos, el pueblo cangrejero se volvió para rendirle tributo póstumo. Miles de ciudadanos, músicos y artistas desfilaron frente al ataúd del proscenio del salón de actos del residencial en una sentida manifestación pueblerina de luto y reflexión. Ismael Rivera, el sonero por excelencia del Combo de Cortijo, pasó la noche en vela lamentando la muerte de su compañero. «¿Por qué te fuiste el día de mi cumpleaños?», le preguntaba al cuerpo inerte de Cortijo... Él fue enterrado el 6 de octubre en el cementerio de Villa Palmeras. En el entierro se volcó todo el dolor del espíritu cangrejero, evento recopilado años más tarde por el escritor Edgardo Rodríguez Juliá, en su libro “El entierro de Cortijo”.

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JOE CUBA

 

Por: ©Andres Campo Uribeacampou@yahoo.comColaborador de Herencia LatinaBarranquilla - Colombia  Gilberto Miguel Calderón Cardona, conocido familiarmente como “Sonny”, nació en New York, Estados Unidos, el 22 de abril de 1931. De padres puertorriqueños Miguel Calderón, de Santurce y Gloria Cardona, de San Sebastián. Hasta 1946 asistió a la Cooper Junior High School donde se destacó como jugador de base ball y basket ball. Jugando base ball sufre la fractura de una pierna, lo que lo aleja del deporte por algunos meses. “Ese accidente rompió todos mis sueños de jugar en las Grandes Ligas”, comentó Joe. (1) Aunque Cooper era un colegio afro-americano y todos sus amigos eran negros, la música latina no tenía ninguna significación para él. Todo comienza cuando escucha el tema Abaniquito interpretado por la orquesta de Tito Puente, entonces decide retirarse del colegio y del deporte para dedicarse de lleno a la música. Su primer profesor de música fue el conguero Víctor “El Negrito” Pantoja quien le enseña los sonidos básicos de la conga. Santos Miranda, Papi Torres y Wilfredo “Chonguito” Vicente también contribuyeron en su aprendizaje de la conga.Estudió en las Escuelas Benjamín Franklin y Brooklin College, pero no se considera músico de academia, sino un conguero natural o callejero. En 1950, debuta musicalmente con el conjunto ALFARONA X, un famoso grupo de Puerto Rico que había llegado a New York agosto de 1945, convirtiéndose en el primer conjunto de trompetas puertorriqueño que se establecía en la ciudad. Su director era el guitarrista y cantante Luis Cruz, padre de Luis Cruz Jr, (quien fuera a su vez, pianista y arreglista de Ray Barretto). El ingreso de “Sonny” a la orquesta se debió a la intervención de su amigo Santos Miranda y fue originado por el retiro de Luis “Sabú” Martínez, quien inesperadamente dejó la orquesta para trasladarse a Los Ángeles. Su estancia en la ALFARONA X, solamente duró seis meses. “Ellos necesitaban otro conguero, con más experiencia. Estaba bien agradecido porque en ese momento lo que quería era aprender y esa oportunidad fue importante”, anotó Joe. Ya fuera de la orquesta, Gilberto “Sonny” Calderón solía reunirse en la “esquina de los congueros”, Calle 114 con 5ª Avenida con percusionistas del barrio como Willie Bobo, Papi Torres, “Chonguito” Vicente, “Patato” Valdés, “El Negrito” Pantoja y Santos Miranda; y frecuentaba los grandes salones de baile donde actuaban las más grandes bandas de la época. En 1951, ingresa a la orquesta de Elmo García y pasa mas tarde a la de Marcelino Guerra. “Trabajar con Marcelino Guerra fue un honor para mía porque él era un gran músico y cantante”, dice Joe.
Es en la “esquina de los congueros” donde se conoce con el bajista Roy Rosa quien lo recluta para el QUINTETO DE JOE PANAMÁ, (David Preudhomme, pianista de descendencia panameña), una agrupación que imitaba al quinteto de Joe Loco y que tenía como base el Club Los Muchachos, ubicado en la Calle 114 y Madison. En el quinteto de Panamá, se encuentra con Jimmy Sabater, (Ponce, Puerto Rico, Abril 11 de 1936), a quien conocía desde principios de los 50 en la época de los enfrentamientos de stickball en la Calle 115 entre Madison y Park Avenue, y se conoce con el vibrafonista Tommy Berríos, (Ponce, Puerto Rico, Diciembre 23 de 1932). Al poco tiempo Panamá se retira del grupo. “El repertorio pop americano, y ninguna melodía latina, dio como origen una discusión con Panamá y la pérdida de nuestros puestos,” dice el vibrafonista Tommy Berríos. (2) Entonces Calderón toma la dirección del grupo. Para reemplazar al pianista Panamá, (David Preudhomme), Calderón invita a Nick Jiménez, (Santurce, Puerto Rico, Junio 15 de 1929), quien dirigía su propio grupo y actuaban en el Club El San Juan, ubicado a dos cuadras de la Calle 102, y a su vocalista Willie Torres, (Octubre 30 de 1929), conformando entonces el SEXTETO DE JOE PANAMÁ. En 1953, el antiguo grupo de Panamá debuta en el Club San Juan con el nombre de LOS CHA CHA BOYS (3), estando formado por los siguientes músicos: Willie Torres, vocalista; Nick Jiménez, piano; Jimmy Sabater, timbal; Víctor “El Negrito” Pantoja, bongó; Roy Rosa, Bajo; Tommy Berríos, vibráfono y Gilberto “Sonny” Calderón, congas.Para esta época son invitados para actuar en el salón Starlight, siendo convencido por el promotor cubano Catalino Rolón a cambiar el nombre del grupo por el de Gilberto Calderón. Sin embargo al propietario del salón no le gustó este nombre y Rolón decide llamarlo finalmente JOE CUBA Y SU SEXTETO.
El uso de letras en inglés ejecutadas en los bailes judíos e italianos, le abrió las puertas a Joe Cuba para tocar en el Pines Hotel, un negocio judío ubicado en South Fallsburg, New York. Fue aquí donde Jiménez compuso el tema Mambo of the Pines, que más adelante se convirtió en el tremendo éxito Mambo of the times, una de las cuatro grabaciones realizadas, en formato de 78 rpm, para el sello RAINBOW en 1956. El primer sencillo contiene los temas Ritmo de cha cha y Juan José, (Rainbow 370). 
En 1956, se presentan en el único Show de TV latino “El Show de Don Pessante”, actuación que se extiende por 18 semanas consecutivas. Este mismo año realizan su primera grabación para el sello MARDI-GRAS, titulada I TRIED TO DANCE ALL NIGHT, (LP-5017), con una orquesta en la cual se incluían trompetas y letras en inglés vocalizadas por Willie Torres y Jimmy Sabater, que incluye los temas Pregón cha-cha y Swinging mambo, composiciones de Nick Jiménez; Joe Cuba’s Mambo, de Héctor Rivera, con gran solo de timbal de Jimmy Sabater; Soy pilongo; Los pasos; Temptation; Picando cha cha; Kiss the boy’s goodby; Stormy weather; y San Luisera, de M. Poveda. (El álbum también aparece publicado por MARDI-GRAS con el título de THE JOE CUBA SEXTET,  VOLUME 1 - MARDI GRAS MUSIC FOR DANCING, y con el mismo número de referencia).
En éste año muere el bajista Roy Rosa, quien fuera uno de los fundadores del grupo, y su lugar fue ocupado por Cito Martínez (1957), Luis Barretto (1958), y Bobbie Lynn, una atractiva muchacha judía quien permanece en el grupo entre junio y octubre de 1958, antes del ingreso de Jules “Slim” Cordero (New York, Diciembre 16 de 1925).En 1957, justo antes de una presentación en el Grossinger’s Resort, Willie Torres le comunicó a Cuba su decisión de abandonar el grupo para unirse a la orquesta de José Curbelo donde reemplazaría a Santos Colón, quien a su vez se unía a la banda de Tito Puente. A raíz de la salida de Torres, el 5 de octubre de ese mismo año ingresó José Luis Ángel Feliciano Vega “Cheo”, (Ponce, Puerto Rico, Julio 3 de 1935), quien había sido presentado a Cuba por parte de Tito Rodríguez. El  mismo día de su debut con Joe Cuba, Cheo se había casado con la bailarina puertorriqueña  Socorro “Coco” Prieto León, por lo que al finalizar la presentación con el grupo, a eso de las 5:00 am, salió a iniciar su luna de miel.

Entre 1958 y 1962 las grabaciones realizadas para el sello MARDI GRAS, les sirvieron de publicidad al grupo, al mantener varios temas en los listados de popularidad. El primer álbum de Cheo con Joe Cuba se tituló CHA CHA CHA’S SOOTHE THE SAVAGE BEAST, (MG-5021), en el cual se incluyen los temas Mad Merengue, versión del merengue dominicano A lo oscuro, popularizado por Ángel Viloria, al cual le introducen compases del tema de Mon Rivera Karakatiski ejecutados por Tommy Berríos en el vibráfono; Dirty faces (Cara sucia); El botecito; y El agua no..., composición de Tommy Berríos y Cheo Feliciano; Around the world; Bayamo; Donhkey serenade; I talk to the trees; Magic is the moonlight, versión del tema Muñequita linda, composición de la mexicana María Grever; y Con mi mambo, composición de Joe y Cheo Feliciano. (El álbum también aparece publicado con el título de THE JOE CUBA SEXTET, VOL 2 – MARDI GRAS MUSIC FOR DANCING, y con el mismo número de referencia)
En 1959,  el sello MARDI GRAS, publica el álbum BRAVA PACHANGA, (Mardi Gras LP-) en el cual se incluyen los temas Componte Cundunga, Macorina y Rica pachanga, entre otros.
En 1961, el sello DISCOS EMBAJADOR, publica los álbumes MERENGUE LOCO, (ES 6002), compartido con Sonny Rossi, donde se incluyen los temas de Joe Cuba: Merengue Loco (Mad Merengue); Soy Pilongo; El agua no; y Pregón cha cha (todos grabados con MARDI GRAS); y JOE CUBA, (E 6003),  donde se incluyen los temas Joe Cuba’s mambo, Carita sucia, Con mi mambo, Cha cha de Ramón, Los pasos cha cha, Brincando cha cha, Alegre mambo, Picando, Bayamo y el cha cha y Luenga májica, (también grabados para MARDI GRAS.
un día Catalino Rolón los presentó con Sidney Siegel, propietario del sello SEECO, quien les prometió ponerlos en el mapa artístico del momento.
En 1962, graban para SEECO, en los estudios Beltone, el álbum de la fama para Joe Cuba, titulado: STEPPIN’ OUT, (Seeco SCLP 9248), el cual incluyó temas de gran éxito como: A las seis, de Jimmy Sabater; Oriente, de Rudy Calzado; Cachondea, de Cheo Feliciano; Callejero; Yo vine pa’ ver; To be with you, (melodía compuesta en 1956 por Willie Torres y Nick Jiménez con el nombre de Nunca y luego vertida al inglés), vocalizado por Jimmy Sabater; y el bolero Como ríen, compuesto por Cheo Feliciano y Nick Jiménez, en el cual, la entrega de “Cheo” Feliciano en su interpretación le sirvió para que se abriera su camino a la fama, elevándolo inclusive a la élite de vocalistas latinos conformada en ese entonces por Lucho Gatica, Tito Rodríguez, Vicentico Valdés, Graciela (hermana de Machito) y Vitín Avilés. También incluye los temas Salsa y bembé; Rosalía; Que va; Wabble-cha; y Mujer.
“En la grabación de éste álbum se presentó un problema en el estudio”, recuerda Tommy Berríos, “pues a eso de la 1 p.m. Cheo había terminado de grabar el tema Como ríen... hubo un silencio corto y todos lo aplaudieron emocionados, pues él los sorprendió con la interpretación. Entonces Sonny le dijo a Jimmy Sabater que entrara en la cabina del vocalista a fin de grabar el tema To be with you. Esto sorprendió a todos, incluso a Héctor Rivera el arreglista del tema, pues se consideraba un éxito seguro. Cuando Joe le dijo a Jimmy que la grabara Cheo explotó y dijo que él era el vocalista y era él quien debía grabarla. Cheo y Joe intercambiaron algunas palabras subidas de tono... incluso las esposas de ambos intervinieron en la discusión. Jimmy ganó y yo tuve que improvisar pues ni Nicky ni Héctor hicieron arreglos para el bajo”. Cuando la grabación en 45 rpm se lanzó, fue colocada en todas las rokolas de la ciudad. Fue el chance de Jimmy Sabater a la inmortalidad.Entre finales de 1962 y principios de 1963, Joe Cuba firma con el sello TICO, de Morris Levy, quedando aún grabaciones pendientes con SEECO. La decisión de cambio de sello se debió a que un día en el Village Gate, Simphony Sid y Jack Hooke le dijeron a Joe que estaba perdiendo el tiempo con el sello SEECO, y que Morris Levy de TICO, los trataría mejor.
En 1963, graban el primer álbum para el sello TICO, titulado, HANGIN’ OUT / VAGABUNDEANDO!, (Tico SLP 1112), que incluye los temas Quinto sabroso y No coman cuento, de Héctor Rivera;  Orisa Oco, Oye bien y Nina Nina, de Barreto; I need you y Trip to Mamboland, de Nick Jiménez; Flaco’s cha cha, de Cordero/Feliciano; Yo y Borinquen y Quieres volver, de Feliciano/Jiménez; Ya se acabó, de Berríos/Feliciano; y la composición de Cheo Feliciano El Ratón, la cual adquiere una gran relevancia años más tarde, al ser interpretada por Cheo para FANIA ALL-STARS. En éste mismo año, Joe, Sabater y Cheo son invitados a participar en la grabación de las sesiones de CESTA ALL-STARS.

En 1964, el Sexteto participan en la New York World’s Fair, presentándose en el Carnegie Hall, y en el Teatro Apollo (donde realizan la apertura del show de James Brown); y graban dos álbumes: el primero para el sello SEECO, titulado DIGGIN´ THE MOST, (Seeco SCLP 9259), que incluye los temas Ariñañara; La Lapa; Siempre sea; El Hueso; Mambo of the times; Picando de vicio; y el bolero Aunque tú, con el cual la música latina adquiría otro Frank Sinatra; y el segundo, producido por Teddy Reig para el sello TICO, titulado EL ALMA DEL BARRIO / THE SOUL OF SPANISH HARLEM, (Tico SLP 1119) que incluye los temas Guaguancó del jibarito, Si me paro y La fuga pa’l monte de Heny Álvarez; Sólo por ti, Y sigue, Ven baila conmigo, y Dime corazón, de Nick Jiménez; You’re gone, de Torres / Sabater; Mañana te llevo, de Ignacio Piñeiro; En la carretera, de Barrios / Feliciano; y Galan Galan, de Héctor Rivera.
También en éste año graba los temas Préstame la olla Teresa; Chupa; Los perros del Curro; y Ella sola se engancha incluidos en la producción de Teddy Reig, titulada SPANISH SONGS MAMA NEVER TAUGHT ME, (Tico SLP-1111), donde también participan Miguelito Valdés y las orquestas de Machito y Tito Puente.
En 1965, graban el último álbum para el sello SEECO, titulado, COMIN´ AT YOU, (Seeco SCLP 9268), que incluye los temas Guaracha y Bembé; Joe Cuba’s Mambo; Tremendo Coco; Pancho Foo; Chichón (Juan Ramón); y So what?

Para el sello TICO graban el álbum BAILADORES, (Tico SLP 1124), que incluye los temas Bailadores, Ten cuidado, Mi lindo son, y Tu bombón, composiciones de Héctor Rivera; La Palomilla, de Luis Miranda; Barquillero, de Nacho Sanabria; y Dichoso, El Tramposo, Sabroso cha cha chá y Por favor no me olvides, composiciones de Nick Jiménez.
Y el sello MARDI-GRASS, publica el álbum RED HOT AND CHA CHA, (MG 5023), en el cual se incluyen los temas Brava Pachanga y Jimmie’s Jump, composiciones de Jimmy Sabater; Te la voló, de Cheo Feliciano; Rica Pachanga y The cracker song, de Cheo Feliciano / Nick Jiménez; Black beauty, de Tommy Berríos; Ya es tiempo, de Feliciano / Berríos; Caminando; Componte cundunga y Macorina. (El álbum también aparece publicado con el título de THE JOE CUBA SEXTET, VOL 3 – MARDI GRAS MUSIC FOR DANCING, y con el mismo número de referencia)
Es en este año, durante la grabación del álbum WE MUST BE DOING SOMETHING RIGHT!, cuando se produce la separación de Cheo Feliciano del Sexteto, debido a problemas personales relacionados con la drogadicción. “Desde que pensé en cantar quería ser una estrella. Mientras estuve con Joe Cuba sentía que no estaba recibiendo el reconocimiento que merecía” comentó Cheo (2). Para reemplazarlo, Joe contrata nuevamente a Willie Torres. Cheo, dijo Cuba, “llevó al grupo a un alto nivel de popularidad... pero si él hubiese sido el vocalista durante la era del boogaloo, dudo que hubiésemos llegado hasta donde estuvimos. Willie Torres estaba a la medida del nuevo ritmo y con la ayuda de Jimmy, Nicky y Héctor Rivera el sexteto alcanzó nuevos niveles de popularidad”. 

También participa con los temas Ay! Le dieron; Que problema; Derecho y Virao; y Cuchifritos en el segundo álbum de Teddy Reig, titulado MORE SPANISH SONGS MAMA NEVER TAUGHT ME, (Tico SLP-1120).En 1966, lanzan el cuarto trabajo para el sello TICO, con el álbum ESTAMOS HACIENDO ALGO BIEN! / WE MOST BE DOING SOMETHING RIGHT!, (Tico SLP 1133), grabado el año anterior, y el último que vocalizara José “Cheo” Feliciano con el Sexteto. El álbum  contenía el éxito El Pito (I’ll never go back to Georgia), escrito por Jimmy Sabater y Nick Jiménez. Además incluía los temas Y tu abuela donde está, de Jimmy Sabater; Arecibo;  Ya no aguanto más, de Héctor Rivera; Pruébalo; y Clave Mambo, de Tito Puente, entre otros.
A mediados del año, cuando el boogaloo entró de lleno en escena, el Sexteto graba para TICO, el álbum WANTED DEAD OR ALIVE, (Tico SLP 1146). Este álbum, que los coloca junto con las bandas de Eddie Palmieri, Ricardo Ray, Pete Rodríguez y Johnny Colón, como una de las mejores agrupaciones del 66, contiene los temas Bang! Bang!, Oh yeah y Push, push, push, boogaloos inspirados en los adolescentes negros, bailadores del Palm Gardens, que años después se convirtió en el Cheetah. La contribución de Willie Torres para éste álbum debe ser resaltada. Sus interpretaciones de los temas Que son uno; Mujer Divina, (composición de Héctor Rivera grabada en 1961 bajo el título de Petite en su álbum CHARANGA & PACHANGA); y del bolero Triste hubiesen sido nominados al Grammy, de haber existido una categoría para ellos. También se incluyen los temas La Malanga Brava, (versión grabada en el álbum RED HOT AND CHA CHA con el título de Brava Pachanga), y Alafia, ambos temas de Jimmy Sabater; y Cocinando.

En 1967, graban para el sello TICO el álbum titulado JOE CUBA SEXTET PRESENTS THE VELVET VOICE OF JIMMY SABATER, (Tico  SLP 1152), donde Jimmy se convierte en un Nat King Cole latino por sus vocalizaciones de los temas Caress Me, Pensar, Funny, Mía, Los Dos, I still love you, The more I see you y nuevamente su éxito To be with you. En el álbum participa como pianista y arreglista Héctor Rivera. En este año se presenta el retiro del sexteto del vibrafonista Tommy Berríos por problemas personales. En su reemplazo ingresa Oscar García.
Igualmente el sello publica otro álbum de boogaloo, titulado, MY MAN SPEEDY!, (Tico SLP 1161), en el cual se incluyen temas como My man speedy!, Hey Joe hey Joe; Psichedelic baby y Talk about luv; y el sello SEECO, publica una compilación con los temas de sus dos álbumes anteriores bajo el título de BREAKING OUT! (Seeco SCLP 9292), en la que se incluyen temas como To be with you; Picando de vicio; A las seis; Tremendo coco; Mambo of the Times; Como rien; y Salsa y bembé.
En 1971, graba el álbum RECUERDOS DE MI QUERIDO BARRIO, (Tico SLP 1226), que incluye los temas Ritmo de Joe Cuba (Jimmy’s Jump) (grabado anteriormente en el álbum RED HOT AND CHA CHA como Jimmy’s Jump), los boleros de César Portillo de la Luz Contigo en la distancia y Delirio; el bolero de Armando Manzanero Contigo aprendí; Oye como va, de Tito Puente; El tabacón, Guaguancó de los barrios y Dulce como la miel, de Alfredo Rodríguez. Para éste disco el vibrafonista Alberto Delgado reemplaza a Oscar García; el cubano Alfredo Rodríguez ejecuta el piano; y se convierte en el último álbum del vocalista Willie Torres con el Sexteto.
En 1972, graba el álbum BUSTING OUT, (CLP 1300), en el cual se incluyen los temas What a baby, Pud-da-din, tema que fue censurado en la radio; Ain’t it fun what love can do; Ooh! Ah; Do you feel it?; A thousand ways; y La locura de Joe Cuba, Parte I y II. El piano es ejecutado por Alfredo Rodríguez.
En 1973, graba el álbum DOING IT RIGHT / HECHO Y DERECHO, (Tico CLP-1312), vocalizado por Willie García, el cual incluye los temas Lucumí, de Willie García; una nueva versión de Mujer Divina; Hecho y Derecho; Confesión de amor; Cuenta bien, cuenta bien; Give us a chance; Baby you’re everything; Ay Milagro; Ariñañara; y el clásico de Jimmy Sabater, La Calle está durísima. En éste álbum el vibráfono es ejecutado por Phil Díaz y en se convierte en el último álbum del pianista Alfredo Rodríguez con el sexteto.
En 1975, se produce el retiro oficial de otro de los pilares del sexteto, el timbalero y vocalista Jimmy Sabater. En 1976, a finales del año, con la producción de Louie Ramírez, graba el álbum COCINANDO LA SALSA / COOOKIN’ THE SAUCE, (Fania/Tico TSLP 1405), vocalizado por Mike Guagenti, en el cual se remozan algunos viejos temas e incorporan algunos nuevos, compuestos por Guagenti. Los temas incluidos en el álbum fueron Ataca de nuevo, Salsa ahí na’má, y El monito y el león, composiciones de Heny Álvarez; Elube Changó y Joe Cuba’s Latin Hustle, de Joe; Mi jeva, de Mike Guagenti; Quinto sabroso, de Héctor Rivera; y Tremendo rumbón, de Willie García. La orquesta para el álbum, que recibió nominación para el premio Grammy, estaba conformada por los siguientes músicos: Sonny Bravo, piano y coros; Jules “Slim” Cordero y Eddie “Guagua” Rivera, bajo; Phil Díaz, vibráfono; Louie Ramírez, vibráfono y sintetizador; Harry Viggiano, guitarra; Johnny Rodríguez “Dandy”, bongó; Jimmy Sabater, timbales; Alphonse Mouzon, batería; Adalberto Santiago, coro y Joe en las congas.
En 1979, publica el álbum EL PIRATA DEL CARIBE / THE CARIBBEAN PIRATE, (Fania/Tico JMTS-1434), vocalizado por Chivirico Dávila, Willie Amadeo y Júnior Soria, en el cual se incluyen los temas Mi salsa buena y Que mucha gente maseta, de Adalberto Santiago; Y solo quedé y Tú adonde estás, de Chivirico Dávila; Mulata y bella, de Norberto Cruz; Y Joe Cuba ya llegó, de Mike Guagenti; Tártara, de Diego Ugarte; y Bertos Mandes, de Norberto Cruz y Phil Díaz. La orquesta para el álbum estaba conformada por Joe Cuba, congas y coro; Norberto Cruz, piano; Phil Díaz, vibráfono; Johnny Rodríguez “Dandy”, bongoes; Benjamín Rosario y Bobby Rodríguez, bajo; Cándido Rodríguez y Jimmy Sabater, timbales; Chivirico Dávila, Jr Soria, Willie Torres, Jimmy Sabater; Willie Amadeo, coros.
En 1995, Joe conforma una big band con la cual graba el álbum STEPPIN’ OUT… AGAIN!, (Envidia 606049), en el cual se incluyen los temas El Regreso; Medley Part I; El Viernes Social; Pan Con Queso y Salami; Aprendiendo Inglés; The Latin Way; Mojame; Steppin’ Out Again; Yo Loco Loco / Ella Loquita; y Medley Part II. La orquesta para el álbum estaba integrada por Isidro Infante,  piano; José Gallegos y Hugo Fattoruso, piano y teclados;  Johnny Torres, bajo; Sergio Brandao, bajo y brazilian chavaquihno; A.J. Mantas, vibráfono; Joe y Papo Pepín, congas; Rey Colón, bongos; Memo Acevedo, batería; Mark Quiñones, timbales; Héctor Zarzuela e Ite Jérez, trompetas; Ozzie Meléndez y Tom Malone, trombones; Nelson Hernández, saxo barítono; Mauricio Smith, flauta; y Alfredo Torres, vocalista.
En 1998, el sello CHARLY publica el CD titulado SALSA Y BEMBÉ, (Charly CD-606), una compilación en la cual se incluyen los temas Cachondea; To be with you; So what?; Mujer; La lapa; Oriente;  y El hueso, entre otros.
En 1999, el sello SEECO publica el álbum JOE CUBA SEXTETTE CON CHEO FELICIANO, (Seeco 9349), una compilación con temas grabados para el sello, entre los que se incluyen Como ríen; A las seis; La lapa; Tremendo coco; y Ariñañara.Durante el boom de la Salsa, que inicia a principios de los 70, Joe Cuba, como otros grandes de la música afrocaribe, estuvo un tanto marginado de éste fenómeno musical, extraviándose en la vaporosa jungla del pop, perdiendo poco a poco su arraigo y popularidad. BIBLIOGRAFÍA 1.    Mambo Kingdom - Latin Music in New York. Max Salazar. Schirmer Trade Books. 2002.2.   To be with the Joe Cuba Sextet. Max Salazar. Latin Beat Magazine, Julio 1992.3.   Joe Cuba: Una vida hecha de sextetos. Sergio Santana A. Rumbantana, Audición N° 39.4.   Joe Cuba: innovador artífice del sonido latino. Hiram Guadalupe Pérez. Primerahora.com5.   El sabroso ritmo de Joe Cuba. Aníbal Cotes Ojeda. Revista Panorama, El Heraldo, Sep    15 de 1997.6.   Cheo Feliciano: to hell and back. Max Salazar. Latin Beat Magazine, Dic/Ene 1999.7.   Interview: Cheo Feliciano. Abel Delgado. Descarga.com. Internet.8. Cheo Feliciano: La voz más privilegiada del pentagrama salsero. Hiram Guadalupe Pérez. Primerahora.com. 

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BIOGRAFÍA DE LUISITO CARRIÓN

 

Nacido el 26 de octubre de 1962 en el pueblo de Arecibo, Ángel Luis Carrión Cáceres se interesó en la música desde muy pequeño, ya que su padre era Ángel Ruiz Carrión, director musical de la Orquesta Kafé, un conjunto que interpretaba salsa, boleros y merengues, y que integró al joven aspirante a artista a sus filas cuando éste sólo contaba con 13 años de edad. 

Contrariamente a lo que se podría esperar si se conoce su futuro, Luisito no inició su carrera como cantante, sino que lo hizo como trompetista de la misma agrupación, llegando a grabar sólo un año después de su incorporación lo que sería el primer álbum de su vida, con una participación que se plasmó en dos canciones.

Pero, cinco años después, lo que se mostró inicialmente como un hecho desafortunado terminó quitándole al mundo a un trompetista y dándole un nuevo sonero. “Tuve un accidente automovilístico en 1980, lo que me llevó a usar una silla de ruedas durante muchos meses”, recuerda el artista. “Como perdí tres dientes, se me hizo muy difícil tocar la trompeta, y decidí convertirme en cantante, todavía en la orquesta de mi papá”.

 

Luisito parecía destinado a seguir los pasos musicales de don Ángel, ya que al igual que éste, se desempeñó durante algún tiempo como locutor radial, aunque se vio a veces forzado a realizar trabajos ajenos a su pasión, como echarle gasolina a los automóviles que pasaban por una estación cercana a su localidad. “De todos modos, tuve la inmensa suerte de poder cantar siempre la música que me gustaba, porque después de la Orquesta Kafé pasé a La Nativa, Idé XIII y Concepto Latino”, agrega.

En sus primeras actuaciones, cantó junto con Celia Cruz, Adalberto Santiago y Santitos Colón. Más adelante formó parte de Salsa Fever junto con Julio ‘Gunda’ Merced, de donde vienen varios éxitos tales como “Renta de Amor” Aguas Negras. y “Por alguien que se fue ”. Después, se unió a la Orquesta de Bobby Valentín, donde cantó éxitos como “El Señor de las Señoras”, “Me diste de tu agua y “Como lo hago yo”. En su proceso evolutivo, Luisito se unió a la Orquesta Don Perignon donde cantó exitosas canciones como “La Fuga” y después se unió a la Sonora Porceña, donde interpretó canciones como “Yaré”…

En 1997, grabó con Roberto Roena y Su Apollo Sound en la producción “Mi música 1997”. A finales de los años 90, Carrión comienza su carrera como solista con la compañía discográfica MP Records, junto con Julio Gunda Mercéd y Rafael Bodo Torres, lo que origina éxitos como Sin tu amor, “La Chica Más Popular”, “Nadie Como Tu”, “Porque”, “Amiga Mía”, “Muriendo”, “Como Ave Sin Rumbo” y “Para Ser Real”. Hoy en día, Luisito Carrión es considerado como uno de los mejores soneros boricuas de la actualidad.

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Muere Eydie Gorme, la voz femenina que acompañó a Los Panchos

 

Era la cuarta mosquetera del trío mexicano Los Panchos, la voz femenina de tres octavas que acompañó a Frank Sinatra y que cautivó con boleros románticos al público de los centros de espectáculos de Las Vegas. La cantante estadounidense Eydie Gorme falleció este sábado en un hospital de Nevada a los 84 años, después de una breve enfermedad que no fue desvelada, ha informado su publicista.

Gorme comenzó su éxito en la música anglosajona en 1963 con la canciónBlame It On The Bossa Nova y se introdujo en el mercado hispanohablante al grabar Amor en 1964 con Los Panchos. Su carrera despegó una década antes cuando en 1953 se sumó al elenco delTonight Show de la cadena NBC, ahí conoció al también cantante Steve Lawrence con quien se casó en 1957.


La cantante tuvo dos hijos con Lawrence -Michael y David- y juntos continuaron con su carrera musical principalmente en los centros nocturnos de Las Vegas. "Eydie ha sido mi compañera en el escenario y en la vida por más de 55 años. Me enamoré de ella desde el primer momento en que la vi y aún más cuando la escuché cantar por primera vez", ha expresado Lawrence en un comunicado tras el fallecimiento de Gorme.

La popularidad de Gorme en América Latina llegó en la década de los 60 cuando por una propuesta de su compañía discográfica, Columbia Records, grabó un álbum con el trío de los mexicanos Chucho Navarro y Alfredo El Güero Gil, que desde 1944 ya habían conquistado Nueva York con sus boleros románticos y su famosa guitarra requinto. Gorme hablaba igual español que inglés desde niña porque aunque nació en Nueva York en 1928, era descendiente de inmigrantes hispano-judíos.


Entre sus éxitos en español al lado de Los Panchos están boleros comoHistoria de un amorNosotrosSabor a míVereda tropical y Piel canela.Gormé hizo giras al lado de Frank Sinatra y en los últimos años sólo montaba espectáculos al lado de su marido. En 1986, su hijo Michael falleció de una falla cardiaca y Gorme se retiró por un tiempo de los escenarios, pero volvió a cantar durante la última década. "El mundo ha perdido una de las más grandes vocalistas de todos los tiempos", ha comentado Lawrence sobre la muerte de la cantante.


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Biografia: Luis "Tata" Guerra

 

Luis Tata Guerra, miembro de una familia humilde y trabajadora es el ultimo de 4 hermanos, nace de una tradicion musical, su padre tocaba guitarra, ademas mu hermano mayor Emerio Guerra es guitarrista en la habana.

Luego estudia musica y saxofón en la Escuela Salesiana de Guanabacoa. Aprende a tocar la tumbadora, y los ritmos de Rumba y Guaguanco en su barrio en la decada de los 50.

Integro la Orquesta Almendra 1954 realizando presentaciones en los mejores centros nocturnos de la isla. Ensayó con el Conjunto Casino y con el de Arsenio Rodriguez.
En el año 1956 llegó a Colombia con la Orquesta Cuban Swing, se quedo por 4 años trabajando con las agrupaciones Sonera del Caribe y la Orquesta de Pepe Reyes (cantante cubano). de allí siguio a Venezuela donde radica desde el año 60.

El maestro Guerra posee una amplia trayectoria como musico por su actividad en diferentes agrupaciones tales como: Los Melódicos, Victor Piñero y sus Casiques, Aldemaro Romero, Chucho Sanoja, El Pavo Frank, y acompañando en la percussion en Caracas a Tito Rodriguez, Miguelito Valdez, Rolando Laserie, Daniel Santos, Olga Guillot, Ruben Blades, Paco de Lucia, incluyendo al Rey del Timbal Tito Puente y muchos Otros.

Sus composiciones han sonado en los medios de comunicación de Santo Domingo, España, Cuba, Puerto Rico, Colombia, Venezuela.

La Composición "Son Matamoros" dedicada a ese famoso trio cubano, fue incluida en la pelicula "Salsa" allí participaron: Celia Cruz, Tito Puente, Mongo Santamaria, el Grupo Niche y otros Valores. Fue miembro de la Orquesta de VTV (canal 8), durante 23 años, (1965-1991).

Integrante y Director del trio Hermanos Rodríguez, en el año 1994 viajaron a las Islas Canarias invitados por el Presidente Hermoso, y son muy conocidos alli por el exito "Son Canario" (composición del mismo Guerra).

de nuevo en 1999, regresaron a las Islas Canarias estando por mas de 2 meses, ademas de presentarse en el fabuloso The Trump Taj Mahal Casino Resort en Atlantic City, New Jersey.

En la actualidad presenta su programa "RAICES CARIBEÑAS" por ANTV.

Cuando se Habla de Composiciones, Luis TATA Guerra es ampliamente conocido a nivel Internacional.

Tata Guerra Junto a Phidias Danilo Escalona y Tito Puente.


Foto Actual Para la Fecha: 30/10/2009 en el evento. CLAUSURA DEL MES DE LA SALSA EN CARACAS, en la foto posa con la Productora Radial Jessica Peñalver de la Radio Fe y Alegria.

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Biografia: Willie Rosario "Mr. Afinque"

 

El músico Willie Rosario es una de esas figuras del pentagrama de la salsa que han cargado sobre sus hombros la lucha por la permanencia del género, lidiando contra las adversidades que, en muchas ocasiones, impone el mercado artístico.
A sus 74 años de edad, el veterano percusionista aún mantiene viva la más arraigada tradición del quehacer salsero, ostentando una agrupación que por más de cuatro décadas ha cultivado un historial musical colmado de éxitos.
Su propuesta artística, montada sobre el patrón armónico de cuatro trompetas y un saxofón barítono, se consolidó temprano en los años 60, luego de haberse nutrido de múltiples experiencias como líder de orquesta y bajo la sombra de la agrupación de Johnnie Seguí.
Se formó como guitarrista
Natural del pueblo de Coamo, donde nació el 6 de mayo de 1930, en la calle Ramón Emeterio Betances, Fernando Luis Rosario Marín, su nombre de pila, comenzó sus pasos en la música atraído por el sonido de la percusión.
Recuerda que al salir de la escuela, con siete años de edad, solía entretenerse tocando sobre unas latas de galleta en el balcón de su casa, imitando el sonido de las orquestas de Rafael Muñoz y el Sexteto Puerto Rico.
Su madre, asombrada por la pasión artística del niño, no dudó en enviarlo a estudiar guitarra, tan pronto se anunció en su pueblo la inauguración de la primera escuela de música, en el año 1942.
Para entonces, Willie Rosario tenía 12 años de edad y aprendió a solfear y familiarizarse con el valor de las notas musicales gracias al empeño del profesor Juan Suárez, el único maestro de música que había en el pueblo.
"Las clases tenía que tomarlas fuera del salón porque cuando se creó la escuela yo estoy graduándome de noveno grado y estaba pasado de edad. Sin embargo, Juan Suárez me atendía detrás de la cortina donde estudiaba Bobby Valentín, Willie Rodríguez, Luis Manuel Rodríguez y Carlos Luis Martínez ('Coamito')", comenta.
Recién cumplidos sus 15 años de edad, logró su primera experiencia musical junto a un grupo de amigos de su pueblo que habían formado el Conjunto Coamex y en el que necesitaban un bajista.
"Yo sabía un par de tonos en la guitarra y cuando hacen el grupo no hay quien tocara el bajo, y yo lo hice tocando los acordes de la guitarra", asegura.
Esa experiencia, aunque efímera, fue importante en su formación y determinante para lo que años más tarde desarrollaría en la ciudad de Nueva York.

Obrero, militar, artista y periodista
Willie Rosario abandona el país junto a su familia en el año 1947, como consecuencia de la estrechez económica de la época, situándose en la "Gran Manzana" al igual que otros miles de puertorriqueños para quienes la emigración representó una alternativa para mejorar su condición de vida.
A su arribo a Estados Unidos trabajó de obrero en el Departamento de Correos de la Joyería Cartier –ubicada en el privilegiado sector de la Quinta Avenida de Manhattan–; también laboró en la fábrica de gabinetes de oficina Arts Steel Company y fue comisionista de bodegas. Años más tarde, se enlistó en el ejército, justo en el periodo en que se gestó la agresión contra Corea.
Siendo militar, Willie Rosario fue de visita en una ocasión al salón de baile El Palledium y quedó deslumbrado al ver a Tito Puente tocando los timbales de pie.
"Nunca lo había visto (a Tito Puente) y me entusiasmó su estilo, por lo que decidí que quería aprender a tocar percusión y comencé clases con un judío que se llamaba Henry Adler y con un músico famoso de esos años de nombre Willie Rodríguez, hermano de Augusto Rodríguez, el fundador del coro de la Universidad de Puerto Rico", narra.
Tras concluir sus años de soldado, en 1952, regresó a Puerto Rico a visitar a su familia, estadía que se prolongó por un año al ser convidado a formar parte de la orquesta Fiesta, en calidad de baterista, sustituyendo a Mon Rivera.

"Cuando llegué a Coamo había varios muchachos del pueblo que habían hecho un grupo. Estaba 'Coamito', Waldo Seda y Luis Guillermo Ortiz, y con ellos estuve un año y también hice algunas cosas con tríos y conjuntos de poco reconocimiento y sin nombre", dice el músico, quien retornó a Nueva York en 1953 para cumplir unos compromisos con la orquesta Fiesta y decidió no regresar a Puerto Rico.
Ese mismo año conoció a Johnnie Seguí, quien le ofreció trabajo en su orquesta, que para entonces había establecido una pauta en la sonoridad latina, al armonizar su grupo con el sonido de cuatro trompetas antes de que esa fórmula fuera utilizada por Tito Puente y Tito Rodríguez.
"Ahí tuve mi escuela. Aprendí de la disciplina de una orquesta, a ser responsable, honesto, a manejar un grupo y a vestirme bien. Ésa fue la base para formar mi agrupación", sostiene.
Junto a Johnnie Seguí grabó el álbum "Cha cha chá", recordado por los éxitos "El bodeguero", "Duerme" y "Tati", un tema de Rafael Hernández. También hizo varios discos de 78 y 45 rpm, en los que se destacaron las melodías "Malcriada" y "Nicolasa".
En esos años también colaboró con el conjunto de Joe Quijano y el grupo del pianista venezolano Aldemaro Romero, de lo que afirma "fueron experiencias de un tiempo".
Mientras se desempeñaba como músico, Willie Rosario decidió cursar estudios universitarios e ingresó a la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Gannon, en la ciudad de Erie, en Pennsylvania, donde se especializó en periodismo radial. Como reportero obtuvo su primera oportunidad laboral en la estación radial WALO, de Nueva York, donde se inició en un programa de recetas de cocina en compañía del conocido músico Machito Grillo y su hermana Graciela.
Esa experiencia le permitió, además, conocer a los más distinguidos músicos de la época y establecer con solidez su nombre en las listas de las figuras más destacadas del mundo musical latinoestadounidense.
Marcando el ritmo
El trabajo musical de Willie Rosario es fiel a la tradición de las orquestas bailables.
Confiesa que Tito Puente le recomendó que siempre procurara que su nombre y su foto encabezaran la carátula de sus discos porque, según recuerda las palabras del "Rey del Timbal", "no es que uno sea egoísta ni mala gente, pero pon sólo tu nombre en la carátula porque tú siempre vas a estar ahí y cuando pones el nombre de un cantante ellos se levantan un poco y se creen que son la orquesta".
A finales de los años cincuenta fungió como timbalero designado en las orquestas de Tito Puente y Tito Rodríguez, de quienes confiesa haber aprendido "cómo hacer esa clase de música, aunque luego nuestra generación elaboró su propio sonido y estilo".
El artista asegura que nunca le interesó destacarse como solista en su propia orquesta, más se concentró en armar un sonido orquestal en la que los músicos lograran un desempeño honroso supeditado al patrón armónico de la pieza.
Uno de los momentos más duros de su carrera musical ocurre cuando lo desplazan de la dirección de la orquesta en el Club Caborrojeño porque, señala, en ese tiempo su mamá estaba muy enferma y necesitaba el trabajo.
La diferencia del tiempo de entrada de Gilberto Santa Rosa y Tony Vega a la orquesta fue de meses, igual que sus respectivas salidas.
Los éxitos "Lluvia" y "Botaron la pelota" no fueron considerados para incluirse en una producción discográfica, pero la reacción del público fue tan favorable que se decidió grabarlos.
Con la salida de Gilberto Santa Rosa también se produjo la partida de Jimmie Morales (conga), Tito Echevarría (bongó) y Mario Viera (coro).
Cuenta Willie Rosario que cuando Tony Vega abandonó la orquesta Junior Rosado, que estaba a cargo del sonido, completó la sección de coros cantando detrás de una cortina.
Tony Vega regresó al grupo al poco tiempo de su partida, aunque se trató de una presencia efímera.
La orquesta de Willie Rosario fue nominada a un premio "Grammy", en 1987, por su álbum "Nueva Cosecha", en el que cantan Gilberto Santa Rosa y Tony Vega, compitiendo con Mario Bauzá, Willie Colón y Rubén Blades.
La orquesta se mantiene vigente con la participación de los cantantes Canito Rodríguez ("El Canito de Sabana Seca"), Omar Negrón y David Anastacio.

Arquitecto de un sonido diferente
Fue en el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.
En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo.
Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeño, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro años.
"Cuando me dan el contrato en el Caborrojeño me exigieron que había que tener un cantante de mucha fama porque allí estaba Joe Valle que era una de las voces más privilegiadas que había en el ambiente. Yo acepté que fuera así porque lo que quería era tener la oportunidad de estar en el club, que era de los más visitados", asegura el artista, quien durante el periodo que permaneció en el club acompañó a figuras como Vitín Garay, Chivirico Dávila y Yayo El Indio.
Este último, que hasta ese momento figuraba sólo como una atracción especial del local, se integró a la orquesta de Willie Rosario tras la salida de Chivirico por diferencias con el propietario del club.
Fue en el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.
En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo.
Willie Rosario acompañado de Silvestre Méndez (izq.) y Nelson Pinedo (der.) en el Teatro Puerto Rico de NY en 1955. (Colección Willie Rosario)
Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeño, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro años.
"Cuando me dan el contrato en el Caborrojeño me exigieron que había que tener un cantante de mucha fama porque allí estaba Joe Valle que era una de las voces más privilegiadas que había en el ambiente. Yo acepté que fuera así porque lo que quería era tener la oportunidad de estar en el club, que era de los más visitados", asegura el artista, quien durante el periodo que permaneció en el club acompañó a figuras como Vitín Garay, Chivirico Dávila y Yayo El Indio.
Este último, que hasta ese momento figuraba sólo como una atracción especial del local, se integró a la orquesta de Willie Rosario tras la salida de Chivirico por diferencias con el propietario del club.
En 1962, Willie Rosario abandonó su participación en el Caborrojeño, alegando haber sido víctima de un "golpe de Estado".
"Al cabo de unos años de estar en el club, Yayo El Indio se empeñó en tener una orquesta y el dueño, como él era famoso, me sacó y me dejó sin trabajo. Ahí me fui a la calle a meterle el pecho de verdad al negocio y hago una (banda) nueva porque todos los músicos que tenía se quedaron en el club, excepto uno, el único honesto y decente: Bobby Valentín", comenta.
De esa manera, Willie Rosario inició una nueva etapa en su carrera armándose de una batería de músicos encabezada por Rudi Martin (piano), Izzy Feliú (bajo), Luis Rodríguez (conga), Bobby Valentín (trompeta), Eddy Snell (trompeta), Tony Cofresí (trompeta) y Frankie Figueroa (voz), y con quienes produce, en 1962, su primer disco, "El bravo soy yo".
Para entonces, el nombre del timbalero era reconocido en las lides musicales, no tan sólo por su rol de líder de orquesta, sino por su participación con el músico Herbie Mann y como miembro de la familia Alegre All Star, con quien participó en los discos "Way Out", "El Manicero" y "Perdido". También figuró en el disco "Salsa máxima", junto a Cesta All Star.
En 1964, produjo el disco "Fabulous and Fantastic", que incluyó, entre otros, los temas "Los generales de la capital", "A Villa Palmeras" y "Nos engañó la vida", interpretados por Frankie Rodrí-guez, seguido por "Latin Jazz Go-Go-Go" (1965), "Haida Huo" (1966) y "Boogaloo and Guaguancó" (1966), en los que se destacó como vocalista Paquito De Jesús, quien sustituyó a Frankie Rodríguez luego que éste se marchara a Puerto Rico para formar parte de la orquesta de César Concepción, para más tarde integrar las bandas de Nacho Rosales y Memo Salamanca, en México.
Innovó con su propuesta armónica
Una de las grandes aportaciones de Willie Rosario a la salsa fue la elaboración de una propuesta armónica novel, que a poco fue sellando su identidad sonora matizada por la combinación de cuatro trompetas y saxofón barítono, un experimento hasta entonces no explorado.
"Traté ser lo más original posible, con un estilo que nos distinguiera, por lo que pensé en añadir un violín, un clarinete y hasta un trombón, pero un día visite un salón de jazz en Nueva York, el Blue Note, y estaba tocando Jerry Moligan, que era un virtuoso del barítono, e hizo unos pasajes del piano, el bajo y el barítono en un tema de bossa nova que cuando lo oí supe que era lo que quería", comenta el veterano percusio-nista.
Desde entonces, la orquesta se distinguió por el uso del saxofón barítono en combinación con la armonía de cuatro trompetas provocando un sonido diferente y profundizando la esencia rítmica del grupo, concepto que se consignó en la producción del álbum "Too Too Much" (1967), en el que, además, reaparece la participación de Frankie Figueroa en la parte vocal, junto a Pete Bonet y Willie Torres.
El trabajo artístico de Willie Rosario prosiguió con la producción "El bravo de siempre" (1968), un trabajo que marcó una huella en la salsa con el éxito "La cuesta de la fama", en voz de Meñique Baltasnegras. Este álbum también incluyó "La esencia del guaguancó", "La realidad" y "Superman", entre otros.
En el año 1970, Willie Rosario reclutó al cantante Chamaco Rivera, quien es recordado por el éxito "De Barrio Obrero a la Quince", incluido en el álbum "De donde nace el ritmo" (1970), seguido por "Más ritmo" (1972), ambos con arreglos de Louis Ramírez y José Luis Cruz.
Estas producciones marcan la frontera para la transición del proyecto musical de Willie Rosario, quien a partir de ese momento optó por continuar su propuesta desde Puerto Rico, dejando atrás el mundo neoyorquino en el que se curtió.
Los años dorados de "Mr. Afinque"
Tras varias décadas vinculado al mundo musical latino de Estados Unidos, el timbalero Willie Rosario optó por radicarse en Puerto Rico, convirtiéndose en una de las figuras salseras más productivas y solicitadas de la década del 70 y 80.
Su opción de mudarse a la Isla, asegura, estuvo motivada por una combinación de factores familiares e intereses comerciales.
"Yo no quería que mis hijos se criaran en Nueva York, no me gustaba ese ambiente para ellos y prefería que crecieran aquí. Además, cada vez que me encontraba con la Sonora Ponceña y El Gran Combo me contaban que mi música se escuchaba mucho en Puerto Rico y que había mucho trabajo, entre fiestas patronales y graduaciones", sostiene.
De esa manera, el músico se instaló en su patria acompañado de su orquesta, y al cabo de unas semanas regresó a la "Gran Manzana" para cumplir con varios compromisos, momento en que su cantante, Chamaco Rivera, le indicó su interés de no regresar a la Isla, siendo reemplazado por Junior Toledo.
"Junior era el cantante nacido para la orquesta y es cuando nos levantamos bien y la cosa se puso fuerte", acota.
El primer trabajo de esta nueva era de la orquesta fue "Infinito" (1973), al que le siguió "Otra vez" (1975), consagrados por los éxitos "Juventud siglo 20" y "Casualidades", respectivamente.
A partir de ese momento, el veterano percusionista destacó en sus producciones discográficas a más de un cantante, incorporando la participación de Bobby Concepción y Guillo Rivera, con quienes produce "Gracias mundo" (1977).
Empero, las siguientes producciones de la orquesta, "From the Depth of my Brain" (1978) y "El rey del ritmo" (1979), no contaron con la participación de Concepción.
Diferencias entre Willie Rosario y Junior Toledo, que el líder de orquesta atribuye a problemas de disciplina, desembocaron en la salida del cantante, quien, dice Rosario, alentó la renuncia del grupo de su contraparte Guillo Rivera para desencajar lo que había sido hasta el momento una fórmula ganadora.
Justo en ese momento se incorporó en el grupo al joven cantante Tony Vega, que hasta entonces había participado en la orquesta de Raphy Leavitt y La Selecta.
"Junior (Toledo) y Guillo (Rivera) se van un jueves del grupo y al otro día estábamos tocando en Canóvanas. Llamé a Tony Vega y también me comuniqué con Bobby Concepción y Chamaco Rivera, que en esos días estaba en Puerto Rico, y así nos estuvimos defendiendo un par de semanas, hasta que le hablé a (Gilberto) Santa Rosa", cuenta el líder de la banda.
El primer álbum al mando de Tony Vega fue "El de a 20 de Willie" (1980), en el que también grabó Bobby Concepción y que logró éxito con el tema "Mi amigo el payaso". Luego, en 1981, la orquesta despuntó con el binomio Tony Vega y Gilberto Santa Rosa, en una periodo de cinco años colmado de fama y que se consignó en las producciones "The Portrait of a Salsa Man", "Atízame el fogón", "The Salsa Machine" –el último en el que participó Bobby Concepción–, "Nuevos Horizontes", "Afincando" y "Nueva cosecha", en el que se une como vocalista Pupy Cantor.
Esa fue la época gloriosa de "Botaron la pelota", "Lluvia", "Busca el ritmo", "Negrita linda" y "El antifaz", entre más de una decena de consabidos éxitos.
A partir de 1987, la salida de Tony Vega y Gilberto Santa Rosa maró un derrotero nuevo para la banda del también conocido "Mr. Afinque", quien mantuvo su proyecto musical con la participación de Pupy Cantor y Josué Rosado, para más adelante integrar a Primi Cruz (responsable del éxito de "Anuncio clasificado"), Bernie Pérez, Henry Santiago, Rico Walker y Ángel Luis Vergara.

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El cariño que te tenemos, Compay

 

Se cumplen 10 años de la muerte del legendario guitarrista y cantante cubano, máximo representante del son, que tras atravesar un periodo de ostracismo fue rescatado del olvido por Ry Cooder y Santiago Auserón | Warner lanza un recopilatorio que resume su extensa trayectoria


"Yo nací en Siboney, en la provincial de Oriente, donde el sol es más caliente". Lo cantaba Compay, jacarandoso, recordando sus orígenes en aquel pueblo donde jugaba con cangrejos. "Les ataba a laticas con los hilos que sacaba de las sandalias que tiraban los gallegos que vivían al lado de mi casa". Allí vio el mundo por primera vez en 1907, con el nombre de Máximo Francisco Repilado Muñoz, y casi se fumó un siglo entero. La muerte le alcanzó en 2003, con 95 años, un 14 de julio. Este domingo se cumple pues el 10° aniversario de su despedida. 

En ese tiempo Compay Segundo dejó un rastro intermitente de fulgores y silencios, que al final, gracias sobre todo a Ry Cooder y su emblemático proyecto Buenavista Club Social (1997), en el que rescató la música tradicional cubana que se hacía antes de la revolución, alcanzó un reconocimiento y una repercusión a la altura de sus méritos. Pero al César lo que es del César: Santiago Auserón, que desde los 80 rastreaba los orígenes del son cubano, ya antes (1996) había producido con La huella sonora una antología que repasaba toda su obra. Ahora Warner, con motivo de la efeméride redonda ha lanzado un álbum que resume en 20 temas la carrera del carismático músico, con versiones como Enamorada y Malagueña de Agustín Lara, el Guantanamera de Joseíto Fernández y composiciones propias: Te doy la vidaTe apartas de mí y, cómo no, Chan chan

Esta última canción es la que escogió Cooder para abrir su disco recopilatorio, que se alzó con varios premios Grammy. Compay era un fósil viviente (muy viviente y muy enérgico) de aquella época prerrevolucionaria, envuelta en la leyenda romántica. El guitarrista norteamericano, que lo conocía de haberlo escuchado en vinilos adquiridos en tiendas de Nueva York, cuando se enteró de que todavía estaba vivo se fue corriendo a buscarle: "Compay era lo quedaba del son auténtico. Él tenía el sentimiento, la esencia". 

Compay se encaprichó de la guitarra con siete años, en 1914, cuando entró en su casa el músico Sindo Garay. "Bajó del tren y llamó a la puerta para preguntar si podía asearse un poco. Después de hacerlo alguien le pidió que tocara una cancioncita. Fue la primera vez que escuché este instrumento y me emocionó". Dos años después se trasladó con su madre y sus siete hermanos (eran cuatro mujeres y cuatro hombres) a Santiago de Chile. Allí había trabajo y posibilidades de abrirse nuevos caminos, mientras que Siboney, tras la guerra colonial, había ido quedando desplazada de las rutas de minerales. 

En Santiago vivían frente a una tabaquería, lugar donde el músico empezó a ganarse la vida. Una profesora de violín le pidió un día que le acompañara con su guitarra. Cuando se dio cuenta que Compay no tenía ninguna formación y que tocaba de oído, le sugirió que fuera a ver al director de la banda municipal de Santiago de Chile. Entró como educando y aprendió a tocar el clarinete, instrumento que compró a su empleador en la fábrica con la manufacturación de 5.000 puros a cambio. 

Pero Compay nunca dejó la guitarra. En realidad, el armónico, un instrumento que se sacó él mismo de la manga al fundir el tres cubano (guitarra con tres pares de cuerdas) y la guitarra española: le quedó un guitarra de siete cuerdas de la que ya no se separó nunca más. Rasgueando este artificio y con su voz de barítono, se fue haciendo un hueco en las emisoras cubanas, en formaciones como Cuarteto de Trovadores Orientales y el Cuarteto Huatey. Aunque fue en los cuarenta, junto a Lorenzo Hierrezuelo, con el que formó el dúo Los compañeros, el periodo en el que cobró mayor celebridad por toda Latinoamérica. De esta época data su nombre artístico. Compay era una manera coloquial cubana de decir compadre. Y lo de segundo le viene porque con su voz articulaba los tonos bajos sobre los que se lucía Hierrezuelo. 

En 1955 se separan y la trayectoria de Compay, a partir de ese momento, atraviesa un prolongado tramo de discreción. Funda un nuevo grupo al que bautiza Compay Segundo los muchachos. La revolución de los barbudos le pilla con el armónico en la mano. Solía rememorar aquella curiosa circunstancia, divertido: "Estábamos grabando un disco en un estudio de la calle San Miguel, muy cerca del Palacio y empezamos a escuchar los tiros. No paramos. Por eso digo que a mí no me cambia una nota ni un tiro ni una bomba". 

Justo antes del rescate de Cooder, un periodista cubano contaba que en un concierto de Compay y sus muchachos en la Habana el público asistente lo constituía una pareja. Y nadie más. En esa época los pocos escenarios que pisaban eran los del algún hotel, para amenizar veladas a los turistas. PeroBuena Vista Club Social relanzó la carrera de ese ramillete de portentos de la música de raíz cubana, cuyos sones procedían de África y durante varias décadas muchos de ellos tuvieron que ganarse la vida como liadores de tabaco ("Estuve 18 años liando Montecristos, sin faltar un solo día", recordaba Compay), chóferes e incluso limpiabotas, como Ibrahim Ferrer. 

Con Compay la justicia poética jugó su papel redentor. Gracias a Auserón y Cooder hoy su música no se ha extraviado en las grutas del siglo XX. Y cada vez que suena una isla entera vibra sobre el mar Caribe. El cariño que tenemos nunca te lo vamos a negar, Compay.  

ALBERTO OJEDA | Publicado el 11/07/2013

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Wladimir Lozano, la voz hermana de Oscar y el alma del bolero

 

 

ÁNGEL RICARDO GÓMEZ |  EL UNIVERSAL
miércoles 12 de junio de 2013  12:00 PM
Por una u otra razón, ya no cantan juntos, pero es uno de los dúos más recordados de la música popular venezolana. No hay fiesta en la que no se escuchen éxitos de la Dimensión Latina como Divina niñaMi adorada Taboga,que inicia Wladimir Lozano y cierra con el soneo de Oscar D’León.

Uno y otro saltan al estrellato precisamente en la Dimensión Latina, una orquesta que le da personalidad propia a la salsa venezolana en los años 70. Es en 1973 cuando ingresa Wladimir Lozano a una agrupación donde ya cantaba Oscar D’León.

Nacido el 2 de marzo de 1950, Wladimir Lozano venía con bastante experiencia: desde niño formó parte de corales estudiantiles y cantaba en misas de aguinaldos en Catia. El pequeño es alentado por su madre, Josefina Lozano de Rodríguez, a participar en el programa Joselo lo hace estrella. De allí saltaría al del Pavo Ledezma. También es recordado su paso por el espacio Juventud Folklore, con Oscar García.

Con menos de 15 años cantaba con el arpista Andrés Eloy Blanco, versiones de clásicos venezolanos como Rosario y Valencia. Con Blanco actúa en locales nocturnos -con permiso de sus padres- y entra en un estudio de grabación por primera vez.

En sus toques en locales nocturnos como La Cueva del Oso, El Jacal, El Último Tango, El Ejecutivo y La Distinción, conoce a Kiko Pacheco, "Culebra" Iriarte y Alexis Marrero, quienes lo invitan a formar el cuarteto Los Brothers.

En 1971 trabaja con Frank y sus inquietos y luego es llamado por Oscar D’León para cantar con Los Psicodélicos. Más tarde César Monge "Albóndiga", Chuíto, Oscar, José Rodríguez, José Antonio Rojas y Elio Pacheco deciden formar La Dimensión Latina, que capta a Lozano como bolerista.

Tras la salida de Oscar D’León de la Dimensión en 1975, este forma la Salsa Mayor y se lleva a Wladimir. De una muy corta existencia, de la orquesta surgen éxitos como Dulce desengaño y María.

Desde entonces Wladimir ha hecho carrera en solitario convirtiéndose, para muchos críticos, en uno de los grandes boleristas de Venezuela junto a Felipe Pirela y Rafa Galindo, con una trayectoria importante en Colombia, Perú y Costa Rica.
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TITO NIEVES / Biografia Musical

Tito Nieves

Cantante 
Lugar de nacimiento: Río Piedras, Puerto Rico

 

Tito Nieves creció en un ambiente musical. Natural de Río Piedras, Humberto Nieves llegó a Nueva York cuando tenía solamente un año. Su padre tocaba guitarra con varios tríos, y su tío fue el conocido compositor, cantante y guitarrista Miguel Angel Amadeo. Con esta influencia Tito decidió estudiar guitarra, bajo y batería.

La carrera profesional de Tito Nieves se inició en el 1975 con la Orquesta Cimarrón. Cuando el cantante Rafael de Jesús se fue de Cimarrón, Tito Nieves se convirtió en el cantante principal y permaneció con ellos durante dos años. Entre 1977 y 1978, Tito Nieves ingresó a la orquesta de uno de sus ídolos, Héctor Lavoe, influyó grandemente en la carrera de Nieves. Compartiendo al lado de una de las voces más importantes de la salsa, Tito Nieves tuvo la oportunidad de aprender valiosas lecciones que posteriormente le serían muy útiles en su carrera como solista. En 1979, Tito Nieves grabó por primera vez como cantante principal para la Orquesta Taibori, una oportunidad que le ofreció el compositor Johnny Ortiz. También grabó para la orquesta Jaime Castro y La Masacre.

Todas estas experiencias lo prepararon para, junto a Ramón Rodríguez y Ramón Castro, formar una de las sensaciones de la década del ochenta: El Conjunto Clásico.

Este conjunto rápidamente se estableció como una de las agrupaciones más importantes dentro del mundo musical afrocaribeño. Buena parte del triunfo de la agrupación se debió a la presencia en el escenario de Tito Nieves, quien con su voz inconfundible creó éxito tras éxito: "Los Rodríguez", "El piragüero", "Felicitaciones", "Faisán", "Sin rumbo alguno", entre mucho otros. Con el Conjunto Clásico, Tito tuvo la oportunidad de viajar extensamente por Estados Unidos, el Caribe y América del Sur. Tito Nieves dejó esta orquesta legendaria en 1986, buscando nuevos horizontes.

En 1988 se le presentó la oportunidad de grabar para el sello RMM. Su primer gran éxito para la compañía fue el tema "Sonámbulo", una composición de Leo Casino, que aparece en su primer álbum para RMM, titulado "The Classic" que alcanzó un disco de oro. Con este álbum Tito Nieves definitivamente impuso su estilo interpretativo, lanzándose a conquistar los mercados internacionales, marcando la pauta para otros artistas que luego forman el núcleo de lo que se conoce como "El sonido de Nueva York", abanderado por RMM.

"Yo quiero cantar", el segundo álbum para este sello, trajo una agradable sorpresa. El tema en inglés "I'll Always Love You", llevado al estilo salsa, se convierte en un éxito en las radioemisoras angloparlantes. Gracias a éste y otros temas, el álbum alcanzó las cifras para acreditarlo como Disco de Oro. Con esta producción Tito Nieves amplió horizontes haciendo el famoso "crossover" al mercado anglosajón.

Su tercera producción "Déjame vivir" alcanzó un disco de platino, incluyendo los éxitos "De mí enamórate", "Te amo", "Déjame vivir", "Almohada" y "How To Keep The Music Playing". Su cuarta grabación se lanzó en junio de 1993 con el título "Rompecabeza". Inspirado en el suceso de sus temas en inglés, Tito decidió incluir dos canciones en este lenguaje "Can You Stop The Rain" y "You Bring Me Joy".

En 1995 salió al mercado su quinto disco, "Un tipo común", que fue producido en Puerto Rico por Cuto Soto y contó con arreglos de Ramón Sánchez, Julito Alvarado, Louis García y el mismo Cuto. La producción incluyó el tema "No me vuelvo a enamorar" del cantautor mexicano Juan Gabriel y con arreglos de Sergio George. Otra de las sorpresas del álbum fue la versión de Tito del tema clásico de Selena "No me queda más".

Tito Nieves definitivamente tuvo un fuerte impacto en el mercado anglosajón con su sexta producción grabada toda en inglés "I Like It Like That". Este tema lo llevó a grandes escenarios tales como el programa VIBE de la cadena televisiva UPN.

 

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Carlos "Tabaco" Quintana

 

"Había nacido el 15 de septiembre de 1943 y se empezó a formar como músico en las esquinas de San José, (...). La juventud lo llevó de la mano con la salsa brava callejera, la de la rebelión de los trombones de Palmieri y Mon Rivera y del sonido castinglés del sexteto de Joe Cuba. (...)

Y era tan largo que comenzaron a llamarlo "tabaquito", un tabaquito que esperaba que se terminara el día para encontrarse con el sabor musical lejos de la faena de limpiabotas y pregonero.

Nunca olvidó que salía como disparado hacia el 23 de Enero para escuchar los ensayos de un grupo que se estaba formando ahí. Corrían los años y corrían los ensayos mientras tabaquito iba conociendo uno a uno a los integrantes de esa agrupación hasta que en 1963, con veinte años encima, ya su amigo Elio Pacheco lo recomendó a Olinto Medina, el líder de esa banda. Olinto se disponía a ensayar "Guasancó" y el cantante no le llegó al tono. La recomendación de Elio surtió efecto y "Tabaco" hizo lo suyo, muy bien. Así el Sexteto Juventud tuvo nueva voz y algo más, porque Carlos Quintana se pudo pasear por todos los instrumentos de la agrupación.

JPEG - 22.4 koCarlos "Tabaco" Quintana y su Sexteto [1] [1] Lado A : Popeye el Marino, Dichoso, El Tren de Porky, Sueños, San Juan de Guaricongo.
Lado B : Mami, Contestación a mi Calvario, Dulce Mujer, Morir No Es Nada, Tu no estas en na’. VELVET 64113

(...)Poseía un timbre vocal casi mágico. Su voz se parecía asombrosamente a la de Ismael Rivera y ya sabemos lo que eso significaba en momentos en que Maelo era la referencia obligada desde las filas del Combo de Rafael Cortijo.

Con Quintana el Sexteto Juventud tuvo momentos de verdadera gloria porque si bien reflejaba la influencia de Joe Cuba crearon un estilo que sigue sin copia.

(...)

Además del arte vocal, Tabaco era un buen compositor, con buena vibra y reciprocidad en el pueblo. Todos los meses de septiembre iba a tocarle a los presos, en el día de Las Mercedes. Sentía lo que sentía un cautivo y por ello compuso "La Cárcel" (Qué malo es estar/ estar entre rejas/ y qué soledad/ qué soledad se siente...).

Junto a este tema dio a conocer "Mi calvario", pieza que se convirtió en todo un clásico. (Quisiera saber/ cuál fue la causa/ de nuestro olvido...).

Y así, entre grabación y toques, Tabaco, en el Sexteto Juventud, vio llegar a José Natividad Martínez, Naty, el flautista y amigo. Naty le vendió la idea de los metales a Quintana y éste, comprando, surgió de pronto con "Tabaco y sus metales" y grabó el tema de Pablo Álvarez "Una sola bandera" que fue un éxito de buenas dimensiones.

También grabaría "Agua de mayo" y su homenaje a los rumberos, "Tuntuneco".

En mayo de 1984 publicamos una entrevista muy rica con Tabaco en el Feriado de El Nacional. Casi enseguida llamaron para localizarlo. Lo invitaban al festival de Managua 84.

JPEG - 203 koTabaco 1982

Fue la primera vez que salió del país por aire. Se presentó al lado de 30.000 personas junto al Son 14, Amaury Pérez, Pupi Legarreta y Tania Libertad, entre otros. A su regreso me contó que los cubanos estaban asombrados porque pensaban que en Venezuela sólo existía Oscar D’ León, y que casi se desmaya cuando Daniel Ortega se le acercó para pedirle un autógrafo, y que tocó el cielo cuando Adalberto Álvarez y el Son 14 subieron con él a la tarima para cantar "Una sola bandera".

(...)

Sus sueños. Tenía dos : Grabar un disco en homenaje a Ismael Rivera, y hacer otro con boleros. Una vez en Macuto cantó junto a Ismael Rivera y para los dos fue una experiencia tremenda. En Guarenas, la musical y brava, concretamente en "Menca de Leoni" fue cocinando el sueño. Ayudado por Naty, comenzó a grabar el de Maelo en un disco que el sello Sonográfica no se ocupó de difundir después. No lo pudo concluir pues el cáncer se lo llevó al hospital donde también estaba hospitalizado Joe Ruiz. Ese disco lo concluyó vocalmente Ángel Flores. Tampoco pudo hacer el disco de boleros, él, quien tanto admiraba a Cheo Feliciano y a Tito Rodríguez.

Cuenta Naty que en más de una noche logró sacar a Tabaco del hospital para adelantar el álbum homenaje a Maelo. Sabía que Tabaco quería hacerlo, y complació al amigo, quien además, buscando alivio espiritual a su dolor físico, se fue a Los Teques, donde lo sorprendió la muerte el 30 de mayo de 1995. (...)"


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“JOSE LUIS MONERO Y RAFAEL MUÑOZ: ARTISTAS ROMANTICOS IMPERECEDEROS”

 

Jose Luis Monerò nació en Juncos, Puerto Rico, el 6 de abril de 1921.“En aquellos tiempos me pagaban .00 semanales, de los cuales me quedaban seis después de pagar la pensión en la que vivía en el Viejo San Juan”, recuerda. “Aquellos bailes eran matadores. Teníamos que tocar todos los días desde las nueve de la noche hasta que se fuera el último cliente”, recordaba con nostalgia. Jose Luis Moneró, insigne cantante de singulares aptitudes vocales se labró un espacio muy particular dentro de la cultura musical popular puertorriqueña, que hizo que se conociera en todos los rincones donde se hablaba español. Con su voz melodiosa y su fraseo maravilloso, este maestro de la interpretación del más puro bolero hizo verdaderas creaciones de temas como “Di corazón”, “Enojo”, “Sin ti”, “Caminos de ayer”, “Muñequita linda”(Te quiero dijiste), “Espérame en el cielo”, ”Niebla del riachuelo”, etc., que habla de otra época, donde las condiciones naturales eran el principal atributo del cantante, ya que no existían los adelantos técnicos que mas adelante aparecieron y el artista solo podía valerse de su propia voz en forma natural, y son esas asombrosas grabaciones que oímos con deleite lo que demuestra las cualidades de aquellos artistas, que sin artificios de ninguna naturaleza sobresalían conforme a sus dotes vocales naturales propias. Habla también de los tiempos difíciles de una sociedad boricua que en medio de guerras, escasez y deseos de sobreponerse a la adversidad, vivía una revolución pacífica en sus entrañas. En un país como Puerto Rico, donde el arte florece en cada esquina, esa bella Isla exportaba al Caribe y a toda América una música distinta, que entrañaba una lánguida tristeza, un lamento desgarrador y profundo. Cada cantante era dueño de su propio estilo, de su particular forma de decir la música, marcándose así toda una época romántica muy particular, y sin embargo en aquel tiempo sobresalió de manera muy especial y de forma espectacular el inmortal Jose Luis Moneró,emblemático bolerista de la isla del encanto con un acompañamiento musical extraordinario, con una orquesta que igualmente ocupó un sitial de honor dentro del generó musical puertorriqueño, como fue la siempre recordada Orquesta de Rafael MuñozIntroito: El Blog del Bolero.

 

Por ello se ha sostenido de manera sistematica que con ellos marcó toda una era acompañado por la orquesta del también inmortal Rafael Muñoz, con quien verdaderamente alcanzó todos sus éxitos convertidos para la posteridad en verdaderos clásicos inmortales del bolero, ya que con el maestro Rafael Muñoz se construyó la época de oro de Jose Luis Monerò. Al igual que muchos de sus contemporáneos en plena década del 40, José Luis Moneró emigró al Norte para establecerse en Nueva York. Allá tomó clases de trompeta con el famoso músico norteamericano Charles Colin. Tocó y cantó con leyendas como Noro Morales y José Curbelo. Hasta que un buen día fue reclutado por Xavier Cougat para cantar con su orquesta. Con el legendario músico español recorrió Europa, África y América. Participó en películas de la MGM. Hasta que, el deseo de continuar su evolución en el arte lo hizo formar su propia orquesta en la década del 50.

 

En aquel entonces, la historia de José Luis Moneró tomó un nuevo empuje en el pentágrama musical popular latinoamericano. Producciones discográficas como “José Luis Moneró Sings”, “Doce canciones y un millón de recuerdos”, “Una noche en el Escambrón” y otros, son, al día de hoy, clásicos que pasaron a la posteridad e infaltables en toda la discografía caribeña y en la América de habla hispana, sus discos son de auténticos ejemplares de colección y las grabaciones que actualmente se hacen en C. D. con los múltiples adelantos técnicos existentes se venden de forma tal como si se tratara de canciones compuestas en la actualidad e interpretadas por cantantes de hoy en día, eso da una idea de lo que representó y representa este especial músico romántico para todos sus admiradores. Su repertorio, ejemplo vivo de la buena casta de cantantes de aquellas épocas, demuestra un dominio innegable de diferentes géneros como: el pasodoble, la danza, el danzón y el mambo. Pero es en el bolero donde radicó la gran fuerza del cantante boricua en el pentágrama musical universal y fue precisamente ese género lo que lo catapulta hacia la inmortalidad, pues es difícil, por no decir imposible, que vuelva a nacer un interprete del bolero como José Luis Monero, único indiscutiblemente y debidamente recordado por quienes lo supieron apreciar y los que hoy se nutren de lo que representó como artista romántico.

 

Nuestro conocimiento de sus bellas e inolvidables interpretaciones se remonta al recuerdo de los discos de 78 rpm (Aquellos discos de pasta, mas grandes que un L.P.), que nuestros padres guardaban, entre otras reliquias, como un tesoro, de allí viene precisamente nuestro apego al bolero y a todo cuanto tenga relación con ese elocuente y concreto género. En medio de toda su fama, la década de los 60 le vio combatir una de sus más importantes batallas: la guerra contra el alcoholismo. Jose Luis Moneró, voz perfecta para la bohemia que en su niñez se nutrió de ejemplos cercanos en torno a la bebida, vio su vida sobreponerse a la adversidad. Y en 1964, en una batalla decisiva en la que los galenos lo desahuciaban, se aferró a unos versículos de la Biblia que cuando niño le leía su abuela, y hasta el sol de hoy jamás ha vuelto a probar un sorbo de alcohol. Y la vida, con esa segunda brisa de oportunidad, que supo muy bien aprovechar, le ha seguido sonriendo desde entonces, a pesar de haber transcurrido más de 43 años desde que sucedió esa nefasta adversidad. Hoy se le considera como un verdadero expositor del más rancio bolero, del más puro bolero, con esa especial forma de interpretarlo, de decirlo, como si se tratara de declamar una poesía con ritmo cadencioso, armónico, espiritual, emocional, con el acompañamiento del maestro Rafael Muñoz, dupla que generaron los boleros en Puerto Rico que hoy son considerados clásicos por quienes aman este tipo de genero musical imperecedero.

 

Rafael Muñoz: Famoso director de orquesta-gran banda y bajista Puertorriqueño, Rafael Muñoz, destacó en la escena Latinoamericana y Puertorriqueña desde inicios de los años 30. Quizás haya sido mejor conocido como líder de la banda en la “Orquesta del Escambrón Beach Club”, punto de baile donde se presentaron varios de los mejores artistas de la época, pero también fue un talentoso contrabajista. La banda es retratada aquí en pleno apogeo, en el año1934, con Muñoz en la parte de atrás, junto al pianista Noro Morales. En su orquesta también destacó la voz del compatriota, el no menos famoso, José Luis Moneró. La banda era altamente apreciada por sus boleros, escritos por notables compositores tales como Rafael Hernandez, Arturo Somohano y Sylvia Rexach. Aunque por supuesto también tocaban otra clase de música popular bailable para el deleite de sus numerosos admiradores. Muñoz hizo varias grabaciones con su orquesta en los medios de aquellos días – entre ellas un 78 RPM y un disco de larga duración (LP) – hoy en día, de colección. Dos de sus álbumes fueron lanzados a la venta por BMG Records a finales de los 60: Borinquen and Rafael Muñoz y Su Orquesta. Recientes CDs, relanzamientos de su trabajo, fueron realizados por Harlequin (sic), quien publicara en 1987 Rafael Muñoz ¡938-43. La compilación presenta algunas de las típicas canciones que hicieran famosos a Muñoz y su orquesta, tales como Ensueños. Dicha compilación fue seguida al año siguiente por 3 CDs adicionales: Rafael Muñoz, Vol 2, Vol 3 y Vol 4. Sin embargo, la popularidad de Muñoz no se limitaba solamente a sus talentos como director o bajista. También era un maestro del violín como lo demostró en el latín jazz “Charanga!”, álbum que saliera a la venta en 1960, por Charlie Palmieri y otros instrumentos. Muñoz también colaboró con muchos otros artistas populares a lo largo de su exitosa carrera, incluyendo luminarias como “La Voz”, Daniel Santos. Fuente: Datos obtenidos de la red y del propio Blog del Bolero. A todos los que ha bajado la música de estos grandes músicos puertorriqueños y que la han publicado en YouTube, de donde la hemos tomado para complementar esta página, un millón de gracias por tan noble gesto al compartir tan bellas melodias con todos nosotros. Muy agradecidos.





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RAY BARRETTO

 


 

Por: ©Andres Campo UribeColaborador de Herencia Latinaacampou@yahoo.comBarranquilla - Colombia  Raymundo “Ray” Barretto Pagán, nació en Brooklyn, New York, el 29 de abril de 1929.Hijo de Ramón Barretto y Dolores Pagán, naturales de Aguadilla, Puerto Rico; pertenece a la generación de boricuas que surgieron en New York, y se conocen como “neoyoricans”: hijos de puertorriqueños que no conocían la Isla. Su padre abandona el hogar y se regresa a Puerto Rico cuando Ray apenas tiene seis años, por lo que a su madre, Doña Lola, queda sola en la tarea de la crianza de sus hijos Ray, Ricardo y Cecilia. Su infancia y parte de su juventud las pasa entre las calles del Harlem Español y el Bronx, escuchando música latina por la mañana y jazz por la noche. "Mi madre luchó fuertemente para mantenernos lejos de las drogas y la criminalidad. Alquiló un cuarto en el apartamento para darnos de comer. Y según mi recuerdo, la música popular era para ella un medio de escape de la realidad de la pobreza y le fortalecía su espíritu para seguir luchando", recordó Ray.(1) En 1946, a la edad de 17 años se enrola al ejército y es enviado a Europa; allá curiosamente comienza su carrera como percusionista de jazz, presentándose oficialmente en el Orlando Club GI, de Munich, Alemania; en uno de esos jam sessions, punto de descubrimiento de muchas grandes figuras de la música. Respecto de su actuación en Alemania, Ray comenta: “¡Eso fue una inspiración del momento! Allí estaba un banjo viejo con cuerdas viejas, yo había escuchado a Chano Pozo a través de sus discos con Dizzy Gillespie, y tenía ese afán de tocar, de imitar a Chano. Cogí el banjo, subí a la tarima y me puse a tocar golpeando la caja. ¡Milagro que los músicos no me botaron de la tarima! Pero después me dijeron: ‘tu tienes talento, debes seguir y tratar de mejorarte’. Entonces cuando regresé a Estados Unidos, compré mi premier tambor y empecé a buscar cualquier sitio con música en vivo para mejorar mi técnica escuchando y mirando como tocaban los músicos, no en disco, sino en vivo”.(2) En 1949, al finalizar el servicio militar, se dedicó al estudio de la percusión jazzística hasta alcanzar un nivel que lo llevaría a las salas de grabación para colaborarle a figuras como Charlie Parker, quien lo contrata por una semana. “Fue una de las experiencias mas increíbles de mi vida. Charlie Parker estaba supuestamente programado para tocar en el Apollo Bar, un club que quedaba al lado del famoso Apollo Theatre, y llegó tarde. Muchos músicos habían venido a escucharle, porque en ese tiempo, el era la figura más importante para todos los músicos jóvenes. Él no llegaba, y decidimos formar una descarga entre nosotros. Al fin llegó, pidieron que todos los músicos se apeen de la tarima, que ahora iba a subir Charlie Parker con su grupo. Todo el mundo se estaba bajando de la tarima, pero Charlie Parker puso su mano en mi hombro y me dijo: ‘Quédate tú’! Y por el resto de los nueve días que se estuvo presentando en el club, toqué con él cada noche”, comenta Ray.(2) También tiene la oportunidad de trabajar con Max Roach, Art Blakey, Gene Ammons, Herbie Mann, Freddie Hubbard, Chick Corea, Red Garland y Dizzy Gillespie. Entre 1953 y 1954, consigue su primer trabajo estable con el LATIN JAZZ COMBO de Eddie Bonnemere, con quienes graba para el sello PRESTIGE RECORDS, una producción realizada en el salón de baile Red Garter de New York. En 1954, se encuentra tocando con la banda de Pete Terrance (Peter Gutiérrez); y en 1955 se da su encuentro con la música latina en New York, al empezar a tocar congas con la banda de José Curbelo, grabando en éste año el disco WINE, WOMAN AND CHA CHA CHÁ. Con la banda de Curbelo permanece por tres años. En 1957, llena la vacante que había dejado el percusionista estrella Mongo Santamaría en la banda de Tito Puente, teniendo la oportunidad de debutar con la grabación del álbum DANCE MANÍA, uno de los más destacados de Tito. En la banda, permanece por cuatro años.En 1961, Barreto deja la orquesta de Tito Puente como consecuencia de “diferencias irrecon-ciliables”. “Me fui por diferencias de dinero y un incidente que me tocó el corazón y le dije que me iba”, comenta (3).   En éste mismo año obtiene su primer trabajo como líder de banda, cuando Orrin Keepnews propietario del sello RIVERSIDE RECORDS, (sello especializado en producciones de jazz) le pide que formara una charanga, para una grabación. Así nace la CHARANGA MODERNA, una charanga que se adelantaría 10 años al estilo salsero, al incorporarle saxo, trompetas y trombón a la inviolable cuerda de violines y flauta.  Keepnews estaba familiarizado con el trabajo de jazz de Barretto, y la colaboración resultó en su primer álbum PACHANGA WITH BARRETO, (Riverside RLP-97506), (también se encuentra como BARRETO PARA BAILAR), (4) grabado en junio 1 y 2, para el cual llama a su amigo del barrio Héctor Rivera, con el objeto de que escriba y haga los arreglos del álbum. Tres temas fueron espectaculares: Pachanga Oriental, Pachanga suavecito y Oye Hec, realizados con una orquesta integrada, entre otros, por Héctor Rivera, piano; Rod Lewis Sánchez, flauta; Willie Rodríguez, timbales; Daniel González, José Andreu y José “Chombo” Silva, violines, Barreto en las congas y  Tito Rodríguez, Elliot Romero y Rudy Calzado en los coros. También se incluyeron los temas Barretto en la tumbadora; Cumbamba; El paso; Linda mulata; Los cueros; Ponte dura; y Pachanga para bailar.  En septiembre de 1962, graba su segundo álbum para RIVERSIDE, titulado LATINO!, (Riverside RLP-93520), para el cual incorpora dos metales e improvisación, destacándose la participación de buenos músicos como el pianista Alfredo Valdés Jr; los percusionistas Ray Mantilla y Willie Rodríguez y de dos estupendos solistas cubanos: José “Chombo” Silva en el saxo tenor y el violín, y Alejandro “El Negro” Vivar en la trompeta. Los vocalistas que participan en el Lp fueron Wito Kortwright y Pete Bonet. A diferencia de su primer álbum, éste se realizó como una “sesión de descarga” en la cual se incluyeron los temas Manha de Carnaval, con un leve toque de bossa nova, donde se destaca el solo de saxo de “Chombo”; Sugar’s Delight, dedicado al DJ de música latina Dick Ricardo Sugar y en el cual José Canoura ejecuta un estupendo solo de flauta y Barretto toca los bongoes; Exodus, versión realizada por primera vez en tiempo 6 por 8, con Miguel Stancerone en un gran solo de violín; Summertime, con otro excelente solo de “Chombo” en el saxo y El Negro y Ray, del cual Ray comenta: “el trompetista estaba tocando tan formidable que yo agarré un par de palos y de pronto me encontré tocando mi primer solo de timbales”.(5) 

 

 


Este mismo año pasa al sello TICO y graba el primer álbum, titulado, CHARANGA MODERNA, (Tico LP-1087), que incluía El Watusi, composición de Ray vocalizada por Wito, la cual, en medio del furor de la música rock, se convirtió en el primer tema puro latino que ingresa en las listas Billboard. El tema es poco más que un tumbao (o progresión rítmica que se repite) con jeringonza en lugar de letra, pero el arreglo de Valdés Jr es transparente, y el tema, ocurrente y pegajoso. “Lo que me inspiró en El Watusi fue un baile que yo veía en El Palladium. La gente bailaba formado una línea y daban unos brinquitos con los pies y unas palmas, y eso me dio la idea de hacer un baile. Me entró con hacer un ritmo que pegara con ese baile y usé mi imaginación”, manifiesta Ray (3). “El Watusi fue un baile que se inventó Wito (Kortwright) y que se hizo como un relleno para el disco. Empezaba como con un rap, bien afinca’o con el bajo y pegó por la manera en que se bailaba, que también nos la inventamos”, comenta Pete Bonet. (8)  Otros temas incluidos en el álbum fueron La Moderna, composición de Gil López; Guajira y tambó, de Ray Barretto; Los pollos, de Alfredito Valdés; el tema colombiano La Mucura; El camino; Suelta la cintura; Deuda, Teresita; Aprieta el pollo, de Tito Puente y Nuestras vidas, de Orlando de la Rosa.   En 1963, graba el álbum ON FIRE AGAIN / ENCENDIDO OTRA VEZ, (Tico SLP-1096), en el cual se incluyen los temas Tumbao Moderno, Noche de ronda, Danzón de Paganini, Celosa, Te traigo guajira, Encendido otra vez, de Barretto; Guaguancó Pueblo Nuevo y Macumbembé, de autoría de Alfredo Valdés Jr; Más pachanga y el tema éxito Mr Blah blah, vocalizados por Manny Román, quien había reemplazado a Wito Kortwright. Todo aún dentro del sonido pachanguero. 
   En 1964, graba para el sello TICO los dos últimos álbumes: LA MODERNA DE SIEMPRE, (Tico LP-1102), en el cual se incluyen los temas Recuerdos de Borinquen; El Guajiro man; Bruca Manigua, de Arsenio Rodríguez; A Puerto Rico; Farolito, de Agustín Lara; Hojas secas; Masa Bi;  Todo tendrás; El Borracho; La juventud; A gozar timbero y Chihuahua. Participan en el álbum, considerado uno de los mejores para el sello, los músicos Alfredo Valdés Jr en el piano; Don Gonzalo Fernández en la flauta, Chihuahua Martínez en el güiro y Heny Álvarez como vocalista; y GUAJIRA Y GUAGUANCÓ, (Tico SLP- 1114), vocalizado por Manny Román, en el cual se incluyen los temas Swing La Moderna; Guajira Guantanamera; La Moderna llegó; Guajira Soul; Nature boy; El Quinto; Guajira soul; Ska cha (The thing to do); Guaguancó bonito y Los cueros  También graba el álbum THE BIG HITS LATIN STYLE, (Tico LP-1099), en el cual se incluyen los temas Wipeout; More; Babalú; Easier said than done; If you want to be happy; Swingin’ shepherd blues; Enamorado; So much in love; A walkin’ miracle; If I had a América; Hucklebuck; y Can´t get used to losing you.   En 1965, Barretto firma con el sello UA Latino –división latina de la UNITED ARTISTS- para enfrentar el reto del nuevo ritmo, el boogaloo. Graba el primer álbum para el sello, titulado SEÑOR 007, (UAS-6478), con temas de música de cine en versiones de cierto corte y estilo caribeño, tales como Thunderball, 007 (Double 0 Seven), Goldfinger, Jamaica Jump up; From Russia with love; Search for vulcan; Mister kiss kiss bang bang; I wanna be a James Bond girl; Underneath the mango tree; y The James Bond Theme. El álbum es considerado por Ray como “uno de mis peores discos y del que no me gusta hablar”. (3).
   En éste año graba el álbum VIVA WATUSI, (UA Latino UAL-3445), vocalizado por Manny Román, en el cual se incluyen los temas Watusi’ 65; La juventud de Borinquen; Eras; Dulce cha cha chá; y Fiesta en el barrio, composiciones de Ray; No molestes más, de Ray y Gil López; Esa es la del solar; Exodus, de E. Gold; Súplica, de Bobby Capó; Roberta, de Gil Suárez; Greensleeves, de Bennett; y Mi suerte, de Chivirico Dávila. En éste año se le une el joven timbalero cubano Orestes Vilató.   En 1966, Barreto y su orquesta realizan su primera gira por Sudamérica, participando en los Carnavales de Maracaibo, Venezuela, donde obtienen el “Momo de Oro” como la orquesta extranjera más popular. Graba el álbum EL RAY CRIOLLO, (WS LatinoWS-4052), que incluyó los temas Salsa y dulzura, el primer tema neoyorkino que asumió la etiqueta de salsa; Margie, de Pedro Flores; Despójate; Don Lengua; A Maracaibo; Descarga criolla; Rareza en guajira; The shadow of your smile; y Yo soy la candela. En éste año, Barretto se había lanzado a explorar los nuevos sonidos que ya despuntaban en el ambiente latino de New York, para lo cual modifica su orquesta, combinando los violines pachangueros con el sonido del conjunto al incluirle trompetas y trombones. Entonces la orquesta queda conformada por Mike Dante y Barry Sinclair, violines; Roberto Rodríguez, trompeta; Joe Wohletz, trombón; Eddie Martínez, piano; Orestes Vilató, timbales; Carlos Castillo, bajo; Ray en las congas y la vocalización de los cantantes Pete Bonet y el cubano Willie García (6). También en éste año se da el encuentro de Barretto con el cantante, nativo de Ciales, Puerto Rico, pero radicado en New York, Adalberto Santiago, quien por espacio de seis años se convertiría en la voz inconfundible de la orquesta. Al respecto Adalberto comenta: “Barretto vino a verme porque los muchachos que tocaban con él me recomendaron. Le dijeron que había un muchacho que tocaba bajo y cantaba, y vino al Caborrojeño para ofrecerme que saliera de allí y me fuera con él. Yo le contesté que no me gustaba quitarle el trabajo a nadie, pero me interesaba cambiar de público e ir a la calle” (7).     En 1967, graba su último álbum para UA titulado LATINO CON SOUL, (UAS-6593), con el cual se da el debut de Adalberto Santiago como vocalista; y que contenía los temas Bilongo, de Justi Barreto; Boogaloo con soul; Fuego y pa’lante; Trompeta y trombón; El picor; Happy birthday everybody; Love you; Do you dig it?; y una versión de la balada de Palito Ortega Lo mismo que a Usted.  En éste año, Ray firma con el sello FANIA RECORDS. Ya para ese entonces había disuelto su CHARANGA MODERNA y había optado por un sonido más tradicional, pero apartado por completo del formato de charanga; así que su nueva orquesta la conformarían dos trompetas ejecutadas por Roberto Rodríguez y René López; Louis Cruz en el piano; el timbalero, Orestes Vilató, virtuoso músico oriundo de Camagüey, Cuba, quien para ésa época ya se labraba una reputación como el mejor timbalero en el ambiente después de Puente, Jimmy Sabater y Willie Bobo; el veterano Bobby Rodríguez en el bajo y como cantantes, Barretto contaba con Pete Bonet, (un veterano de mil batallas que luego pasaría a codirigir con Louie Ramírez, antes de unirse al sexteto de Joe Cuba y la orquesta de Tito Puente) y Adalberto Santiago.  En 1968, Barretto produce su primer álbum para el sello, titulado ACID, (Fania LP-346), un disco progresivo con tendencias hacia el jazz latino, vocalizado por Adalberto Santiago, y en el cual se incluyen los temas El nuevo Barretto; Espiritu libre; Acid; Mercy mercy baby; The Soul Drummer; A deeper shade of soul; Sola te dejaré; y Teacher of love. Para éste álbum la orquesta estaba conformada por Roberto Rodríguez y René López, trompetas; Orestes Vilató, timbales; Louis Cruz, piano; Bobby Rodríguez “Big Daddy”, bajo; Adalberto Santiago, vocalización y campana; Pete Bonet, vocalización y güiro; y Ray, congas. El sello UA publica el álbum FIESTA EN EL BARRIO, (WS Latino 4204), en el cual gran parte de los temas fueron grabados por Barretto para el sello, entre 1965 y 1967, pero que nunca se habían publicado. El álbum incluye los temas Fiesta en el barrio; Hawai; Lamento; Latin doll; Viva María; Happy Birthday Caracas; Que han hecho del sol; y Fuego y Pa’ lante.

 

 


   Graba el segundo álbum para FANIA titulado HARD HANDS, (Fania LP-362), vocalizado por Adalberto, en el que se incluyen los temas Hard Hands; Abidján; Son con cuero; Love veads; Got to have you; New York soul; Mírame de frente; y Ahora sí. Para éste álbum la orquesta estaba conformada por Roberto Rodríguez y Joseph “Papy” Román, trompetas; Orestes Vilató, timbales; Tony Fuentes, bongó; Louis Cruz, piano; Mr “Soul”, bajo y Barretto en las congas. Y también participa como conguero de la naciente FANIA ALL-STARS en su debut en el concierto realizado en el club Red Garter en diciembre de este mismo año. En este concierto Barreto ejecuta el tema Son, Cuero y Boogaloo, del repertorio original de su banda, vocalizado por Adalberto y acompañado por Vilató, quien se roba el show con una espectacular ejecución en los timbales.   En 1970, Barreto graba el álbum TOGETHER, (Fania SLP-378), en el cual se incluyen los temas Vive y vacila, de Tony Fuentes; Adiviname y olvidame; Hipocresía y falsedad y De donde vengo, composiciones de Ray; No olvido a Caracas; De donde vengo; Invitación al son, de Roberto Rodríguez; Tin tin deo, de Chano Pozo; y Together, el cual es compuesto y vocalizado por el propio Barreto. Para éste álbum aparecen en la alineación Andy González en el bajo; Joseph “Papy” Román en la trompeta y Tony Fuentes en los bongoes. Estos últimos se había unido a la orquesta en el álbum anterior. En este año, en razón a una enfermedad del bongosero Fuentes, ingresa a la orquesta Johnny “Dandy” Rodríguez. También el sello TICO publica el álbum SOMETIME TO REMEMBER, (Tico LP-1205), una compilación de temas, entre los que se incluyen: El Watusi, La Moderna, Mr Blah blah, El Quinto, Bruca Manigua, El guajiro man y La mucura. En  agosto 26 de 1971, participa en el concierto de FANIA ALL-STARS, realizado en el Cheetah, considerado como el nacimiento de la música salsa. Su actuación cumbre en el concierto fue el mano a mano realizado con su timbalero regular Orestes Vilató en el tema Descarga Fania. En éste año el sello UA Latino publica, en un álbum doble, una compilación de los temas grabados por Barreto para el sello con el título de RAY BARRETTO, (UA Latino LS-61901). También graba el álbum BARRETO/HEAD SOUNDS, (Fania SLP-388), que contiene temas grabados en álbumes anteriores: Acid; Tin tin deo; y Abidján, en su lado A y el poema “Espiritu Libre” (Free Spirit) compuesto por Víctor Hernández Cruz para Ray; y el tema Free Spirit, en su lado B   En 1972, publica los álbumes BARRETTO POWER, (Fania LP-391), que incluye el éxito Quítate la máscara, y los temas Oye la noticia; De que te quejas tú; Se que volverás; Y dicen; Righ on; Perla del Sur; y Power;THE MESSAGE, (Fania SLP-403),  realizado en el Cheetah; que incluye el tema éxito Se traba, de Roberto Rodríguez; Flor de los lindos campos, de Tite Curet Alonso; Alma con alma, de Juanito Márquez; Con el Cimarrón; Te traigo mi son; y O elefante, de Ray; Seguiré sin soñar; y Arrepiéntete. Para éstos álbumes, la orquesta estaba conformada por tres trompetas ejecutadas por René López, Roberto Rodríguez y Joseph “Papy” Román; Louis Cruz en el piano; Orestes Vilató, timbales y Andy González, bajo. Tony Fuentes ejecuta el bongó en el primero y Johnny “Dandy” Rodríguez en el segundo; Adalberto Santiago, vocalización y Ray, congas; FROM THE BEGINNING, (Fania SLP-410), una compilación de temas grabados para el sello FANIA, que incluye entre otros los temas Oye la noticia; Sola te dejaré; Mírame de frente; Invitación al son; y Quítate la máscara; y QUE VIVA LA MÚSICA, (Fania SLP-427), considerado como su álbum más reputado de música salsa, y el último que logra grabar con su orquesta de siempre, en el cual se incluyen los temas Que viva la música y El tiempo lo dirá, composiciones de Roberto Rodríguez; Bruca Manigua, de Arsenio Rodríguez; Cocinando y La Pelota, de Ray Barretto; Triunfó el amor, bolero de Tony Fuentes; y Alafia Cumayé, de Tite Curet Alonso. Para el álbum se incorpora el bajista Dave Pérez, en reemplazo de Andy González   A finales del año la orquesta se disuelve debido a la separación de músicos muy importantes como Adalberto Santiago, el cantante con cuya voz ya se había identificado el sonido de la orquesta. También se separan los percusionistas Johnny Rodríguez Jr ”Dandy” y Orestes Vilató –timbalero desde los días de la CHARANGA MODERNA-, el trompetista René López y el veterano bajista Dave Pérez, conformando todos ellos el cuerpo central de la naciente agrupación TIPICA ‘73. "Nadie sabe ni entiende la herida que sufrí en ese tiempo y la realización de que hay que levantarse del piso y con sangre nueva echar pa' lante. Es difícil describirlo en palabras, es tremenda herida y tremenda confusión. Mis preguntas en ese momento fueron qué pasó, qué he hecho. Como dice la canción, 'yo quisiera saber, qué yo te he hecho'. Pero analizándolo bien, era cuestión de sus ambiciones y era mi necesidad decidir si me quedaba en el piso o me levantaba. Tengo orgullo y talento y sabía lo que podía hacer, y cuando pude recuperarme espiritualmente organicé la banda", narra el veterano músico (3). En 1973, ahora sin su banda tradicional, Barretto decide abrir una pausa y tomarse una tregua en la salsa, produciendo un disco considerado como insólito: THE OTHER ROAD, (Fania SLP-448), su debut en el jazz, el cual se basa en seis temas instrumentales, que incluye The other road, composición de Eddy Martínez; Round about midnight de Thelonius Monk; Lucrecia the cat; Oración; Little thing; y Abidján Revisited de Barretto. Para esta producción cuenta con la colaboración de dos excelentes músicos: el flautista norteamericano Artie Webb (quien grabó con la banda de Chick Corea) y el pianista colombiano Eddy Martínez. Junto a ellos se da el debut en la salsa del baterista norteamericano Billy Cobhan, además de la presencia de las trompetas de Roberto Rodríguez, quien había permanecido con la orquesta; el mexicano Manuel “Manny” Duran, que igualmente ejecuta el flugelhorn, y el boricua Joseph “Papy” Román, también integrante de la vieja orquesta; Ray Romero, timbales; Tony Fuentes, bongoes y Guillermo Edgehill, bajo. Esta banda, con la exclusión del invitado Cobhan, le serviría plataforma para el inevitable retorno a la salsa.“No tenía orquesta y en lo que reorganizaba la banda la pedí a Masucci hacer un disco de jazz. Lo grabé en una noche, de 12:00 a 6:00 de la mañana” recuerda (3). El 24 de agosto de éste año, Ray Barretto participa nuevamente como estrella de FANIA, en el concierto celebrado en el Yankee Stadium, donde interviene en un monstruoso duelo de congas con Mongo Santamaría en el tema Congo Bongo.  Este mismo año, el sello FANTASY publica el álbum CARNAVAL, (Fantasy F-24713), el cual incluye la totalidad de las grabaciones de los dos primeros trabajos con el sello RIVERSIDE: PACHANGA WITH BARRETO y LATINO!. Y antes de finalizar el año, graba para FANIA el disco titulado, INDESTRUCTIBLE, (Fania SLP-456), con el cual volvía a su antiguo vigor como interprete salsero y que incluye los temas Llanto de cocodrilo; El hijo de Obatalá, de Tite Curet Alonso; Yo tengo un amor, de Rafael Hernández; La familia; La orquesta; Ay no; El Diablo e Indestructible, composición de Ray y Joseph Román. La voz de Tito Allen, sin duda uno de los mejores cantantes de salsa que se hayan cultivado en el medio neoyorkino, influyó en la calidad de este trabajo de retorno. Además participan en la grabación los músicos “Little” Ray Romero en los timbales; Julio Romero en el bajo; Roberto Rodríguez, Joseph “Papy” Román y Manny Durán, trompetas; Tony Fuentes, bongoes; Eddy Martínez, piano; Art Webb, flauta y Meñique y Héctor Lavoe en los coros.  

 



     En 1974, Barretto integra nuevamente la ALL-STARS, participando en los conciertos en el Coliseo Roberto Clemente de San Juan, Puerto Rico y en Kinshasa, Zaire; y la gira realizada por las estrellas a Venezuela, República Dominicana, Panamá y México.En 1975, Ray Barretto vive su momento culminante en el mundo de la salsa al publicar el famoso disco rojo o disco de las congas, bautizado simplemente BARRETTO, (Fania SLP-486). Para su grabación se apoyó en dos cantantes: Tito Gómez, ex-vocalista de la SONORA PONCEÑA, recién llegado de Puerto Rico, y el panameño Rubén Blades quien inicia su carrera en la salsa. (9) Figuran como los principales temas Ban-Ban Queré, de Calixto Varela;  Guararé, composición de Juan Formell, bajista cubano director del grupo los VAN VAN; Testigo fui y Mas vale un guaguancó de Curet Alonso y Esto es amor y Canto Abacuá de Rubén Blades. El tema Guararé fue ganador de un premio en ese año, y el álbum también fue nominado para el premio Grammy en el año 1976. Completan el álbum Vine pa’ echar candela, de Ray; y El presupuesto, de Roberto Rodríguez. “Rubén Blades me dio un cassette de unos números originales de él, pero lo que me fascinó fue su voz. Tenía una voz distinta a la de Adalberto y Tito Allen y me imaginé combinándolo con Tito Gómez y en vez de hacer una orquesta con una sola voz, comenzar a hacer armonías”,  comenta Ray (3).También el sello FANIA publica el álbum titulado ENERGY TO BURN, (Fania 505), una compilación de temas grabados anteriormente que incluye Llanto de cocodrilo y El hijo de Obatalá, vocalizados por Tito Allen; Canto abacuá, vocalizado por Rubén Blades y Bruca Manigua, Vive y vacila, Seguiré sin soñar y Ahora sí, vocalizados por Adalberto Santiago. En vísperas del Año Nuevo, Ray se presenta por última vez con su banda de salsa. En 1976, ya hastiado de tocar el mismo repertorio todas las noches y del trato desigual que recibía del círculo de empresarios y dueños de clubes que dominaban el ambiente latino en New York (el llamado cuchifrito circuit), decide alejarse momentáneamente de la salsa, disuelve la banda (todos los músicos, bajo la dirección del pianista Gilberto López, fundan una nueva orquesta denominada ORQUESTA GUARARÉ), e incursiona en el mundo del jazz, género que ya dominaba y donde, de todos modos, ya tenía renombre.Es entonces cuando decide conformar una banda de concierto más inclinada a la fussion; y luego de un acuerdo con FANIA, firma un contrato con el poderoso sello internacional ATLANTIC, ala de la multinacional WARNER BROS., para la cual graba tres álbumes.   El primero de sus álbumes con ATLANTIC titulado BARRETTO LIVE... TOMORROW, (Atlantic SD 2-509), fue grabado del afamado concierto que realizara Barretto en el Beacon Theatre, en Broadway, New York, en Mayo 28 de 1976, donde reunió a casi todos los cantantes que pasaron por su orquesta y a varios de sus músicos más importantes (Adalberto Santiago, Rubén Blades, Orestes Vilató, Art Webb, Tito Allen, Tito Gómez, Roberto Rodríguez, Dick Mesa Alejandro “El Negro” Vivar Oscar Hernández entre otros), fue un éxito en ventas en New York y Puerto Rico (únicos mercados donde dicho doble álbum salió a la venta en ese entonces). Se destaca en esta producción una imponente versión del tema Que viva la música, vocalizado por Santiago, Blades, Allen, Gómez y Roberto Rodríguez, y con un estruendoso debate de timbales entre los invitados Tito Puente y Orestes Vilató y solos de los trompetistas Alejandro “El Negro” Vivar y Roberto Rodríguez; Guararé, vocalizado por Tito Gómez y un gran solo de trompeta de Alejandro “El Negro” Vivar; Ban ban queré, vocalizado por Rubén Blades y un gran solo de Art Webb en la flauta y Cocinando, con solos de Orestes Vilató en los timbales y Roberto Rodríguez en la trompeta.   Mientras tanto, en éste año, la FANIA ALL-STARS publica el que se convertiría en su último álbum de salsa, titulado TRIBUTE TO TITO RODRÍGUEZ y más tarde se reduce a un sexteto (“Fania Six”), en el cual se incluye Barretto, para grabar con el poderoso sello COLUMBIA, con quienes Masucci había suscrito un contrato. Luego de la grabación del primer álbum para COLUMBIA, titulado DELICATE AND JUMPY, Barretto se retira temporalmente de la orquesta. En 1977, publica su segundo álbum titulado EYE OF THE BEHOLDER, (Atlantic 19140), el cual a pesar de tener cierto potencial, amén de muy buenos músicos (Reynaldo Jorge, Barry Finnerty, Ray Romero, Jimmy Delgado y el legendario Joe Sample, entre otros), se quedó a medio camino entre lo que se suponía fuera fussion y el llamado smooth jazz, con lo latino pasando a un nada envidiable tercer plano, por lo que no encontró eco ni en los públicos que gustan del jazz ni mucho menos en el latino. Como tema rescatable del álbum tenemos a Tumbao Africano, con la participación de Eddy Martínez en los teclados; Ray Romero y Ángel “Cachete” Maldonado en los tambores batá; Jimmy Delgado, timbales; Luis “Perico” Ortíz en la trompeta y Reynaldo Jorge en el trombón entre otros. Otros temas del álbum fueron Eye of the Beholder; Salsa-con-fusión; Número uno; Here we go again; Señor funk; Tumbao Africano, composición de Ray; Expresso; y Leti. En este año, Barretto regresa a la alineación titular de la ALL-STARS, para las diferentes giras por el mundo, participando el 11 de julio en el concierto en el Madison Square Garden, donde se da el debut con las estrellas de Ismael Rivera.   En 1978, graba el tercer álbum para ATLANTIC titulado, CAN YOU FELL, IT?, (Atlantic 19198), el cual corrió con peor suerte que el anterior. Aquí temas realmente interesantes, desde el punto de vista del jazz latino, como Confrontation (donde Barretto se luce a sus anchas) y Sting Ray (de influencia brasilera) se perdían en medio de otros arreglos que se peleaban entre el mal llamado jazz comercial (smooth) y el cliché del disco-fever de la época. El álbum pasó inadvertido para ambos públicos: el latino y el norteamericano. Desencantado con los pobres resultados y la igualmente pobre promoción que se le dio a sus últimos dos álbumes por parte de ATLANTIC, la cual lejos de darle libertad de criterio lo forzó a encasillarse en la onda del smooth jazz, decide regresar a la salsa. “Esto se hizo cuando yo estaba buscando fusión. La realidad es que Jerry (Masucci) me vendió el contrato a Atlantic a ver si se podía hacer un disco más comercial. Siempre estaban buscando hacerme una figura de pop, desde el éxito de El Watusi y yo me dejé porque, siendo un sello con más fama internacional, pensé que mi carrera iba a coger un nuevo impulso, pero pasé los años más miserables de mi vida”, confiesa. (3) “Lo que grabé durante el periodo de Atlantic lo puedo poner en una bolsa y tirarlo a la basura. Ellos querían que hiciera funk y ese no era Ray Barretto”, comentaría años más tarde el percusionista (1).   Afortunadamente, el que FANIA mantuviera compilaciones de Barretto en el mercado, así como el excelente álbum en vivo GRACIAS, (Fania 528), de 1978, donde se publicaron los sets que Adalberto y Tito Allen cantaron en el mismo recital del Beacon de 1976, mantuvieron a Barretto lejos del anonimato, al menos en lo que al público salsero se refiere. Los temas incluidos en éste álbum fueron Ay no; Indestructible; Mírame de frente; Hipocresía y falsedad; Alma con alma y Quítate la máscara.En 1979, regresa a FANIA y se une con Adalberto Santiago para producir el álbum RICAN/STRUCTION, (Fania JM-552), el primero luego del accidente en la mano que lo incapacita casi por dos años; y un trabajo en el cual retorna a la salsa progresiva. El álbum, que incluye los temas Al ver sus campos, de Johnny Ortiz; Un día seré feliz; Piensa en mi; Ya vez; Adelante siempre voy, de Tite Curet Alonso; Algo nuevo, de Dick “Taco” Meza; y Tumbao africano, composición de Ray, fue un hit arrasador y le hizo ganar, un año más tarde, los títulos de “Músico del año” y “Conguero del año” por la revista Latin New York. Participan los músicos José Jerez, “Puchi” Boulong, Héctor “Bomberito” Zarzuela y José Febles, trompetas; “Papo” Vázquez, trombón; Sal Cuevas, bajo; Ralph Irrizary, timbales; Oscar Hernández, piano; Todd Anderson, saxo tenor y soprano; José Fajardo, flauta en el tema Algo nuevo; Luis González, bongoes y Ray Romero, batá en el tema Tumbao Africano. En los coros participaron Tito Allen, Ray de la Paz y Luis González. 
   También participa en la grabación para el sello CTI del álbum LA CUNA, (Legacy/Epic 66126), producido por Creed Taylor y con la participación de Tito Puente en los timbales; Charlie Palmieri, piano y percusión; Joe Farell,  saxo tenor, soprano y flauta; John Tropea en la guitarra y Steve Gadd y Mark Craney en la batería; Carlos Franzetti, piano; Francisco Centeno, bajo; Jeremy Wall, sintethizador y Willie Torres, vocalista. Los temas incluidos son La Cuna, Doloroso, Mambotango, The Old Castle, Pastime Paradise y Cocinando.En 1980, graba el álbum GIANT FORCE, (Fania JM-579), vocalizado por Ray de la Paz y Eddie Temporal con la participación del joven trombonista neoyorkino José de Jesús y los músicos Ray González, Dominick Aloi, José Jerez y Ángel Fernández, trompetas; Oscar Hernández, piano; Eddie Resto, bajo; Ralph Irrizary, timbales; Luis González, bongoes y Dale Turk, trombón. El álbum incluye los temas Guarapo y melcocha; Tu propio dolor y Pura novela, de Tite Curet Alonso; Fuerza Gigante; Tus Mentiras; Los mareados; Aguardiente de caña;  y Arrallue, de Rubén Blades. 
 En 1982, graba el álbum RHYTHM OF LIFE, (Fania JM-605), vocalizado por Ray de la Paz, en el cual se incluyen los temas Manos duras; Si no eres tú, de Pedro Flores; Mi dedicación, de Ray Barretto; Indiferencia; Rhythm of life, de Ray Barretto/Gil López; Amor artificial, de Tite Curet Alonso y Granada, de Agustín Lara. Para el álbum utiliza algunos de los músicos que participaron en la producción de 1980, tales como Ray González y Ángel Fernández, ahora con Charles Hernández en las trompetas; Óscar Hernández, piano; Ralph Irrizary, timbales; Luis González, bongó; José de Jesús, trombón. También participan Joe Santiago en el bajo; Néstor Sánchez y Luis González en los coros y Kelly Barretto, la hija de Ray, y Audry Martell en la vocalización del tema Rhythm of Life. A mediados de éste año, se produce el retiro del vocalista Ray de la Paz.    En 1983, produce el álbum TREMENDO TRÍO, (Fania JM-623), en el cual participan como vocalistas Celia Cruz y Adalberto Santiago, y que incluye los temas Nadie se salva de la rumba, de Siro Rodríguez; Debes callar, de Ramón Rodríguez; una nueva versión del tema de Pedro Flores, Margie; Ya no puede ser y La caña y la plantación, de Tite Curet Alonso; De repente, de Aldemaro Romero; Caminando, de Rubén Blades; y Así empezó el son montuno, de Luis Cruz. El álbum gana el premio ACE (Asociación de Críticos del Entretenimiento Latino de New York) como el “Mejor álbum de salsa del año”. En 1984, graba el álbum TODO SE VA A PODER, (Fania JM-633), con la participación de los  vocalistas Ray Saba y Cali Alemán, donde se incluyen los temas Todo se va a poder, de Johnny Ortiz; Tema final, de Tite Curet Alonso; Lo tuyo y lo mío; Para que niegas; Que bonita es mi tierra; Préstame tu mujer y Amor y sacrificio. En 1986, Ray regresa a la alineación de FANIA ALL-STARS, participando en la grabación del álbum VIVA LA CHARANGA, (Fania JM-640). 
   En 1987, graba el álbum AQUÍ SE PUEDE, (Fania JM-642), vocalizado también por Ray Saba y Carlos Ferrer, en el cual se incluyen los temas La resbalosa; Amor de lujo; Aquí se puede, de Tite Curet Alonso; Pa’ todo el año, de José Alfredo Jiménez; No te quedes sin bailar; Si me voy para mi islita y No me paren la salsa, ambas compuestas por Ray Barretto. Para éste álbum la orquesta la integran Ricky González, piano y arreglos; Wilson Torres, Ángel Fernández y Héctor “Bomberito” Zarzuela, trompetas; J. Torres, bajo; Jimmy Delgado, timbales; Jimmy Bosch, trombón; Eddie Torres, bongoes y Felo Barrios y Ronnie Baró, coros.  En 1988, participa con FANIA ALL-STARS en la grabación del álbum BAMBOLEO, (Fania JM-650); y graba el álbum RITMO EN EL CORAZÓN, (Fania 651), vocalizado por Celia Cruz y el cual fue editado en el Reino Unido. El álbum incluye los temas El chisme; No me cambie camino, de Tite Curet Alonso; Para decirte adiós; En que quedamos;  Bambarakatunga; Mala suerte; Tu música popular y Ritmo en el corazón, composiciones de Johnny Ortiz. Para el álbum, la orquesta estaba conformada por Héctor “Bomberito” Zarzuela, Steve Gluzband y Ángel Fernández, trompetas; Jimmy Bosch, trombón; Ricky González, piano; Sal Cuevas, bajo; Jimmy Delgado, timbales; Carlos Soto, bongó; Adalberto Santiago, Ray Saba y Felo Barrio, coros; y Ray congas. Con éste álbum obtiene el premio Grammy, en la categoría de “Música Latina Tropical”.  En 1989, graba el álbum IRRESISTIBLE, (Fania JM-658), con el cual entraba a la onda de la “salsa romántica”, y en el cual se incluyen los temas Llámame; Aguadilla; Canción para el niño; Amo la noche, Otra noche más e Irresistible, de Johnny Ortiz; Eras; y Night in Tunisia, de Dizzy Gillespie. La orquesta para el álbum estaba conformada por Héctor “Bomberito” Zarzuela, Chris Anderson, Steve Gluzband y Ángel Fernández, trompetas; Jimmy Bosch, trombón; Ricky González, piano; Pucho Matos, tres; Jimmy Delgado, timbales; Salvador Cuevas, bajo; Carlos Soto, bongó; y Ray, congas.También participa con FANIA ALL-STARS, versión “Fania Six”, en la grabación del álbum de latin jazz, titulado, GUASASA, (Fania 660). Y es admitido en el “Salón de la Fama de la Música Latina Internacional”. 
  En 1990, graba el álbum SOY DICHOSO, (Fania 666), el último para el sello FANIA y con el cual cerraba su historia salsera. El álbum incluye los temas Soy Dichoso; Lo que me pasó en la guagua; Los ejes de mi carreta; El entierro del feo; Tal vez; Café con leche; Flor de los lindos campos; y Díganme la hora, y la orquesta se modifica con las salida de Chris Anderson y Pucho Matos; y el ingreso de Tito González, en las maracas y el güiro. El 30 de agosto, para conmemorar su larga trayectoria en la música jazz y salsa, Barretto se une con Adalberto Santiago y el trompetista Juancito Torres en un concierto tributo, denominado, “Las dos vidas de Ray Barreto”, y realizado en la Universidad de Puerto Rico.También participa con FANIA ALL-STARS en el concierto celebrado en el Meadowlands Arena de New Jersey, en el cual se anunciaba el regreso a escena de Héctor Lavoe, luego de su frustrado intento de suicidio. Este mismo año, Barretto firma con el sello de jazz y jazz latino CONCORD PICANTE, para grabar con su nueva agrupación NEW WORLD SPIRIT, un sexteto de piano, batería, bajo, saxofón, trompeta -a veces junto a un trombón- y conga, conformado por jóvenes talentosos. “Cuando empecé con el grupo de jazz, mis músicos originales eran un baterista de Japón, un pianista colombiano, un saxofonista de Brasil, un trompetista puertorriqueño… era una combinación mundial, y pensé: ‘Aquí hay un nuevo mundo, y si el mundo ideal es un mundo donde todos se pueden unir y vivir en paz, sería un mundo nuevo y un espíritu nuevo’. Entonces puse el nombre de New World Spirit al grupo”, comenta Ray. (2)  En 1991, graba el primer álbum (en formato de CD) para CONCORD PICANTE, titulado HANDPRINTS, (Concord Picante CCD-4473), en el cual se incluyen los temas Brandy y Caribeña, composiciones de Barretto; Blues for Leticia y Dancing winds, de Héctor Martignon; Tercer ojo, Kwanza y Triangle, de Steve Slagle; Handprints y Jamprints, de Ed Uribe; y Santa Cruz, de Barry Olsen. Para el álbum la orquesta estaba conformada por Tim Ouimette, trompeta y flugelhorn; Barry Olsen, trombón; Steve Slagle, saxo alto, soprano y flauta; los colombianos Héctor Martignon y Jairo Moreno en el piano y el bajo, respectivamente; Ed Uribe, en la batería y percusión; Amadeo Pace, guitarra en el tema Brandy, dedicado a su esposa Annette Rivera; y Ray en las congas y percusión   En 1993, graba el segundo álbum (en formato de CD) para CONCORD, titulado ANCESTRAL MESSAGES, (Concord Picante CCD-4549), en el cual se incluyen los temas New World Spirit, de Ray Vega; Freedom jazz dance, de Eddie Harris; Killer Joe, de Benny Golson; On a Sunday afternoon, de Chico Mendoza; Beautiful love; Aqua blue; Gabriela y My latin New York, composiciones de Héctor Martignon; Song for Chano, tema dedicado a Chano Pozo y Ancestral Message, composiciones de Barretto. La orquesta para el álbum estaba integrada por Ray Vega, trompeta, flugelhorn y percusión; Jay Rodríguez, saxo tenor y flauta; Héctor Martignon, piano y sintetizador; Jairo Moreno, bajo; Satoshi Takeishi, batería; Alfredo González, guitarra y güiro; y Ray, congas y percusión.En 1994, la emisora Z-93 de San Juan, Puerto Rico, le dedicada a Ray y Adalberto Santiago, la edición de ese año de El Día Nacional de la Salsa; y el 11 de junio de 1994, Barretto se presenta nuevamente con FANIA ALL-STARS en el Estadio Hiram Bithorn, de San Juan, Puerto Rico, con el cual inician una serie de presentaciones que incluirían conciertos en el Madison Square Garden de New York, el 18 de junio, y en el James L. Knight Center de Miami, el 24 del mismo mes. 
  Éste año, Barretto junto a Larry Harlow, Yomo Toro y Adalberto Santiago fundan THE LATIN LEGEND BAND, debutando el 1° de julio de este mismo año en el Lincoln Center de New York, para un retorno a la salsa vigorosa de siempre. Pero los compromisos de Barretto con NEW WORLD SPIRIT obligaron su retiro.Y graba su tercer álbum (CD) para CONCORD, titulado TABOO, (Concord Picante CCD-4601), en el cual se incluyen los temas Taboo, de Ernesto Lecuona; Bomba-riquen; Canción del yunque y Montuno blue, composiciones de Barretto; Work song, de Nat Adderly y Óscar Brown Jr; Guaji-rita y 99 McDougal St, de Héctor Martignon; Brother Tom, de Steve Turrentine; Lazzi afternoon; y Effendi, de McCoy Tyner. Para el álbum utiliza la misma alineación del anterior, con excepción de Adam Kolker quien reemplaza a Jay Rodríguez en el saxo y el guitarrista Alfredo González, quien no fue reemplazado. 
  En 1995, graba con NEW WORLD SPIRIT el álbum (en formato de CD), titulado MY SUMMERTIME, (Owl/Blue Note 35830), en el cual se destaca los temas Brother Ray, de Michael Philip Mossman; When you wishupon a star, de Harlina y Washington, el cual es dedicado a su hijo Christopher; No hay problema, de Jordan; Summertime, de Gershwin, donde Ray vocaliza una parte; In your own sweet way, de Brubeck; Autumn leaves; While mylady sleeps; Off minor, de Thelonious Monk; Faît accompli, de Héctor Martignon; y Worlds I love, de Ray Barretto.  Participan en el álbum Héctor Martignon, piano; Michael Philip Mossman, trompeta, trombón y flugelhorn; Adam Kolker, saxo tenor y soprano; Jairo Moreno, bajo, Vince Cherico, percusión; Mayra Casales, chékere y Alfredo “Tito” González, güiro.  En 1997, graba el álbum CONTACT!, (Blue Note CD-56974), probablemente su mejor grabación de jazz latino, donde finalmente cristalizan sus múltiples influencias. El álbum incluye los temas Moss Code y Dance of Denial, de Michael Philip Mossman; La bendición y Liberated spirit, de Barretto; Caravan, de Ellington, Mills y Tizol; Serenata, de Leroy Anderson; Poinciana, de Bernier y Nat Simon; Point of contact, de Adam Kolker; The summer know, de Michel Legrand; y Sister Sadie, de Horace Silver. Para este álbum ingresan John Di Martino en reemplazo de Martignon en el piano; Ray Vega regresa en reemplazo de Casales y González en la percusión y Hans Glawishnig ejecuta el bajo en los temas Serenata y Poinciana.  En el año 2000, graba para el sello RCA el CD titulado PORTRAIT IN JAZZ & CLAVE, (RCA CD-68452), en el cual se incluyen los temas The mooche; Cotton tail; Johnny come lately, de Billy Strayhorn; Canción del fuego fatuo; I mean you, de Thelonious Monk; Go, de Wayne Shorte; Like Sonny, de John Coltrane; Lamento borincano; y Oclupaca. Para el álbum, además de Cherico, Di Martino y Kolker quienes venían del álbum anterior, se incorporan Steve Turre, trombón y caracoles; Bobby Sanabria, percusión; John Bailey, trompeta; Kenny Burell, guitarra; Eddie Gómez, bajo; y Joe Lovano, saxo tenor. En el año 2001, graba para el sello CIRCULAR MOVES el CD titulado TRANCEDANCE, (Circular Moves CD-7008), en el cual se incluyen los temas Renewal, de Monty Alexandre; Hi-fly, de Randy Weston; Trancedance; Para que niegas, de Orlando López Cachaito; I remember Tito, tema de Barretto dedicado a Tito Puente; Grand Canyon Suite: Sunset / On the trail, con intervención del invitado James Moody en la flauta; Round about midnight, de Thelonious Monk; Iberian interlude, de Ray; y Fever, de Peggy Lee. Para el álbum, además de su sexteto NEW WORLD SPIRIT, participan el grupo de percusionistas cubanos LOS PAPINES; James Moody, saxo alto y flauta; Johannes Weidenmuller, bajo; John Rodríguez y Bobby Sanabria, percusión. El sello FANIA publica el álbum AT HIS BEST, (Fania 745), una compilación que incluye los temas Oye la noticia, Hipocresía y falsedad, Tumbao Africano, y Arrepiéntete, vocalizadas por Adalberto Santiago; Fuerza gigante y Mi dedicación, vocalizados por Ray de la Paz; El hijo de Obatala e Indestructible, vocalizados por Tito Allen; Canto Ayacuá, vocalizado por Rubén Blades; Vine pa’ echar candela, vocalizado por Tito Gómez; y los instrumentales Acid y Cocinando.   El 27 de abril de éste año, Ray celebra sus 50 años de vida musical con un concierto en el Anfiteatro Tito Puente de San Juan, Puerto Rico, grabado por el sello SONNY INTERNATIONAL en un CD doble, titulado RAY BARRETTO: LIVE 50TH ANNIVERSARY, (Sony Int 84744), en el cual se incluyen los temas Fuerza Gigante, vocalizado por Ray de la Paz; Quítate la máscara, vocalizado por Adalberto Santiago; Nadie se salva de la rumba, vocalizado por Yolanda Rivera y Adalberto Santiago; Amor artificial, vocalizado por Ray de la Paz; Guajira para Vieques, vocalizado por Adalberto Santiago, Tito Allen, Yolanda Rivera y Ray de la Paz; El Hijo de Obatalá, vocalizado por Tito Allen y Tito Nieves; y el medley Club Mix 50 Aniversario, en el CD N° 1; Testigo fui, vocalizado por Ray de la Paz y Adalberto Santiago; Indestructible y Ay no, vocalizados por Tito Allen; Arrepiéntete, vocalizado por Adalberto Santiago; Guararé, vocalizado por Víctor Manuelle; Hipocresía y falsedad, vocalizado por Adalberto Santiago; y Que viva la música, vocalizado por Adalberto Santiago, Tito Allen, Yolanda Rivera y Ray de la Paz, en el CD N° 2. Los músicos que participaron en el homenaje fueron Luis “Perico” Ortiz, Elías López, Charlie Sepúlveda y Juancito Torres, trompetas; Raffi Torres, trombón; José “Furito” Ríos, saxo tenor; Orestes Vilató y Edwin Clemente, timbales; Andy González y Pedro Pérez, bajo; Eric Figueroa, piano; Roberto Roena, bongó; José “Cochi” Clausell, conga y bongó; y Johnny Rodríguez “Dandy”. Y el sello MUSIC CLUB, publica el álbum SALSA CALIENTE DE UN YORK!, (Music Club 50166), una compilación en la cual se incluyen los temas Soy dichosos; Quítate la máscara; Guararé; El hijo de Obatalá; Oye la noticia; Tumbao Africano;  Bamabaraka Tunga; La resbalosa; Manos Duras; Acid; Indestructible; Adelante siempre voy; y Cocinando.  En 2002, graba para el sello SUNNYSIDE el CD titulado HOMAGE TO ART BLAKEY, (Sunnyside 1105), en el cual se incluyen los temas Close your eyes; United, Sleeping dancer sleep on, Noise in the attic y Lester left town, composiciones de Wayne Shorter; Ballade for Buhaina, de John Bailey; Frere Jacques; y Buh’s bossa, de Lynn Morgan. El grupo para el CD estaba conformado por John Bailey, trompeta; Miguel Zenon, saxo alto; Luis Perdomo, piano; Hans Giawishing, bajo; Vince Cherico, batería; y Ray congas y percusión. En 2004, Ray presenta el concierto “Toda una vida” en el Coliseo Rubén Rodríguez de Bayamón, acompañado por la PUERTO RICAN MASTERS. Y el sello FANIA publica otra compilación titulada THE BEST, (Fania 778), en la cual se incluyen, entre otros los siguientes temas: Mírame de frente, Llanto de cocodrilo; Quítate la máscara, Acid y Guararé.  En 2005, Barretto lanza su séptimo trabajo realizado en el transcurso de sus últimos diez años en el jazz latino, titulado TIME WAS – TIME IS, (0 + 109), en el cual se incluyen los temas Drume negrita; Murmullo; Mags, con un excelente solo de Joe Magnarelli en le trompeta; Motherless Childs, antiguo tema gospel en versión latina; Palladium nights, con gran solo de Ray en los timbales; One for Ray; Syracuse; Caper for Chris, dedicado a su hijo Chris y en el cual Ray ejecuta la batería por primera vez en una grabación; y The view from here, completan el disco. El grupo para el álbum, que recibe nominación para el premio Grammy, estaba conformado por Joe Magnarelli, trompeta y flugelhorn; Myron Walden, saxo alto; Robert Rodríguez, piano; Vince Cherico, batería (el único integrante del NEW WORLD SPIRIT); Sean Conley, bajo; Bobby Sanabria, percusión; y Ray en las congas, bongó y timbales. El 8 de septiembre, Ray realiza un apoteósico concierto titulado “El sueño del Rey”  en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré de Santurce, Puerto Rico, en el cual actúa inicialmente con su sexteto conformado por Joe Magnarelli, trompeta y flugelhorn; Myron Walden, saxo soprano; Roberto Rodríguez, piano; Ricardo Rodríguez, bajo; y Vince Cherico, batería. Se destacan la actuación del pianista Roberto Rodríguez en el tema Drume negrita; y el debut de su hijo Christian, ejecutando el saxo alto en el tema I mean you (10), de Thelonious Monk. En la segunda parte, Ray fue asistido por la ORQUESTA GIGANTE, dirigida por el bajista y director de LA MULENZE, Edwin Morales, conformada por Edwin Clemente, timbales; Leny Prieto, piano; Alberto Muriel, bongó; Rafy Torres, trombón; Fernando Marcano, José Ruiz y Julito Alvarado, trompetas; Wichie Camacho y Rafael Andino, coros; y Ray en las congas. Como vocalista se presentó Adalberto Santiago. El viernes 13 de enero de 2006, la National Endowment for the Art, (Asociación Internacional de Educación del Jazz, en español) (AIEJ) (11), en ceremonia celebrada en el Grand Ballroom del Hotel Hilton de New York, otorgó a Ray el título de Maestro del jazz, la máxima distinción que puede recibir un músico de jazz, constituyéndose en el segundo hispano que la recibe, después de Paquito D’Rivera.A su regreso de la premiación, Ray contrae un fuerte resfriado que debido a su condición asmática le genera una pulmonía. El sábado 14, Ray sufre un leve ataque cardíaco, luego de un ataque de asma. El jueves 19 fue hospitalizado en el Valley Hospital de New Jersey, y el sábado 21 fue intervenido quirúrgicamente del corazón, colocándosele cuatro “bypass”. El domingo 29 fue intervenido nuevamente de emergencia en el mismo hospital, debido al sangrado de uno de los “bypass” colocados. El jueves 9 de febrero, Ray es trasladado a la unidad de cuidados intensivos del Centro Médico de la Universidad de Hackensack en New Jersey, donde es sometido a una traqueotomía y auxiliado por un respirador artificial. En 17 de febrero, a las 5 am, Ray muere en el centro médico. Su esposa Annette “Brandy” Rivera y sus dos hijos estaban a su lado al momento de su muerte.“Según el periodista Jaime Torres Torres en artículo publicado el 21 de febrero de 2006, Ray entró en noviembre de 2005 al estudio a grabar con Hilton Ruiz, piano; David Sánchez, saxofón tenor; Papo Vázquez, trombón; John Benítez,  contrabajo; Adam Cruz, batería; y su hijo Chris, saxofón alto, una secuencia de clásicos jazzísticos de las eras del swing y el be-bop, como Suddenley It's Spring; Baby, Baby; All the Time; Strange Music; Ivy; I Had the Craziest Dream; Lover Man; Say Something to Live For; Lean On Me y Blues In E Flat. El lanzamiento del álbum, titulado STANDARDS RICAN-DITIONED, programado originalmente para el mes de junio, debe ser adelantado por ZOHO MUSIC para la semana del 29 de abril, en que Barretto hubiese cumplido 77 años. El orgullo que Ray Barretto sentía por sus raíces y el respeto que siempre le profesó a los músicos puertorriqueños propiciaron la producción del disco Standards Rican-Ditioned, un mensaje al mundo sobre la sensibilidad, la preparación y los conocimientos del jazz del talento de Borinquen.”  (12) Conocido como “El Rey de las manos duras”, es quizá el más famoso tumbador que ha tenido la Salsa, y además miembro importante del grupo fundador de Las Estrellas FANIA, en 1971. De igual forma, ha dejado huella en dos culturas –y músicas- que han sido suyas desde la infancia el jazz y la salsa.  Notas: (1) Tomado del artículo “Ray Barretto y su tierna inspiración”, publicado por Jaime Torres Torres en El Nuevo Día, el 5 de septiembre de 2005. (2) Tomada de la entrevista de Maya May a Barretto, el 26 de mayo de 2005, publicada en el sitio www.salsapaca.com, en la Internet. (3) Tomado del artículo sobre Barretto, publicado por Primerahora.com en la Internet. (4) Existen algunos trabajos de RIVERSIDE publicados en formato de 45 rpm, tales como Jazz pachanga y Blue pachanga, de Héctor Rivera,  (Riverside R-45463); Cachetera, de Mike Ramos y Mi pobre espalda, de Ray Barreto, (Riverside R-4515), en los cuales se indica que es COPIA PROMOCIONAL, por lo tanto pueden ser anteriores al álbum en mención. Existe una curiosa edición de ésta álbum, publicada por el sello FORTISSIMO, una división del sello RIVERSIDE, bajo el titulo de PACHANGA IN PERCUSSION, (Fortísimo XK 8007), la cual tiene la particularidad de ejecutarse de adentro hacia fuera. Además utiliza una pasta de color rojo, en lugar de la tradicional negra. (5) Comentario de Barretto en los créditos del álbum. (6) En el libro de Juan A. Moreno-Velázquez, Desmitificación de una diva: La verdad sobre La Lupe, en la página 71 se anota que, en 1964, Willie García era el cantante de Ray Barretto y durante una presentación de la orquesta en un baile, éste conoce  a La Lupe, con quien se casaría a finales del año, sin embargo entre 1963 y 1966, Ray utiliza como vocalistas a Manny Román y Henny Álvarez. Como fuente el Sr Moreno-Velázquez cita una entrevista con Ray Barretto realizada el 4 de octubre de 2002. Sobre los cantantes de éste álbum también existe otra discrepancia: en el álbum se indica que es Willie García; en las notas del CD, aparentemente firmadas por Ray, se anota que interviene Adalberto; Pete Bonet, en el artículo de Primerahora.com, comenta que él participó en la grabación; y Adalberto Santiago comenta en varios artículos que su primer álbum con Barretto fue LATINO CON SOUL. (7) Tomado del artículo sobre Adalberto Santiago, publicado por Primerahora.com en la Internet. Incluso en dicho artículo se comenta que el cantante de la orquesta en ese momento era Manny Román. (8) Tomado del artículo sobre Pete Bonet, publicado por Primerahora.com en la Internet. Según el vocalista, se unió a la banda de Barretto en 1962 llevado por su amigo el saxofonista José Canoura, participando en los álbumes Latino!  y Charanga Latina, pero su nombre no figura en los créditos por no haber estado afiliado a la Unión de Músicos. “Cuando comencé a cantar con las orquestas de Ray Barretto y Mongo Santamaría no estaba afiliado a la Unión de Músicos y por eso mi nombre no aparece regis6trado en ésas carátulas”, aclara.  (9) “Siempre agradeceré la oportunidad que me brindó, en 1975, de participar como miembro de su afamada orquesta. Mi debut en Nueva York con Barretto inicia formalmente mi carrera como vocalista del género salsa en Estados Unidos y me proyecta a los escenarios artísticos internacionales. Eso no lo olvidare jamás.” Parte del comentario de Rubén Blades a raíz de la muerte de Barretto. (10) Sobre el nombre de éste tema no hay unidad. Anxo anota I need you, baby; Elmer González, en su escrito para la revista Escenario anota I’ll follow you; y Jaime Torres Torres en su crónica de septiembre 11 en El Nuevo Día, anota el título de I mean you. En lo que todos coinciden es en la autoría de Thelonious Monk. (11) Este galardón, que está considerado como el premio “Oscar” del jazz, fue establecida en el año de 1982, y se otorga a artistas vivos. (12) Tomado del artículo publicado por Jaime Torres Torres en el diario El Nuevo Día de Puerto Rico y reproducido en el sitio Jazz_Mestizo.com, en la Internet.  DISCOGRAFIA RAY BARRETTO 
 1961                Pachanga with Barretto. (Riverside RLP-7506)(Stereo 97506)1962                Latino. (Riverside RLP-93520)1962                Charanga Moderna. (Tico SLP-1087)1963                On the fire again. (Tico SLP-1096)1963                The Big Hits Latin Style. (Tico SLP-1099)1964                La Moderna de siempre. (Tico SLP-1102)1963                Guajira y guaguancó. (Tico SLP-1114)1965                Viva Watusi. (UAL-3445)(UAS-6445)(WS Latino 4058)1965                Sr. 007. (UAL-3478)(UAS-6478) (WS Latino WSLP-4278)1966                El Ray Criollo. (UAL-3543)(UAS-6543)(WS Latino 4052)1967                Latino con soul. (UAL-3593)(UAS-6593)(WS Latino 4053)1968                Acid. (Fania SLP-346)1968                Fiesta en el barrio. (WS Latino 4204)(Compilación)1968                Hard hands. (Fania SLP-362)1970                Sometime to Remember. (Tico 1205)(Compilación)1970                Together. (Fania SLP-378)1971                Ray Barretto. (LS-61901-2)(Álbum doble, compilación de UA Latino)1971                Barretto / Head sounds. (Fania 388)1972                Power. (Fania SLP-391)1972                The Message. (Fania SLP-403)1972                From the beginning. (Fania SLP-410)(Compilación Fania)1972                Que viva la música. (Fania SLP-427)1973                The other road. (Fania 448)1973                Carnaval. (Fantasy 24713)1973                Indestructible. (Fania 456)(Canta Tito Allen)1975                Barretto. (Fania 486)(Rubén Blades y Tito Gómez)1975                Energy to Burn. (Fania 505)1976                Tomorrow. (Koch 8285)1977                Eye of the Beholder. (Atlantic SD-19140)1978                Can you fell it?. (Atlantic SD-19198)1978                Gracias. (Fania 528)1979                Rican/struction. (Fania 552)1979                La Cuna. (Legacy / Epic 66126)1980                Giant Force. (Fania 579)1982                Rhythm of life. (Fania 605)1983                Tremendo trio. (Fania 623)(Celia Cruz y Adalberto Santiago)1984                Todo se va poder. (Fania 633)1987                Aquí se puede. (Fania JM-642)1988                Ritmo en el corazón. (Fania 651)(Canta Celia Cruz)1989                Irresistible. (Fania 658)1991                Soy Dichoso. (Fania 666)1991                Handprints. (Concord CCD 4473)1992                Ancestral Messages. (Picante / Concord 4549)1992                Descarga criolla. (Palladium PCD 162)(Bilongo)(Compilación)1994                Taboo.1995                My Summertime.1997                Contact.2000                Portrait in Jazz & Clave.2001                Ray Barretto: Live 50th Anniversary.2001                Trancedance: Ray Barretto & New WS feeling. James Moody y Los   Papines.2001                At Hits Best. (Fania 745)2001                Salsa caliente de Nu York!. (Disco Club 50166)2002                Hommage to Art Blakey.2004                Fuerza Gigante. (Universe 118)2004                The Best. (Fania 778)2005                Time was – Time is.   BIBLIOGRAFÍA - Ray Barretto – Jazz. Musicofpuertorico.com. Internet.- Ray Barretto: arrojado intérprete de las tumbadoras. Hiram Guadalupe. Pérez.  Primerahora.com.- El Libro de la salsa. César Miguel Rondón. Óscar Todman Editores.- Diccionario de Jazz Latino. Nat Chediak. 1998- Artículos sobre Adalberto Santiago y Pete Bonet. Hiram G. Pérez. Primerahora.com.- Discotecas de Joaquín D’Janon, Diógenes Royet, Rafael Bassi Labarrera y Bar El Taboga. Edición mayo 2006 

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Richie Havens, coraje folk en Greenwich Village

Cantante criado en los márgenes del blues y el gospel, abrió el festival de Woodstock en 1969

Pasó a la historia por ser el músico encargado de abrir el célebre festival de Woodstock en 1969, aunque algunos también le recordaban por sus sentidas interpretaciones de canciones de Bob Dylan o The Beatles. Pero Richie Havens, fallecido de un ataque al corazón a los 72 años el lunes en su casa de Jersey, era más que todo eso. Era un artista de talla única, de verdadera raza folk, esencia misma de la escena de Greenwich Village que iluminó la música norteamericana en los sesenta.

Nacido en 1941 en el barrio neoyorquino de Brooklyn, Richard Pierce Richie Havens fue el mayor de nueve hermanos. Sintió la llamada de la música por influencia de su padre, que tocaba el piano en casa. Como tantos otros chavales afroamericanos de principios de los cincuenta, empezó como artista callejero con tan solo 12 años, cantando en esquinas cuando el doo-wop dominaba las calles de Nueva York. Pero Havens, que ingresó en una escuela de gospel, guio sus pasos hacia el folk cuando en edad adolescente decidió instalarse en Greenwich Village, semillero bohemio de escritores, activistas políticos y cantautores. Corrían los principios de los sesenta.

Músico hecho a sí mismo, sin apenas técnica con la guitarra, se curtió en los clubs nocturnos mientras, pasando la cesta para conseguir unos dólares en garitos como Why Not?, tocaba “14 veces por noche en actuaciones de 20 minutos”, según aseguró en una entrevista que concedió a la CNN. En plena época de la flor y la nata de los revisionistas del folk, se codeó con Dave Van Ronk, Pete Seeger, The Weavers, Doc Watson o Bob Dylan, al que admiró desde el primer día. Pero pertenecía al grupo de cantantes negros, criados en los márgenes del blues y el gospel, que dieron temperamento al folk del Village sin alcanzar nunca la trascendencia comercial de sus colegas blancos. Una pandilla jamás reunida ni oficializada pero de influencia sobresaliente, desde sus aportaciones solitarias, formada por Odetta, John Lee Hooker o Josh White, entre otros. Como ellos, su condición de negro y su origen humilde definieron su conciencia social en un folk aguerrido.

En este sentido, Havens, junto a Pete Seeger, fue uno de los primeros artistas que interpretó canciones de Dylan en el Village, dando un mayor cariz político, que su autor solía rechazar, a composiciones como A hard rain’s a-gonna fall cuando Estados Unidos se encontraba en el apogeo de la crisis de los misiles con Cuba. Asimismo, destacó pronto por transitar caudales sonoros que daban otro ritmo al folk de autor. Como bien demostró en el magistral Mixed Bag en 1967, rastreaba ecos del blues y el jazz, asociándose a la sugerente experimentación de otro coetáneo como Fred Neil. En Mixed Bag, se recogían maravillosas versiones, cantadas como un soul callejero, de Just like a woman de Dylan y Eleanor Rigby de los Beatles.

Un listón parecido ofreció en Something else again (1968) y Richard P. Havens, 1983 (1969), donde volvió a incluir versiones de Dylan y los Beatles. Su carisma y la fuerza de sus letras le llevaron a Woodstock. Estaba programado el primer día en la quinta posición pero la ausencia de Sweetwater, que llegaron tarde a su cita como primeros del cartel, le obligó a abrir el festival más famoso de la historia. Sobre el escenario improvisó Freedom, tal vez el momento más recordado de su carrera por su poderosa interpretación y el significado que adquirió para la generación de la lucha contra la guerra de Vietnam. Otro punto culminante fue cuando el latido soul de su emotiva versión de Here comes the sun de los Beatles alcanzó en 1970 las listas de éxitos.

Sin dejar de sacar vinilos ni actuar en directo, su declive vino en los setenta, acentuándose en los ochenta, aunque sacó un interesante homenaje a Dylan y los Beatles o Wishing Well, aplaudido por la crítica en 2002 y con versiones de Pink Floyd o Willie Nile.

Aunque Havens llegó a actuar en la Casa Blanca durante la primera presidencia de Bill Clinton, lo verdaderamente importante de su obra fue el coraje que imprimió a su folk, que posteriormente dejaría su impronta en artistas como Crosby, Stills and Nash o Ben Harper.

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Ramón "Mongo" Santamaría / Biografia

Ramón "Mongo" Santamaría

Ramón "Mongo" Santamaría en  Nueva York, alrededor de 1960 Foto de ©Martín Cohen

Semblanza

La Habana 7 de abril de 1917   -   Miami 1 de febrero de 2003

"Cuando escucho a un gran tumbador como Armando Peraza, Mongo Santamaría, Francisco Aguabella, Tata Guines o Patato Valdés, no oigo las congas, oigo a la vida". Carlos Santana

 

Una compilación de ©Israel Sánchez-Coll

isanchez_coll@yahoo.com

Miembro fundador de Herencia Latina

Al maestro Mongo Santamaría se le conoció como el conguero más influyente en el desarrollo que ha tenido el Jazz Latino en los EUA.  El sonido del tambor de Mongo abarcó desde el típico  sonido cubano del son tradicional, hasta una variedad de ritmos como el Boogaloo, Guajiras Boogaloo, Rock, Soul, Pop, Salsa, Música Religiosa de la Tradición Afrocubana, Pachangas, Charangas, fusiones de Panchangas Twist, entre otros.   Son relativamente pocos los congueros con un sonido tan individual que uno podría distinguirlos entre la multitud, Ramón Mongo Santamaría era uno de ellos.  Le daba mayor importancia al timbre más oscuro de sus congas, y se quedaba un poco atrás del beat para crear un notable swing en su estilo de percusión afrocubana, dejó una marca indeleble en el jazz.  Su obra influyó tanto en sus contemporáneos como en músicos e intérpretes más jóvenes: Ray Barretto, Giovanni Hidalgo, Poncho Sánchez, Patato Valdés, etc.  El propio Tito Puente expresó alguna vez: "Mongo me adelantó en la rumba y el son más que si hubiera ido a una Universidad". Lamentablemente el pasado sábado 2 de febrero de 2003, a las 3:00 a.m., hora de Miami, el gran percusionista Ramón "Mongo" Santamaría, murió en el Baptist Hospital de dicha ciudad; había ingresado el jueves por la noche aquejado de graves quebrantos de salud. 

Por alrededor de cincuenta años el maestro Mongo Santamaría infecto de ritmos cubanos el ambiente musical de los EUA.  Mongo, nació en el popular barrio de Jesús María de La Habana, su fecha de nacimiento fue el 7 de abril de 1917 – la cual la confirmaron en sus funerales sus hijos para una entrevista al Nuevo Herald de Miami, además Mongo se la mencionó en entrevistas: al profesor Raúl Fernández, al músico de Latín Jazz Bobby Sanabria y a Jaime Torres del periódico el Nuevo Día de Puerto Rico. 

Su padre fue Ramón Santamaría Giménez, de profesión albañil y fungía como "sargento" en las actividades políticas locales. Su madre, Doña Felicia Rodríguez, vendía café, cigarros, etc. en  un puesto callejero.  Su abuelo paterno nació en el Congo - África, había arribado a Cuba en condición de esclavo en un barco negrero a finales del siglo XIX y murió cuando Mongo aún estaba pequeño.  Fue su abuelo, quien siempre le llamó Mongo, que en lengua Senegalés significa: "Jefe de la Tribu" (Fernández.  2003). Su abuela materna cocinaba para los toques de la religión santera, en los que Mongo comenzó su aprendizaje en el tambor, también, lo llevaba a los eventos seculares y religiosos de la santería, donde tuvo contacto directo con las lenguas Lucumí y Yoruba – lenguas exactas y de carácter liturgico.  Con ellas se facilita la comunicación directa con las potencias de la religión Yoruba y permite integrarse en el culto.

El tío materno de Mongo, José Rodríguez, conocido como Macho, tocaba maracas en un grupo sonero conocido como Jiguaní, y fue él, quien entusiasma  al joven Mongo para que se dedique a la música, por lo tanto Mongo empezó su carrera de músico tocando el violín, persuadido por su mamá, quien deseaba se inclinara por la parte clásica. No obstante antes de entrar al colegio eligió el camino de la percusión, al parecer, le gustaba tocar y cantar en los grupos del barrio, de hecho formó parte de La Lira Infantil, y después, La Lira Juvenil. Otro que influyó en la carrera de Mongo fue su primo Luis Santamaría, cantante y corista de ceremonias religiosas de los Lucumíes.

 A los diecisiete años tuvo que trabajar regularmente por las tardes como cartero y dedicarse a la percusión por las noches.  La música no daba para vivir decorosamente. El pago que se le ofrecían a muchos músicos talentosos era irrisorio, de tal forma que estaban obligados a escoger otras profesiones a fin de proporcionarse un nivel aceptable de vida.

Llegó a conocer a Chano Pozo el tambor de Cuba― en La Habana, ambos trabajaron en varios espectáculos del Tropicana bajo las órdenes de Armando Romeu. Mongo tocaba el bongó y Chano Pozo cantaba y bailaba. También trabajaron juntos para un espectáculo de Miguelito Valdés. Integró muchas orquestas, parecer ser que Mongo hace su debut como bongosero profesional en el cabaret habanero de Eden Concert con una agrupación bastante conocida y dirigida por el maestro Alfredo Boloña,  el Conjunto Boloña; poco después se integra a un sexteto organizado por Alfredo León, que incluía veteranos soneros como el cantante Joseíto Núñez, proveniente  del Septeto Nacional; el pianista Silvio Contreras, autor del  antológico danzón "Masacre"; Cristóbal Dobal, compositor y bajista  que con el tiempo se uniría al Conjunto Casino; y del trompeta Miguelito Peyoso.  Mongo da un paso histórico  al ser parte del famoso sexteto la Carabina de Ases.  Pese a su juventud participa por vez primera en la grabación de los Lecuona Cuban Boys y con Antonio Machín.  Las congas en sus manos ganan la autoridad de un sonido fuerte, definido, acompasado, preciso, por lo tanto su nombre comienza a inquietar el ambiente habanero. (Fernández.  2003)

En el Casino Tropicana  tocó con la orquesta Los jóvenes del Cayo y el Conjunto Matamoros, en efecto, tiene una grabación con  Miguel Matamoros. Funge como bongosero de la Orquesta de Planta de la emisora Mil Diez, el sonido de la  percusión de Mongo es bastante reconocido y latente con dicha orquesta para la pista de sonido que hacen para la película "Ahora Seremos Felices" (1939) (Fernández.  2003). Es llamado para hacer breves giras con el Conjunto de los Hermanos Camacho, quienes tocaban en la tanda preliminar de las actuaciones del Conjunto Casino, además suena los cueros con la Jazz Band de los Hermanos Martínez. También integró el Conjunto Azul, el Conjunto Camacho de Camaguey, el Conjunto de Alfredo León y la Legendaria Sonora Matancera. 

Cuando el maestro Arsenio Rodríguez formó una segunda agrupación bautizada Segundo Conjunto de Arsenio, escoge como director y tresero, al maestro Candido Camero y, como su bongosero a Mongo Santamaría. También se tiene información que tocó con Enrique González Mántici y Bebo Valdés.  Integró junto a Patato Valdés y Peraza grupos de comparsas, tal como la popular jardinera, donde recorrían las calles participando en el famoso carnaval de La Habana.  Algunas personas atribuyen que Pérez Prado, le ofreció un empleo permanente en su orquesta.

Mongo actuó en varias películas en Cuba con Juan Galbizo. Una de sus grandes influencias como percusionista fue el conguero de la banda de Benny Moré, Clemente Piquero1, conocido por el apodo de "chicho", con quien también tocó. Tenía mucha calidad y su forma de tocar le hizo replantearse el papel de la percusión.  Años más tarde "Chicho" formó parte del elenco de la orquesta gigante de Beny Moré en México y luego se trasladó a Cuba donde continuó con el grupo hasta que murió.

Después de ser uno de las principales atracciones del prestigioso Club Tropicana de la Habana, viajó a la ciudad de México alrededor de los años 40’s con el grupo de baile de Lilón y Pablito - The Black Cuban Diamonds [está información la obtuvimos por una conversación telefónica con el maestro Johnny Seguí y Jaime Jaramillo, en San Juan] al parecer debutaron en varios clubes.  Después se integró en México Armando Peraza (nació en La Havana, Cuba, el 30 de Mayo de 1924).  En conversación con Luis "ChiChi" Ernesto, Armando Peraza le comunicó (véase las notas del artículo):

     ― "En México, Mongo se enfermo y su madre me dijo que él necesitaba un reemplazo para la banda. Conseguí una visa  temporera del gobierno cubano y me dirigí a México, en donde lo  substituí. Después que él se recuperó, los dos estábamos en la banda tocando congas, bongos y tumbadoras".

 

Lilón y Pablito - The Black Cuban Diamonds. En los bongoes y campana se observa a Mongo.

En México Mongo aparece tocando las tumbadoras en la película "Cuando el Alba Llegue" filmada para 1948, con la banda de Silvestre Méndez y como cantante Benny More. [También existe un episodio interesante en el mundo del celuloide, el reconocido director de largometrajes y comediante norteamericano Mel Brooks realizó la película Blazing Saddles (Monturas en Llamas). La película relata la situación de un pueblo del lejano oeste, en el cual su gobernador quiere que el pueblo se desplace hacía otro sitio ya que por allí estaba planeado la ruta del tren. En efecto, dicho gobernador deseaba quedarse con las tierras, dado a que, cuando viniera la expropiación él recibiría una jugosa cantidad de dinero. El gobernador busca un bandido entre el pueblo y designa a un joven blanco, grande, medio bobo y con una musculatura extravagante se llama "Mongo". Cuando este personaje se acerca a la entrada del pueblo montado en una vaca, en medio de la gente, algunos comienzan a gritar: Ahí viene "Mongo", Ahí viene "Mongo, de repente un habitante del pueblo encarnando por un chicano en su medio español, se le cae el sombrero, lo recoge y dice en un juego de palabras ... ¡Santa - María! y se santigua, en efecto, es a la virgen Maria o Santa María pero lleva un poco de veneno, es en referencia a Mongo Santamaría, que ya había alcanzado una fama respetable]

En cuanto con la compañía musical viajan a New York y actúan en varios lugares, sin embargo, ocurre un lamentable incidente, en un arranque de celos Pablito mata de un tiro a Lilón y luego se suicida, la compañía de baile se desbanda. Este episodio es reflejado en una vieja interpretación de Benny Moré que popularizo en "Se acabaron los rumberos de ayer" y ahí relata la muerte de Lilón a manos de Pablito, de esta manera: "se acabaron los rumberos, murió Lilón y Pablito".

 

Armando Peraza y Mingo Lewis.  Foto de Martín Cohen.

Por lo tanto Mongo y Peraza quedan sin trabajo y permanecen en los Estados Unidos durante todo el año de 1949, no obstante la situación se les complicó dado a que no se les permitía trabajar en NYC, porque  sus visas eran de artistas de show y no de músicos.  Es el padre de Johnny Seguí  y el mismo Johnny quienes gestionan un cambio en el tipo de visa con el Departamento de Inmigración de los Estados Unidos (INS). Mongo regresa a Cuba donde esperó los trámites de visado. En La Habana toca con la orquesta de Peruchín Jústiz en  el Teatro Campo amor en un show de la diva Rita Montaner, donde  coincide con el joven trompetista Chocolate Armenteros.  Acompaña de  nuevo al visitante Trío Los Panchos y al boricua Pedro Flórez, ―a quien le colabora en las grabaciones de los boleros "Orgullosa" y "Te doy  mil gracias".

Por fin, el día 23  de octubre de 1950 llega a Nueva York en calidad de residente  permanente (Fernández, 2003).  Johnny le da trabajo a Mongo en su banda de nombre Johnny Seguí y sus Dandy’s del 42.  Mientras Peraza va a Tijuana a esperar la visa y luego se traslada de manera definitiva al área de San Francisco ―ya Peraza había estado en San Francisco para medidos de 1949 con la banda de Slim Gaillard.  En San Francisco Armando Peraza formó junto con los hermanos Manuel y Carlos Duran ―de origen méxicanos― el grupo Los Afro-Cubans.  En 1953 se integró al afamado grupo de George Shearing, una asociación que duraría once años, además, revolucionaría el rock en la costa oeste al trabajar con el grupo de Carlos Santana: Santana Abraxas en los años 70, haciendo lo que Mongo llama "variaciones de lo mismo que hizo Dizzy Gillespie con la tradición afrocubana". Armando Peraza recuerda en la conversación con Luis Ernesto lo siguiente:

    ― Mongo y yo llegamos en tren a la ciudad de Nueva York. Nuestra primera noche fue sentados viendo la orquesta de Machito en el Palladium.  Su director musical era Don Mario Bauza; Mirábamos el show de Charlie Parker; en eso Parker  le pregunta a Bauza específicamente por mí, para tocar en un álbum que él había grabado con el extraordinario baterista Buddy Rich y con arreglos de Chico ÓFarrill.  Mongo y yo explorábamos  la escena a nuestro alrededor, con la música y la cultura del Caribe, la cual tomó al mundo por asalto.

A Raúl Fernández también le comentó:

   ― Cuando llegamos a los EUA, los negros estadounidenses no tocaban ni bongo ni conga, porque no se sentían unidos a los instrumentos y fue entonces cuando comenzó el movimiento.  La América negra tenía por única música tradicional el blues, y los músicos no querían saber nada de la conga, a la que consideraban un instrumento primitivo.  La infiltración comenzó con músicos como yo, Chano Pozo, Mongo, Patato, Aguabella, Cándido Camero y muchos más.

Johnny Seguí y sus Dandies del 42 en el Club Caborrojeño para 1955: Johnny Seguí (bajo); Mario Román (piano); Wilfredo Figueroa (cantante); Willie Rosario (timbales); Larry Sposito (trompeta); Johnny Ruiz (trompeta); Larry Moser (trompeta); Armando Pantoja (Bongo) y Jack Vague(congas).  Foto de los archivos de Jaime Jaramillo.

 

En la Orquesta de los Dandy’s Mongo tocaba los bongoces, Willi Bobo las tumbadoras, Yayo "El Indio" era su cantante, en el piano Charly Palmieri y en el bajo Johnny Seguí.  En 1955 tuvo en el piano a Eddie Palmieri y en los timbales a Willie Rosario entre otros. Mongo permaneció con Los Dandy’s alrededor de un año y actuaron en el Club Caborrojeño (145 th Street y Broadway), El Palladium, el Broadway Casino (146 th Street y Broadway), Grand Plaza, Tropicana, etc. [El maestro Johnny Seguí nos comentó algunas anécdotas con respecto a sus Dandy’s: "En una ocasión que tocaban Los Dandy’s en el Park Plaza, Tito Rodríguez repartía una invitación en dicho lugar para un baile en que sus Los Lobos del Mambo y Los Dandy’s tocarían juntos en el Palladium, cuando Tito vio la banda, le dijo a Federico Pagani, "No me pongas a tocar al lado de Los Dandy’s porque me revientan", hay que aclarar que apenas Tito Rodríguez comenzaba con su banda.  Otra fue que Yayo el Indio se quejaba,  porque el adolescente de Joe Quijano, le gustaba montase en la tarima del Club Caborrojeño e intentaba unirse a la banda.  Johnny le tocaba bajarlo de la tarima.  Tiempo después, Johnny le dio la oportunidad en el mismo club, donde cantó: La Gloria eres tú y Como fue.]

Yayo el Indio y Johnny Segui en NY. Foto de los archivos de ©Jaime Jaramillo

Johnny Seguí viaja con regularidad a Puerto Rico, debido a que tenía una especie de banda "local" y tocaba con relativa frecuencia en diversos hoteles. Previó a sus viajes y para que Mongo no se quedara sin trabajo lo recomendó con el maestro Tito Rodríguez para su conjunto "Los Diablos del Mambo" al parecer a Tito no le gustó el estilo de Mongo.  Alrededor de 1950 Mongo colabora en varios toques con la primera charanga de Nueva York liderada por el flautista, saxofonista y compositor cubano Gilberto Valdés, para los contratos que él tenía con el Tropicana de NYC.   Luego se va con la Banda de Pérez Prado a una gira por varios Estados del Sur de los EUA.  A través de una conversación telefónica con el maestro Johnny Seguí en San Juan conocimos lo siguiente:

    ― "Después de la gira que Mongo realizó con Pérez Prado en el sur de los EUA, a Mongo no le quedaron más ganas de tocar con Prado. La historia se remonta a un accidente automovilístico que sufrió la banda en Texas y Mongo  casi pierde una pierna. En la frontera sufrieron un grave accidente donde murió al parecer, la bailarina cubana Celia Romero. Mongo quedó herido de la cadera y en una piernacomo le explicó Mongo a Johnny Pérez Prado le abandona y no le pagó los honorarios; la cosa se le complicó a Mongo ya que no dominaba el inglés y en el hospital donde lo atendieron, el doctor por problemas raciales, quería amputarle la pierna accidentada. Le salvó su extremidad, el cantante puertorriqueño Paquito Sosa, quien discutió acaloradamente con el medico de turno – un señor blanco y sureño:

    ― Pero si él no es negro norteamericano, él es cubano.  El médico le repostó:  "¡ Ah yo creía que él era negro...!"

Desistió de amputarle la pierna y ordenó que le cambiaran de salón y le pusieron en la pierna algunos tornillos y le arreglaron la parte afectada de la cadera. 

Al parecer se dice que fue una mujer de color quien le atendió durante dos meses y cuidó mientras Mongo estuvo en el hospital,  Regresó a New York y se integra a la banda del maestro Tito Puente y jamás volvió a tocar con Pérez Prado. Invirtió cerca de seis años tocando con Tito, entre los años de 1951 a 1957.  Mientras Johnny Seguí y sus Dandys del 42 retornan a Puerto Rico a finales de los años 50’s.  El maestro Willy Rosario es testigo de la calidad de la banda, en una entrevista con George Rivera de Jazz con clave expresó:

    ― "Quise emular las orquestas de Tito Rodríguez y Machito, sin embargo  aprendí mucho mientras estuve en la orquesta de Johnny Seguí.  Él tenía una orquesta fenomenal.  La orquesta de Johnny fue la primera que tuvo cuatro trompetas.  Él utilizó las cuatro trompetas antes que Machito, Puente y Rodríguez - como el Conjunto Casino.  Yo regresé con su banda a Puerto Rico cuando él se decide abandonar a New York".

Mongo ingresa la orquesta de Tito Puente en 1951, durante este tiempo, grabó música nacida de los cultos religiosos Afro-Cubanos: "Tambores Afro Cubanos" en el sello SMC y "Changó" en 1955 en el sello Tico Records (reeditado en 1978 en Vaya Records como "Drums And Chants"). En 1954, siendo miembro de la orquesta de Tito Puente, convence a éste para que reclute al percusionista William Correa (Willie Bobo) según Bobby Sanabria, se cree que "Mongo fue quien le colocó este apodo" como el sustituto de Manny Oquendo que se marchaba. (Bobo fue miembro de la orquesta de Puente entre los años 1954 y 1957).  Mongo colabora con Dizzy Gillespie  en LP Afro para 1954 bajo el sello Conga.

Con la Orquesta de Tito Puente para 1954.

Willie Bobo y Mongo Santamaría. ©Foto de Max Salazar.

Para los años 50, Mongo Santamaría ayudó a Carlos "Patato" Valdés a trasladarse a los EE.UUPatato se alojó en su casa hasta que comenzó a trabajar con la Orquesta deMachito.  No obstante, Mongo lo recomendó con Tito Puente, quien  rápidamente lo absorbe en su orquesta.  En 1955  Mongo y Patato participaron en varios conciertos en el Teatro Apollo de Harlem, la critica de ese tiempo considero que la "casa ―el Apollo― se caía".  Un documento de esos años es el álbum clásico: "Cuban Carnaval"grabado en el sello RCA, donde aparece en línea cinco congueros: Mongo Santamaría, Willie Bobo, Candido Camero, Carlo "Patato" Valdés y Johnny " La Vaca" Rodríguez.

En 1953 Mongo participó como músico de apoyo en el Quinteto de Jazz Latino dirigido por el gran pianista ciego George Shearing, teniendo como compañeros a Willie Bobo en los timbales, Cal Tjader en el vibráfono, Armando Peraza en los bogoes. También Participó en varias sesiones con pianista Noro Morales.  Graba con Puente dos clásicos de percusión afrocubana: Puente in Percusión (1955) y Top Percusión (1957). 

 

Mongo Santamaría con Tito Puente en el Palladium.  ©Foto de Downbeat.

Su participación en las grabaciones de Ritmos Calientes (1957) y Más Ritmo Caliente con el conjunto de Cal Tjader, —que contó con la formación de Armando Peraza, Mongo Santamaría, Willie Bobo, Al McKibbonel pianista chicano Eddie Cano, el saxofonista José "Chombo" Silva y otros músicos latinos de mucha experiencia  provocó graves problemas con Tito Puente2, por lo tanto Mongo y su amigo Willie Bobo se unen al grupo del vibrafonista Cal Tjader en 1958.   

Al irse Bobo y Santamaría con Cal Tjader, Puente se ve obligado a retirar varios números del repertorio por no conseguir percusionistas capaces de interpretarlos.  Raúl Fernández en su libro El Latin Jazz La Perfecta Combinación señala: "Durante los años cincuenta, varios percusionistas dentro de la tradición cubana en particular Armando Peraza, Mongo Santamaría y Willie Bobo, se fueron a radicar al área de la bahía de San Francisco". "Tjader fue testigo de un acontecimiento que cambiaría el curso de su carrera musical. El contrabajista Al Mckibban le sugirió que escuchara un sonido nuevo llamado Mambo en un salón de baile a una cuadra de distancia del Club Birland de la ciudad de New York. Cuando Al Mckibban y Carl Tjader entraron al Palladium Ballroom por la puerta de servicio sobre la calle 53.  Las orquestas de Machito y Tito Puente estaban tocando...Tjader exclamó: "Me dejaron asombrado...nunca había escuchado esos sonidos...Los solistas estaban tocando jazz y los ritmos me eran desconocidos ...tenían una orientación hacia el jazz. No sabía lo que era el Mambo...pero ¡Caray! Me quedé de una pieza cuando vi cómo Puente utilizaba el vibráfono en la música latina...me volví adicto a la música de Tito Puente".

Mongo Santamaría y Cal Tjader en New York a mediado de los años 60. Foto de ©Martín Cohen

Mongo y Bobo hacen historia con Cal Tjader en San Francisco durante cuatro años pero, Santamaría aprovecha sus ratos libres para continuar grabando con otras bandas y como solista.  Fernández recoge en el mismo libro el siguiente comentario de Chuy Varela:

    ― Chano Pozzo y Dizzy comenzaron más no lograron popularizar el nuevo sonido del jazz latino, lo cual probablemente tenía que ver con el perjuicio racial...pero Cal Tjader del área de la bahía de San Francisco fue quien realmente popularizó el sonido a escala nacional. A Cal lo tocaban mucho en las emisoras principalmente de todo el país y en realidad abrió camino para el jazz latino.

En 1959 Mongo graba su segundo disco para el sello Fantasy, contiene "Afro Blue" su más célebre composición escrita mientras estaba sentado en el camerino del show de Dinah Shore Afro Blue es hoy día un estándar del jazz, y fue interpretado por el pianista McCoy Tyner, el vocalista Oscar Brown, Jr y se transformó en una canción típica del repertorio del saxofonista tenor John Coltrane.  Mongo Viaja a La Habana con Willie Bobo en 1960 y graba dos discos: uno de cantos religiosos de los cultos afro-cubanos y el otro de rumba de cajón con la participación de Carlos Embale, Merceditas Valdés y el tresero/compositor "El Niño" Rivera (Mongo Santamaría our man inHavana), y en el otro participa con el pianista Paquito Echevarria y músicos que colaboran con Rivera en su Cuban Jam Session para Panart, como "Bol" Vivar, "Yeyito " Iglesias y Gustavo Tamayo.

 

Esta foto histórica fue tomada en un club del Bronx de nombre Club Cubano Interamericano en 1962.

De izquierda a derecha y en frente: Bernard McKinley, Al Abrieu, Víctor Venegas y Julito Collazo.

En el medio: Joso Donato, Elliott Romero y Pat Patrick. arriba: Mongo Santamaría.  Foto de ©Martín Cohen.

Santamaría regresa a EEUU con nuevos proyectos. La influencia de Cal Tjader ha dejado su huella en el conguero.  La transición del jazz la facilitan músicos que conocen el lenguaje, como Rolando Lozano antecesor del flauta Richard Egües en la Orquesta Aragón; Joso Donato brasilero, puntal de la Bossa Nova; Víctor Venegas [alrededor de 1961 el bajista Víctor Venegas, se integra a la agrupación de Mongo, estableciendo así una banda que exploraba nuevos horizontes, combinando la sensibilidad del  bebop con los ritmos afrocubanos.  Este anteproyecto de banda de jazz, le cambiaría el rostro de la música popular en 1963], Julito Collazo y José " Chombo" Silva, con quienes Santamaría coincide durante su estancia con Tjader. Con la fiebre charanguera de New York en los 60’s crea su propia charanga La Sabrosa, la heterodoxa charanga comienza a transitar de manera natural hacía el jazz. Sus grabaciones con la Charanga las realizará en 1961 para el sello Fantasy. De estas sesiones graba " Para ti", una clásica descarga en la que escuchamos a Chombo Silva improvisando en violín y saxofón tenor y él magnifico trabajo  Mongo At the  Black Hank.

Mongo Santamaría grabó fusiones de Música Latina, R&B (Rhythm and Blue), Jazz, Soul, audicionando con notables músicos como el pianista Armando Anthony Corea y el flautista Hubert Laws.  En efecto el conguero firma con el sello Riverside en 1962, queriendo dedicarse de lleno al jazz latino, entre los músicos que recluta para el desempeño se encuentra un joven pianista de origen italiano, Armando Corea, quien pronto se dará a conocer como "Chick". Remplazando a Corea durante una noche floja, otro principiante Herbie Hancock interpreta un blue que acaba de componer. Santamaría le agrada y lo incorpora de inmediato al repertorio. Su titulo, "Watermelon Man"; con la ayuda del trompetista Donald Byrd, Mongo realizó los  re-arreglos  y finalmente lo graban en 1963.

Mongo comentó:

    ― Cuando comencé mi propio grupo de jazz latino, era 1963, y algunos decían: "Lo que estas haciendo es una locura, acabaras empeñando esas congas.

    ― Después de los primeros seis meses tuvimos un gran éxito con "Watermelon Men" de Herbie Hancock. Entonces empezamos a tocar por todos lados, en todos los clubes de jazz importantes de Los Ángeles, Las Vegas, Paris.

    ― A donde me gustaba ir es a África. Conozco muchos músicos africanos Fela, Makeba, Masekala he conocido a músicos africanos por todos sitios. Me gustaría ir a África y llevar un buen grupo conmigo, ¡con gente como Armando Peraza!

Cuando graba el tema, debuta en su orquesta un trompeta, Marty Sheller, que se convertiría en la mano derecha de Santamaría y el arreglista de la banda. Los comentarios que se escuchan en el disco los aportan el percusionista " Chihuahua " Martínez y La Lupe [el percusionista Mongo Santamaría se entera, leyendo una revista cubana, que la cantante a la que " poseía el diablo cuando cantaba" estaba en Nueva York. Curioso, decide verla cantar en persona, y pronto, la carcajada de "La Lupe" suena en uno de los éxitos de más trascendencia del percusionista cubano, "Watermelon Man"]. 

Para los meses finales de 1963 le toca a La Lupe hacer su presentación discográfica en los EUA.  Como es bien sabido, se trata de una vocalista sui generis, más próxima al teatro que al jazz; se integran en esta ocasión el trompetista cubano "Chocolate" Armenteros, y el arreglista y pianista cubano Rafael Hernández.  Cuando se presentan en el Village Gate en septiembre de 1963, Mongo está al frente de lo que será el conjunto de Jazz Latino del futuro con piano, bajo, percusión y una línea de tres metales.  Es probable que el conguero cubano no haya sido el primero que graba en este formato, pero si lo es, en utilizarlo en una época donde las Big Bands peligraban por la hegemonía de la música Rock, que ya sé hacia sentir en el ambiente musical norteamericano, procedente de Inglaterra. 

En diciembre de ese mismo año, Riverside Records lanza el LP "Mongo Introduce La Lupe" de cuyo disco salen los temas "Besitos pa’ ti", "This is my mambo" y "Canta bajo", que le ganaron reconocimiento internacional.  "La Lupe" y Santamaría comienzan a actuar juntos en los lugares de moda: el Apollo Theatre; el Club Triton; El Palladium, etc; Siendo ella presentada como la estrella. Cuando Mongo se prepara a salir de gira a Puerto Rico, "La Lupe" le informa que ella no va por dos motivos: uno, que está embarazada con la hija del vocalista Willy García, con el que más tarde se casó, y dos, que acaba de firmar un contrato exclusivo para cantar con Tito Puente. 

Graba Pachanga con  Joe Loco" (reeditado con la mitad del CD "Loco Motion" en 1994), "Linda Guajira", "Mighty Mongo" (extraordinaria grabación en vivo con un octeto de Latin Jazz con temas de anteriores LPs en el CD reeditado como "At The Blackhawk" en 1994). 

Para 1964 se suma a la banda de Mongo el joven flautista y saxofón tenor Humbert Laws, permanecerá con ella hasta 1967, aportando temas originales y ocupando el cargo de director musical cuando Marty Séller se retira del escenario al perder el uso del labio para la trompeta.  Sin embargo Séller permanece hasta mediados de los 90’s arreglando y dirigiendo la banda para las grabaciones.  Humbert Laws se marcha para debutar como solista, le remplazan en su función, primero Carter Jefferson y luego Justo Almario. Unos se van y otros llegan.

Santamaría jamás consigue repetir la misma suerte de Watermelon Man. No obstante, se dedica a " latinizar" temas populares del momento en ritmos Rock, Soul, Funky los cuales desembocan en el famoso ritmo del boogaloo para medidos de los años 60.  El éxito llevó a Mongo Santamaría a firmar un contrato con la compañía de grabación Columbia (CBS), los LPs "El Bravo!" (en 1964, una aislada incursión en la música típica), "La Bamba" (1964), "El Pussy Cat" (1965), "Hey! Let’s Party" (1967), "Mongomanía" (en 1967 que incluyó el tema "Mongo’s Boogaloo"), "Explodes At The Village Gate" (1967), "Soul Bag", "Stone Soul", "Workin’ On A Groovy Thing" (que incluyó el tema que estuvo en el Top 40 en 1969 "Cloud Nine", éxito por el famoso grupo de Rock de los años 60’s The Temptations) y "All Strung Out" fueron realizados entre 1965 y 1970; la mayoría de estos trabajos estuvieron en las listas de álbumes de éxito del Pop en los Estados Unidos, haciendo de Mongo el más exitoso músico latino de los años sesenta.

En 1969 su extraordinario bajista Víctor Venegas concluye una década de colaboración ininterrumpida con el maestro Mongo, apara ese año Sonny Fortune debuta con Santamaría.  En 1971 Steve Berrios comienza su década con Mongo.

Entre los años 1970 a 1976 la banda del Maestro Mongo enriquece su sonido al integrarse un joven talentoso de alrededor 21 0 22 años que además de tocar la trompetista,  fungió como  arreglista y compositor, era el maestro Luis "Perico"Ortiz.  En la banda de Mongo se destacó como su director además de tocar el Fluegelhorn, flauta, timbales y Campana. Luis "Perico" Ortiz después fue el  productor y arreglista de la banda de Tito Puente, de Machito, la de Tito Rodríguez y de La Fania All Stars. 

En el otoño de 1973 el Yankee Stadium fue sacudido por un gran concierto salsero que tenía como plato fuerte a las Estrellas de Fania,como complemento a la debutante Típica 73, como invitados especiales el Gran Combo de Puerto Rico y Mongo Santamaría. El tumbador cubano deleito con su grupo con una actuación memorable. En dicho concierto con la Fania estrenó el tema Congo Bongo con un célebre debate a quemarropa entre las tumbadoras de Ray Barreto y Mongo Santamaría, cuatro manos calientes en acción. Además participa en Fania All-Stars  Latin-Soul-Rock (1974) Percussion, Guest Appearance, Fania All-Stars  Salsa (1975) Singer, Musician, Fania All-Stars  Live at Yankee Stadium,  Vol. 1 (1976) Percussion, Fania All-Stars  Live at Yankee Stadium,  Vol. 2 (1976) Percussion, Fania All-Stars  Rhythm Machine (1977)  Conga, Conga, Fania All-Stars  Fania All-Stars in Japan (1986) Conga,  Fania All-Stars  ¿Qué Pasa?: The Best of Fania All... (2002) Conga .

 

  

¡Con Barretto y Mongo Congo, Bongo!

También para 1973 Armando Peraza graba nuevamente con su amigo de infancia Mongo, en tanto Jon Faddis e Israel "Cachao" López lo hacen por primera vez.  El LP Afro-Indio" en 1975 fue nominado como uno de los mejores álbumes latinos de 1976 por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de Grabaciones.  En 1976 Eddie " Guagua" Rivera cumplió un lustro de marcar tiempo en el bajo.  Ese año Santamaría graba la versión definitiva de " Sofrito" con un solo de flauta espectacular, cortesía de Gonzalo Fernández.  Uno de los trabajos más destacados de Mongo en el ambiente salsero es el disco Ubané, este disco marca el regreso de Mongo a la música salsa, después de largos años dedicados exclusivamente al jazz. En el trabajo contó con la vocalización del veterano Justo Betancourt y de un selecto grupo de músicos como: los percusionistas Patato Valdés, Julito Collazo, Virgilio Martí, en las cañas Justo Almario y Bobby Rodríguez, la trompeta del panameño Víctor Paz, los lideres del Grupo Libre Mani Oquendo y Andy González...En este disco aparece la magnifica cumbia progresiva compuesta y arreglada por su pianista colombiano Joe Madrid: Cumbia Típica ahí se escucha un magistral solo de flauta típica de Justo Almario.

 

Dizzy Gillespie en el Palladium de New York.

Da la impresión que  a su izquierda está Mongo ejecutando las tumbadoras.

Foto de ©Downbeat.

Gana el premio Grammy por el disco Amanecer en 1978. Charlie Palmieri hace un derroche pianístico en dos temas para Santamaría: "A mi no me engañan / You Better Believe It " (1979) y "Mayeye" (1987). El conguero le corresponde grabando Mambo Show. En el festival de Montreux de 1980, Santamaría graba con Dizzy Gillespie,Summertime [Digital at Montreux,... (1980)] merece destacarse el temaZimbabwe en honor a la independencia de esa República Africana.

Se suma al jolgorio la armónica del belga Toots Thielemans. En 1987, Johnny Almendra graba el primero de siete discos con la banda de Mongo.  El pianista Michael Camilo graba en 1988 una versión antológica de " Blue Bossa" a dúo con Santamaría. En este mismo año, la línea de metales está compuesta por Ray Vega, Bobby Porcelli y Mitch Formangraban el primero de sus tres discos para Santamaría. Debutarán en solitario como The Bronx Horns. En 1993 Laws graba nuevamente con el maestro. Para el mismo año le dedican a Santamaría el Puerto Rico Heineken Jazzfest (1993).  Poncho Sánchez, el último conguero de Cal Tjader, le dedica el disco Conga Blue (1996) en dicha grabación  participa Mongo. La pianista y compositora Valerie Capers consigue que Santamaría colabore en Come On Home (1995). 32 años antes, él había grabado " El Toro" con Bobby Capers, hermano de Valerie,  quien era su flauta y saxofón en la banda.

Con el legendario bajo de Al Mckibbon ( músico de Gillespie en la época de Pozo) marcando el 6/8 de los tambores, el delicado trabajo de Bobo en las brochas, las oníricas inspiraciones de Emil Richards en marimba y Paul Horn en flauta , crean gloriosos fragmentos de una obra maestra minimalista. Cabe destacar que esta agrupación introduce por primera ocasión los tambores batá y el chékere en el jazz.

Además de crear una escuela en los cueros, Santamaría ha aglutinado importantes figuras de la música tradicional y folclórica. A través de los años, cantantes y percusionistas como Totico, Papaíto, Welfo, Caíto, Kako, Rudy Calzado, Francisco Aguabella , "Cachete" Maldonado, Rubén Blades, Adalberto Santiago, Marcelino Guerra; los pianistas colombianos Eddie Martínez y Joe Madrid; los congueros Sabú Martínez, Vigilio Martí, "Patato Valdés y Julito Collazo han integrado sus proyectos.

 

Julito Collazo y Carlos "Patato" Valdez.

Ambos tocando los tambores sagrados de la liturgia Lucumi 

en un club del  Bronx llamado Iva’s Intimate Lounge.  

Angelito está detrás con una conga.  ©Foto de Martín Cohen.

Con el sello Concord Picante "Soca Me Nice", "Olé Ola", "Live At Jazz Alley" entre 1987 y 1990. Participó en "Mambo Show" lanzado en 1990 el cual había sido grabado a mediados de los años 80s, por la Tico All Stars que incluyó a Charlie Palmieri, José "Chombo" Silva, Barry Rogers, Johnny "Dandy" Rodríguez y Nicky Marrero. Se unió al Golden Latin Jazz All Stars de Tito Puente (que incluía a Paquito D’Rivera, Dave Valentín, Hilton Ruiz, Andy González y Mario Rivera, entre otros) para realizar "Live’ At The Village Gate" en 1992 y "In Session" en 1994, ambos con el sello Tropijazz, y actuó con Puente y la agrupación The Golden Men of Latin Jazz en el London’s Royal Festival Hall en 1993. El álbum "Mambo Mongo" de 1993 fue grabado en el sello Chesky; "Watermelon Man" de 1995 fue regrabado por Birdland en 1992.

En 1996 fue invitado a su propio álbum tributo, "Conga Blue"  para el sello Concord realizado por Poncho Sánchez, quien grabó algunos de sus éxitos. Seis de sus álbumes recibieron nominaciones a los Premios Grammy entre 1975 y 1985.  También en 1996 aparece en los creditos de los CD: Pérez Prado Al compás del mambo (Tumbao) y Perez Prado  Mambo King, Vol. 3 (1996) Conga.

 

Ray Charles

Participa en los siguientes proyectos de Ray Charles  Birth of Soul (1991) con el sello Conga; Ray Charles  Blues + Jazz (1993) con Conga; Ray Charles  Best of Ray Charles: The Atlantic... (1994) Conga; Ray Charles  Genius of Soul [Wea International] (2000) Conga.  También con Chris Connor  Warm Cool: Atlantic Years (1999)  Conga, con quien había grabado en 1956 Chris Connor   Jazz Date with Chris Connor/Chris. Aparece en los créditos de  Chick Corea  Incontournables (2000) Bongos, Conga. 

En una larga conversación vía telefónica entre el periodista Jaime Torres Torres (El Nuevo Día de Puerto Rico, miercoles 28 de abril de 1999) y el legendario percusionista Mongo Santamaría desde su residencia en Miami le confesó lo siguiente:

    ― Mucha gente se pregunta si estoy vivo. Yo sigo vivo, cumplí 82 años, y no estoy tocando porque he estado muy enfermo. En los últimos cuatro años mi salud ha desmejorado. Me sometí a una operación en la cadera que apenas me ha permitido caminar. Me operaron de la próstata y padezco de otras cosas que han salido con los años.

Como puede observarse el retiro del legendario percusionista cubano Ramón "Mongo" Santamaría fue inminente y su última actuación pudo haber sido en un concierto que se realizó el 26 de junio, como parte del JVC Jazz Festival, en el Carnegie Hall en la ciudad de New York junto a Poncho Sánchez, Arturo Sandoval, Tito Puente y otras estrellas del Jazz Latino.

El conguero reconoció en la entrevista que su historia estaba escrita y no hay nada mejor que con su último concierto, cerrara todos los conciertos de su vida. Una semana antes de realizarse el concierto, la compañía Rhyno Record, con sede en los Ángeles California, reconociendo su aportación al Jazz-Latino lanzó al mercado el "box set" (CD) Skin On Skin: The Mongo Santamaría Anthology (1958-1995), el cual incluye 34 de sus piezas más exitosas(de sus álbunes de rumba, de su LP con la Lupe y sus proyectos en la fusión del Jazz con lo Latino) y una extraordinaria literatura sobre su trayectoria escrita por el actor Andy García, por el músico Poncho Sánchez y otros conocedores del genero del Latin Jazz tales como José Rizo, Luis Tamargo, Joel Dorn y Miles Pelich.

El mítico músico se sintió sumamente honrado y agradecido por la distinción que le hizo Rhyno al introducir mundialmente está histórica antología. Tal como aparece reseñado en la conversación con Jaime Torres, Mongo expresó:

    ― Este es el fruto de muchos años de trabajo, música hecha con gusto y con amor Ellos (los ejecutivos de de Rhyno Records) hablaron con mi manager (Jack Hooker) y empezaron a llamar a diferentes personas como Andy García, Poncho Sánchez para hacer la historia.

El lanzamiento de esta memorable antología despertó los recuerdos del congero por los escenarios de Veracruz en México, sus filmes en películas Mexicanas junto a la banda de Benny Moré, el Palladium, El Village Gate en New York City, en los festivales de Jazz en Europa, África, Puerto Rico y América Latina [realizo una presentación en Bogotá, cual fue filmado por Tele Jes y en la ciudad de Barranquilla]. También recordó sus actuaciones y colaboraciones al lado de Chano Pozo, Miguelito Valdéz, Benny Moré, Willy Bobo, Tito Puente y otros.


Mongo y Poncho Sánchez

Una de las piezas que más le causó orgullo en vida al maestro Mongo fue el guaguancó "Chano Pozo", en el cual tocó las tumbadoras junto a Francisco Aguabella , Carlos Vidal, y Modesto Durán.  Mongo expresó en la entrevista:

    ― Trabajé con él en el Tropicana. Chano fue unos de los grandes tumbadores de La Habana. Pero hubo otros muy buenos que nunca se les ha mencionado tales como Clemente Piquero, conocido por el apodo de "chicho", quien tocaba con Benny Moré.

Mongo también se refirió al fenecido percurcionista Boricua: Willy Correa, conocido en el mundo del espectáculo como Willy Bobo, de la siguiente manera.

    ― Era de origen puertorriqueño, pero estuvo muy lejos de la Isla. Yo lo llevé a Cuba en 1960, trabajó conmigo y juntos, lo hicimos con Tito Puente. Tendría casi 50 años cuando murió de un tumor cerebral. Los músicos que lo vimos y lo oímos tocar jamás lo olvidaremos. Sus recuerdos están plasmados en los discos que hicimos".

Mongo opinó para esa entrevista con Jaime Torres Torres

    ― "Que el Jazz latino contemporáneo no es una expresión original e innovadora. La técnica puede ser más avanzada, pero no creo que sea mejor que lo que hicimos hace 20 años. No niego que hay buenos compositores, músicos y arreglistas. Pero la música de hoy es la música de 50 años atrás. Hoy los músicos hacen lo que esta a su alcance. La música de antes se sigue imponiendo por su calidad".

El mítico músico quien está separado de su esposa, tenía una casa en Miami y un apartamento en New York.  Su pasatiempos fue "ver televisión y oír música.

    ― He hecho mucho en mi vida, no estoy solo porque me acompañan mis hermanas y algunas amistades. El 1 de mayo viajaré a Nueva York a tratarme con mis médicos" expresó el percusionista cubano de ascendencia africana.

Torres Torres escribió: "Este músico incondicional devoto de Changó se le atribuye incorporar a la charanga la orquestación de Jazz.  Mongo quien es el artífice de la fusión de los ritmos rhythm & blues y la música afrocubana, fue quien introdujo a la Lupe al ambiente musical newyorkino. Mongo se retiró alrededor del 98  porque la salud y su avanzada edad no le permitían emplearse en la música con el vigor e intensidad de antaño".

    ― "Salí de mi país y nunca pensé llegar donde he llegado. He viajado por el mundo entero. He vivido momentos muy grandes y felices. No me arrepiento de haber nacido y de hacer lo que hice por lo gozado. Mira como se fueron Machito, Miguelito Valdés, Pérez Prado, Benny Moré, Willy Bobo y otra gente que estuvieron conmigo y sin embargo yo estoy aquí.  A Dios gracias por mantenerme y a Changó por iluminarme". Opinó Santamaría.

La importancia de "Mongo" Santamaría para la música del Caribe y americana fue convertir el tambor cubano, llamado tumbadora o conga, en un instrumento imprescindible en la música Latin Jazz.

    ― "El ritmo que produce la conga organiza toda la percusión de una banda, a partir de lo cual se pueden experimentar melodías y contramelodías".  "Creo que la percusión es la base de donde salen las cosas", continúa Mongo. "Gran parte de los sonidos que utilizan ahora las orquestas no son más que cosas que ya se hicieron años atrás. Pero creo también que hay muchos chicos jóvenes que han estudiado ese tipo de ritmos para adquirir más conocimiento, están preparados musicalmente y se han identificado con el ritmo. Hoy en día todas las agrupaciones instrumentaciones usan instrumentos afrocubanos como la campana y el quinto". dijo Mongo

 ― "Una de las mayores contribuciones de Mongo al jazz fue la aplicación de las congas de aspectos convencionales, donde normalmente se utilizaba el bongo.  Pero lo más importante, es que Mongo siempre representó los lazos que unían a la música cubana con el folclor africano", expresó al New York Times el percusionista Bobby Sanabria.

Su hijo José Santamaría le expresó al Nuevo Herald.

    ― El fue todo para mí, porque además de ser mi ídolo y mi maestro musical, siempre estuvo lleno de bondad y alegría, un tremendo padre y un amigo ejemplar.

 Recuerdo un festival realizado en el Palladium de Nueva York, en el año de 1964, donde actuaron todos los bravos de aquellos años. A la Orquesta de Lobo y Melón con su grupo nos tocó actuar justo antes de Mongo y después de Joe Cuba. Pude estar presente en una charla entre nuestro trompetista Manolo Osorno Buendía y el tremendo percusionista que, por cierto, le profesaba admiración y cariño. Expresó, Luis Angel Silva conocido como "Melón".

Le sobreviven seis hijos: Nancy Anderson, José (Monguito) Santamaría [no confundir con Monguito "El Único"], Rosa Santamaría y Felipe Santamaría, que viven en Miami; Felicia Santamaría en Los Ángeles, y Ileana Santamaría en Nueva York.

DÁNDOLE LA MANO A MONGO

Por: Martín Espada.

Las manos abiertas de Mongo:

Palmas enormes y blandas

Que dejan caer las duras semillas

De la conga con un retumbo,

Lloviendo cocos de mambo

Que no se rompen

Aún cuando se estrellan contra la acera,

Cantos resonando

En la sala de baile atónita

De una ciudad invernal,

Sudando en un apuro de noche del tren...

 

Nota

    1.  Clemente "Chicho" Piquero se radicó en México a partir de los años cuarenta, luego de viajar a ese país con la compañía afro BATAMÚ; gran repicador de tumbadoras y bongó, Chicho es el bongosero del famoso "Concierto para Bongó", de Dámaso Pérez Prado. (Fernández.  2003)

    2.    Mongo abandona la orquesta de Tito Puente de la siguiente manera, luego del incidente donde Puente amonesta a Mongo y a Willie Bobo por grabar con Cal Tjader sin su autorización ("Ritmos Calientes," Fantasy Records), a Puente le surge una tentadora oferta para tocar por varios meses en Miami. Pero le especifican a Tito Puente en dicho contrato que no podía utilizar músicos de color. Puente, acepta al parecer una jugosa oferta (la idea entonces era a sub-contratar músicos que cubrieran a Mongo y a Willie durante la gira y que éstos se reincorporaran a la misma una vez de regreso en NY). Pero a Mongo esta noticia lo irrita enormemente (especialmente ante el hecho de que para ese entonces él y Tito muy buenos amigos, (hay que recordar que la progenitora de Puente, doña Ercilia Ortiz, era de raza negra). Entendiblemente afectado, Mongo no quería saber de Puente entonces, Mongo y Willie organizan un conjunto. En California le llega el rumor a Tjader de que Mongo y Willie ya no estaban con Puente y les ofrece contrato, aunque con una espera de seis meses ya que en ese entonces se acostumbraba entre los líderes de orquesta otorgarle a los músicos contratos de determinado tiempo de duración para evitar el "robo de personal" cuando fulano o mengano les ofreciera mayor remuneración. Mongo de primera intención no quería mudarse a California ya que entendía que les iba bien con el nuevo conjunto, pero Willie lo convence y el resto es historia. A los seis meses, cuando los contratos del personal de entonces de Tjader vencen, éste los manda a buscar a NY y comienza formalmente el reinado de Tjader en el jazz latino de los 60’s... y el brillo de Mongo y Willie Bobo por mérito propio gracias al protagonismo que se les da en la nueva agrupación del vibrafonista sueco.   Quien salió perdiendo en tan lamentable episodio lo fue Puente, quien al regresar de Miami esperando que su sección de ritmo estelar estuviera completa, se encuentra con la fatal noticia de que ambos (Mongo y Willie) desertaron de manera definitiva. Es ahí cuando entran de manera oficial Ray Barretto y Monchito Muñoz (congas y bongó/timbal respectivamente), con quienes irónicamente Puente graba el que al sol de hoy sigue siendo su disco de mayor éxito y el que lo consagró de manera definitiva: Dance Manía. Claro, el tiempo siempre cura heridas y los protagonistas de esta historia hicieron las paces. Bobo y Puente alternaron con sus respectivas agrupaciones en infinidad de ocasiones (hasta la muerte de Bobo en el ’82). Y Mongo, aunque ya no con la fogosidad de sus años de "Para Los Rumberos" y "Congo Bongo," aceptó unirse en calidad de invitado con los Golden Latín Jazz All-Stars de Puente en los 90’s. (Tommy Muriel).

Agradecimientos: Al maestro Johnny Seguí quien nos comentó cosas poco conocidas acerca de Mongo Santamaría. El maestro Johnny siempre se ha destacado como un músico celebre y solidario, le recomendó a Orlando Marín a Eddie Palmieri - ya que tenía a su hermano en el piano- para esa época.

 Eddie tocaba los timbales, como Orlando Marín tocaba los timbales, para que otro timbalero, entonces promocionaron a Eddie para el piano (conversaciones con Orlando Marín en NYC para Enero de 2003). Además Johnny ayudó a muchos músicos puertorriqueños y cubanos que se encontraban sin trabajo en la Gran Manzana. Sin embargo al presente, a él se le tiene olvidado. El año pasado de 2002 se le realizó un homenaje en San Juan Puerto Rico. La revista Latin Beat le llamó en un artículo "el Salsero Olvidado".

Al amigo Jaime Jaramillo, quien nos mostró la película de Mongo tocando con el conjunto de Silvestre Méndez y nos señaló la película de Mel Brooks. Además estableció el contacto con el maestro Johnny Seguí, ya que él lo había entrevistado previamente para la publicación en Latin Beat. 

Al compañero Walter Magaña quien, también señaló algunos aspectos de  la  vida de Mongo Santamaría en un documento personal.

 

Recomendamos leer:

Raúl Fernández. (2003). MONGO SANTAMARIA: SONANDO EN CUBANO. Tomajazz.com

http://www.tomajazz.com/perfiles/mongo.htm

Raúl Fernández.  Latin Jazz -  La combinación Perfecta.  Paginas 73 - 92. Chronicle Book. San Francisco. En asociación con The Smithsonian Institution. En Wahhinton. D.C

Luis "Chi - Chi" Ernesto A Conversation with Armando Peraza

http://www.salsaweb.com/music/articles/peraza_cm.htm

Neil Tesser. (2003).  Guía PlayBoy de Jazz .    Emecé Editores.

Luc Delannoy.  Caliente.  Una Historia del Jazz Latino.  Pg. 127,129, 151 – 157, 161 – 163, 185, 210 – 218, 226 –232, 298, 309 –387. Fondo de Cultura Económica de México.

Otras direcciones electrónicas:

Mongo Santamaria http://www.centrohd.com/bio/allmusic2/bba1.htm

Discografía http://www.terra.com/especiales/jazzlatino/mongointro.htm

MONGO RULES THE CONGAS http://www.rhino.com/HotPress/75689pr.lasso

RollingStone.com - Mongo Santamaria Biography

http://www.rollingstone.com/artists/bio.asp?oid=7941

El jazz latino Los hispanos han sufrido el racismo musical de http://www.calle54film.com/esp/ide/s_itxt02b.htm

Mongo Santamaría. http://www.wildseduction.com/Journalistic%20Work/Mongo_Santamaria.html

 

DISCOGRAFÍA

TRABAJOS DISCOGRAFICOS DE MONGO SANTAMARÍA


Álbumes como solista con su orquesta y álbumes seleccionados en los que participó como músico invitado: (Sujeta a cambios y revisión, por supuesto)

1955, Changó / Drums & Chats (Vaya)
1958-59 Yambú/Mongo/Afro Roots (Fantasy/Prestige)
1958-62 Mongo´s Greatest hits (Fantasy)
1. Mongo Santamaría. “Chango”. Disco de 10”; Tico Records LP-137. 
2. Mongo Santamaría. “Chango – Afro-Cuban Drums”. Tico Records LP-1037 (Reeditado como “Drums & Chants”; Tico Records LP-1149). 
3. Mongo Santamaría y sus Ritmos Afro-Cubanos. “Yambú”. Fantasy F-3267/FS-8012. 
4. Mongo Santamaría. 
“Mongo”. Fantasy F-3291/FS-8032. 
5. Mongo Santamaría. “Our Man In Havana”. Fantasy FS-8045; 1960. 
6. Mongo Santamaría. “Afro Blue”. Fantasy; 1959. 
7. Mongo Santamaría. “Go Mongo”. Fantasy/Riverside. 
8. Mongo Santamaría. “Mongo Santamaria & His Orchestra: Watermelon Man”. Fantasy/Riverside/Battle BM-6120. 
9. Mongo Santamaría. “Mongo Explodes”. Fantasy/Riverside. 
10. Mongo Santamaría. “Afro Roots”. Fantasy/Prestige P-24018; 1972 (Álbum reeditado de “Mongo” y “Yambú”) 
11. Mongo Santamaría. “Skins”. Fantasy/Milestone M-47038; 1976 (Reeditado de “Go Mongo” y “Mongo Explodes”). 
12. Mongo Santamaría. “Watermelon Man”. Battle; 1963. 
13. Mongo Santamaría. “Mongo At The Village Gate”. Battle. 
14. Mongo Santamaría. “El Pussy Cat”. Columbia CS-9098. 
15. Mongo Santamaría. “La Bamba”. Columbia CS-9175. 
16. Mongo Santamaría. “El Bravo”. Columbia CS-9211. 
17. Mongo Santamaría. 
“Hey! Let’s Party”. Columbia CS-9273. 
18. Mongo Santamaría. “Mongomanía”. Columbia CS-9412. 
19. Mongo Santamaría. “Explodes at the Village Gate”. Columbia CS-9570. 
20. Mongo Santamaría. “Soul Bag”. Columbia CS-9653. 
21. Mongo Santamaría. “Stone Soul”. Columbia CS-9780. 
22. Mongo Santamaría. “Working On a Groovy Thing”. Columbia CS-9937. 
23. Mongo Santamaría. “All Strung Out”. Columbia CS-9988. 
24. Recopilación. “Mongo Santamaria’s Greatest Hits”. Columbia CS-1060. 
25. Mongo Santamaría. 
“Mongo ’70”. Atlantic SD-1567; 1970. 
26. Mongo Santamaría. 
“Mongo’s Way”. Atlantic SD-1581; 1971. 
27. Mongo Santamaría. “Mongo at Montreux”. Atlantic SD-1593; 1971. 
28. Mongo Santamaría. “Up from the Roots”. Atlantic SD-1621; 1972. 
29. Mongo Santamaría. “Fuego”. Vaya Records VS-18; 1973. 
30. Mongo Santamaría. “Live at Yankee Stadium”. Vaya Records XVS-26; 1974. 
31. Fania All Stars. “Latin-Soul-Rock”. Fania Records; 1974. 
32. Mongo Santamaría. “Afro-Indio”. Vaya Records XVS-38; 1975. 
33. Fania All Stars. “Live At Yankee Stadium Vol. 2”. Fania Records; 1975. 
34. Mongo Santamaría. “Sofrito”. Vaya Records JMVS-53; 1976. 
35. Mongo Santamaría y Justo Betancourt. “Ubane”. Vaya Records; 1976. 
36. Mongo Santamaría. “Dawn” (“Amanecer”) Fania Records JM - ; 1977. 
37. Mongo Santamaría. 
“Drums & Chants”. Vaya Records JMVS-56; 1978. 
38. Mongo Santamaría. “A La Carte” Vaya Records; 1978. 
39. Recopilación. Mongo Santamaría. “Mongo Mongo” Vaya Records VS-76; 1978. 
40. Tito Puente with Mongo Santamaría, Willie Bobo & Patato. “Puente In Percussion”. Tico Records JMTS-1422; 1978. 
41. Mongo Santamaría. 
“Red Hot”. CBS; 1979. 
42. Mongo Santamaría. “Images”. Vaya Records; 1980. 
43. Mongo Santamaría. “Summertime”. Pablo; 1981. 
44. Mongo Santamaría. 
“Mongo Magic”. Roulette; 1983. 
45. Mongo Santamaría. “Free Spirit”. 
Tropical Budda; 1985. 
46. Mongo Santamaría. “Soy Yo”. Concord Picante CJP-327. 
47. Mongo Santamaría. “Soca Me Nice”. Concord Picante CJP-362. 
48. Mongo Santamaría. “Olé Ola”. Concord Picante CJP-387; 1989. 
49. Mongo Santamaría. “Live At Jazz Alley”. Concord Picante; 1989. 
50. Varios Artistas. “Mambo Show” (Grabado a mediados de los 80s),Tropical Budda; 1990. 
51. Tito Puente & Golden Latin Jazz All Stars. “‘Live’ At The Village Gate”. Tropijazz; 1992. 
52. Tito Puente & Golden Latin Jazz All Stars. “In Session”. Tropijazz; 1994. 
53.Poncho Sánchez. “Conga Blue”. Con cord Picante; 1996. 

De acompañante:

1949-51 Tito Puente, El Timbal (Greycliff)
1950-52, Pérez Prado , Al compás del mambo (Tumbao)
1955, Puente , The best of Vol. 1 (RCA/BMG)
1955-57 Puente Yambeque (RCA/BMG)
1955-58 1954-57 Cal Tjader , Ritmo caliente / Más ritmo Caliente/ Los ritmos Calientes (Fantasy)
1955 Puente , Puente in Percussion (Tico)
1955-56 Puente, Cuban Carnival (RCA/ BMG)
1955-57, Puente, Mucho Puente (RCA/ BMG)
1956 Puente , Cubarana, Puente goes Jazz (RCA/BMG)
1956-59 Tjader, Cal Tjader Goes Latin / Cal Tjader Quintet / Black Orchid (Fantasy)
1957 Puente, Top Percussion , Night Beat (RCA/BMG)
1958 Tjader , Latin Concert (Fantasy / OJC) Latin for Lovers/ Sentimental Modos  (Fantasy)
1959 Victor Feldman , Latinville (Contemporary) , Tjader , concert by the sea , Vols 1 2/ Monterey Concerts (Orestige / OJC) , A night at The Blackhawk, Live and Direct (Fantasy)
1960 Tjader , Demasiado Caliente / Latino! 
Concert on the Campus , West Side Story (Fantasy)
1961 Joe Loco, Pachanga with Joe Loco/ Loco Motion (Fantasy)
1969 Luis Gasca, The little Giant (Atlantic),
1977 Fania All-Stars Rhythm Machine (Faina)
1985 Latin Music Legends , Mambo Show (Tropical Buda)
1988 Michael Camino ( Portait/ CBS) , Hilton Ruiz , Strut (RCA/Novus)
1993, Tito Puente & Golden Latin jazz All- Stars , In Session (Tropijazz)
1995 Sánchez , Conga Blue (Condord Picante) , Valerie Capers , Come on Home (Columbia)
1997, Steve Turre (Verve)

 

Descanse en Paz el Maestro Mongo Santamaría

Reacciones a su Muerte.

Desde Nueva York, Carlos "Patato" Valdés recordó entre sollozos que en la década del 50 Mongo lo ayudó a gestionar el pasaporte para trasladarse a Estados Unidos: "vivimos juntos en un apartamento en la Calle 31 con la Séptima Avenida. En 1953 me envió la affidavit para venir a Nueva York. Es muy triste. Se me fue un compañero, amigo, hermano y padre".

Puertorriqueño Ray Barretto, quien ocupó su banqueta en la orquesta de Tito Puente.  "El dejó una marca bien fuerte en la orquesta de Puente y yo, que era joven, sentí la presión de mantener el estilo, la fuerza y su dominio del ritmo. Me inspiró y aunque nunca fuimos amigos, siempre lo respeté y admiré", comentó Barretto.

Larry Harlow expresó que Mongo fue el percusionista cubano que más aportó al desarrollo del jazz: "primero Mongo y después se puede hablar de Armando Peraza, Cándido y Patato. Lo conocí bien porque estuvimos de gira por el mundo. Mongo es un caballero. Nunca habló mal de nadie y siempre tuvo consejos para la juventud".

Eddie Palmieri recordó que a fines de la década del 60 Mongo abrió las puertas del mercado estadounidense a los músicos latinos con el éxito Watermelon Man de Herbie Hancock: "nadie había oído un tambor como el de Mongo. También fue tremendo bongocero. Con su arreglista Marty Sheller y su representante Jack Hooke llevó muy lejos nuestra música".

La cantante y folclorista de los ritmos negros peruanos Susana Baca, lamentó también el descenso del maestro, recordó que le había rendido, como homenaje, dos sobrios conciertos en Lima a finales del año 2002. “Fue una versión singular de Afro Blue (con letra adaptada de Ricardo Pereira y la invocación inicial de Juan “Cotito” Medrano) y Para ti Mongo tema compuesto por el legendario percusionista en 1959, el cual se ha convertido en otro estándar del latín jazz.

Johnny Seguí lamentó su muerte y en nuestra conversación para esta semblanza, recordó lo caballeroso y excelente músico que fue Mongo.  En efecto, cuando estuvo con los Dandys su comportamiento fue ejemplar, jamás se peleó con ningún músico, llegaba puntual a los toques y las prácticas. “Todos perdimos con la partida de Mongo”.

Joe Quijano alcanzó a decir...caramba murió Mongo, me lo acaba de informar Pablito Rosario – timbalero de la Orquesta Cachana – desde New York.  Entramos al sello Columbia para el mismo tiempo.  Recuerdo que alternamos para 1963 – que tenía pegado “Watermelomen” –, en el Village Gate un lunes.  En ese sitio se acostumbraba a presentar los lunes dos orquestas, esa vez tocaron juntos El Conjunto Cachana y La Orquesta de Mongo.  Él era muy buena gente, un tipo reservado.

Está semblanza se publicó en Oasis Salsero en el 2003.

 


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Orquesta La Selecta

 

Contribuido por Raphy Leavitt

Desde 1966, Raphy Leavitt había asumido el rol de director al formar su propia agrupación musical, Los Señoriales, la que luego llamó La Banda Latina, dedicándose a interpretar canciones tradicionales de la música popular y uno que otro éxito de las orquestas salseras que se habían puesto de moda. Un fiel y asiduo admirador de los ritmos tropicales, sintió una preocupación genuina por la “salsa” cuando algunos acusaron al género de no aportar nada constructivo a la cultura del país.

En el verano de 1970, luego de haber completado sus estudios en la Universidad de Puerto Rico, Raphy reunió a los integrantes de su agrupación para comunicarles sus nuevas aspiraciones en la música. Mientras conversaba con ellos, pudo notar en el rostro de aquellos muchachos expresiones de inseguridad y tristeza, pues comprendieron que a La Banda Latina le había llegado su final. Raphy comenzaba una nueva etapa de creatividad asumiendo las responsabilidades de compositor y de arreglista. Así, en 1971, fundó la Orquesta La Selecta, una orquesta totalmente diferente, con estilo original, sonido único y un repertorio “selecto” de canciones enfocadas a despertar la conciencia de un pueblo en su lucha por la justicia social.

En sus comienzos, La Selecta estuvo integrada por diez jóvenes puertorriqueños, a saber: Raphy Leavitt (fundador, director, compositor, pianista y arreglista), Sammy Marrero (cantante), Luisito Maisonet (trompetista), Richard López y Franky León (trombonistas), Jimmy Sánchez (bajista), Nelson Ramos (timbalero), William “Kidland” Marcano (conguero), Felipe “Felo” Román (bongosero), y Carlos “Cao” Sánchez ("bandboy").

A nivel comercial, se dieron a conocer bajo el sello Discos Borinquen, para el cual realizaron nueve producciones discográficas. Siguiendo la recomendación del Sr. Luis Raúl Striker, reconocido locutor de la radio puertorriqueña, el Sr. Darío González, (presidente de Discos Borinquen) en unión al Sr. Eduardo Cuervo (gerente, distribuidor y promotor de Discos Borinquen en Nueva York) y el Sr. Benito “Tin” Valdés (vice-presidente de Discos Borinquen) se dió a la tarea de grabar a aquellos jóvenes sobre los cuales el Sr. Striker había comentado: “¡Esos sí son diferentes. No pierdas tiempo y grábalos!”. Su discografía para Discos Borinquen incluye:: Payaso (1212), Mi Barrio (1221), Jíbaro Soy (1236), Herido(1269), A Recorded Inferno (1294), De Frente a la Vida (1311), Con Sabor a Tierra Adentro (1335), Cosquillita (1365), Soledad (1387), Éxitos Originales, Vol. I (1541),Éxitos Originales Vol. II (1550), 12 Boleros (1599), dos temas en 20 Éxitos Navideños-La Salsa de Borinquen (1248) y el más reciente compendio en doble disco compacto Raphy Leavitt y su Orquesta La Selecta-30 Años de Éxitos (DG-1610).

En 1971, La Selecta sentó el precedente de ser la primera orquesta de “salsa” en ocupar la primera posición en los “hit parades” de Puerto Rico por doce semanas consecutivas con el bolero-montuno “Payaso”, composición original de Raphy que dió título a su primera grabación. Paulatinamente cada uno de los temas en esta producción, compuestos también por Raphy, pegaron en la radio. Así, desde su comienzo La Selecta demostró que no era un meteorito fugaz destinado a desaparecer, sino que continuaría brillando como toda una estrella porque tenía luz propia. Obtuvieron su primer 45 de Oro y LP de Oro, máximos galardones otorgados por las ventas de discos en la década de los años setenta.

La Selecta lanzó su segunda producción discográfica en 1972 bajo el título “Mi Barrio”. Con esta grabación establecieron otro precedente en la radio puertorriqueña. Nunca antes, dos canciones interpretadas por el mismo artista ocuparon a la misma vez el primer lugar en todos los “hit parades”: “Amor y Paz” (Raphy Leavitt), y “Destino Humano” (Felo Román). Esta grabación también contiene los éxitos “Soldado”, “Mi Barrio”, “El Solitario”, de la autoría de Raphy, y “Oye mi Bongó”, de Luisito Maisonet.

En sus primeras dos grabaciones, La Selecta había interpretado con éxito los ritmos del bolero, el son montuno y el guanguancó. Sin embargo, Raphy estaba consciente de que la música autóctona puertorriqueña se había quedado rezagada ante la popularidad que alcanzaron los ritmos afro-antillanos. Su amor patrio y su deseo inagotable de defender los valores culturales de su tierra lo motivaron a componer otro de sus super-éxitos internacionales “Jíbaro Soy”, título con el cual identificó su tercera grabación en el año 1973. En “Jíbaro Soy”, Sammy Marrero demostró que, además de ser bolerista y sonero, tenía la capacidad y el conocimiento para interpretar con éxito la música típica puertorriqueña.

Una vez más, La Selecta sentó la pauta al ser la primera orquesta salsera en lograr incorporar la décima puertorriqueña y el seis chorreao al género. Más aún, con esta composición lograron marcar un periódo de afirmación nacional en la salsa de los 70.

En este album, Félix (Dino) Guy Casiano, interpretó los boleros “Perdóname Cariño” y “Consentida” y la voz requinta en los coros de la orquesta.

En ese mismo año, La Selecta grabó la plena-aguinaldo “Parranda Selecta” (Raphy Leavitt) y la bomba-aguinaldo “Fiestas de Navidad (Tony Cintrón / Raphy Leavitt). Estos dos temas fueron incluidos en la producción titulada “La Salsa de Borinquen en Navidad” ("20 Exitos Navideños-La Salsa de Borinquen"), una compilación de canciones navideñas interpretadas por los artistas de Discos Borinquen. Con estas dos composiciones, Raphy Leavitt pudo demostrar una vez más que la música típica puertorriqueña se podía integrar con éxito al género de la “salsa”.

Desde sus comienzos, el éxito de La Selecta no se circunscribió a su tierra natal, Puerto Rico. Como una ola gigantesca, su música se desplazó por todo el Caribe hasta Centro y Sur América, dirigiéndose hacia el norte a las comunidades de habla hispana en la nación americana, cruzando el Atlántico hasta el continente europeo y Africa, prosiguiendo luego hasta Japón.

Este éxito se vió interrumpido cuando, el 28 de octubre de 1972, cinco integrantes de la orquesta tuvieron un accidente de tránsito fatal mientras viajaban de Nueva York hacia Connecticut, donde harían una presentación. En este accidente perdieron sus vidas el Sr. Jesús Ruiz, chofer del vehículo, y Luisito Maisonet, trompetista de la orquesta. Raphy Leavitt estuvo al borde de la muerte al sufrir una contusión cerebral que lo mantuvo semi-inconsciente por cuatro meses y una fractura masiva en su cadera que requirió seis meses de hospitalización. Richard López, trombonista, fue operado de una fractura del fémur izquierdo y dado de alta a los tres meses de tratamiento. Franky León, trombonista, y William Marcano, conguero, fueron atendidos por fracturas en rodilla y mano, respectivamente.

Durante los primeros cuatro meses de su hospitalización, el Dr. Gary Gallo, médico a cargo de un equipo de nueve especialistas asignados a Raphy, había prohibido que se le informara a su paciente sobre la muerte de Luisito, ya que existía la posibilidad de que éste quedara en trauma para el resto de su vida. Mas, sin embargo, según pasaba los días y las semanas postrado en aquella cama del hospital, Raphy tuvo una serie de sueños y visiones que lo ayudaron a fortalecerse emocionalmente para aceptar la realidad de aquel trágico suceso. Tuvo la visión de una cuna blanca, visión que le era imposible comprender pues desconocía lo que había sucedido. ¡Cuantas veces regañó a Luisito en sus sueños, al verlo vestido de negro mientras La Selecta lucía uniformes brillantes! Y aún recuerda la última vez que soñó con su compañero… sumido en un sueño profundo, despertó al escuchar el sonido brillante de una trompeta… Al abrir sus ojos vió a Luis, quien se despidió comunicándole: “Ahora sí te voy a ayudar… ahora soy espíritu”.

Era ya febrero de 1973, y mientras observaba la nieve caer desde la ventana de su habitación en el hospital, Raphy comenzó a componer los versos de despedida que no le pudo ofrecer a su compañero en su sepelio. “La Cuna Blanca” es la descripción metafórica del ataúd donde se depositaron los restos de aquel compañero que, aunque pequeño en estatura, fué un gigante por su humildad y nobleza de corazón.

En Puerto Rico y en el extranjero, “La Cuna Blanca” se ha convertido en un himno que el pueblo interpreta en los entierros de sus seres queridos. Año tras año, siempre ha sido, de los clásicos de la “salsa”, la canción más solicitada en las estaciones de radio. Esta composición fue incluída en el album titulado “Jíbaro Soy”, por el cual La Selecta obtuvo su segundo Disco de Oro. Por ambas composiciones, Raphy Leavitt fué seleccionado “Compositor del Año” y galardonado con el “Busto de Oro-Rafael Hernández” en Puerto Rico. En la República de Panamá, La Selecta recibió las distinciones “Grupo Orquestal Más Popular-1972”, “Orquesta Internacional Más Popular-1973” y el “Buho de Oro-1974”.

Mientras Raphy permanecía hospitalizado en Estados Unidos, en Puerto Rico hubo quienes lograron introducirse en el mercado de la “salsa” imitando y copiando el sonido y el estilo original de la Orquesta La Selecta. Por este motivo, Raphy decidió cambiar el sonido de su orquesta y en 1974 lanzó su cuarta grabación titulada “Herido”. En este super-éxito, Raphy expresa su indignación y lástima hacia aquellos que se aprovecharon de su desgracia para lograr el éxito de sus orquestas. Asimismo, los temas “Lamento Jíbaro”, “Dueña y Señora” y “Mentira”, composiciones de Raphy, ocuparon posiciones privilegiadas en las listas de éxitos.

En 1975, La Selecta grabó A Recorded Inferno, del cual popularizaron los temas “Voces del Africa”, “Despertar”, “Niñez” (Raphy Leavitt), “Danzón Guajira” (Felo Román) y “Soroco” (Luisito Maisonet).

Tituló su sexta grabación De Frente a la Vida. Una vez más, en 1976, La Selecta sentó la pauta al ser la primera orquesta de “salsa” que grabó un tema religioso. “El Buen Pastor”, son- montuno compuesto por Raphy, acaparó las ondas radiales en Puerto Rico, el Caribe y Estados Unidos y causó revuelo en Panamá, Venezuela, Colombia y México. Las composisiones “Viento” (Raphy Leavitt) , “Falsedades” (Raphy Leavitt / Carlos Torres) y “Te Arrepéntiras” (Jimmy Sánchez) ayudaron a consolidar el éxito de esta producción, con la cual obtuvieron su tercer Disco de Oro.

En el año 1977, La Selecta visitó por vez primera la República Dominicana y la República de Venezuela. Su presentación en el Teatro Agua y Luz en la capital dominicana sobrepasó todos los records de asistencia anteriores ante seis mil fanáticos de su música. En Venezuela, causó revuelo al presentarse en Caracas y en La Guaira ante un público ansioso por conocer a los creadores de “El Buen Pastor”.

En su album “Cosquillita” (1978), La Selecta dió a conocer al joven cantante Tony Vega con los temas “Cosquillita” (Raphy Leavitt), Sheila Taína” y “El Picaflor” (Jimmy Sánchez). El éxito de Tony ayudó a aliviar la presión que recaía sobre Sammy Marrero, quien había pegado e interpretaba prácticamente la totalidad del repertorio de la orquesta.

La Selecta realizó su última grabación para Discos Borinquen en 1979 con su album “Soledad”, del cual los temas “Corazón Malvado” (Raphy Leavitt), “Soledad” (Jorge Ayala). “Amigo Mío” y “Quién es Quién” (Jimmy Sánchez) cerraron con broche de oro una cadena de éxitos para este sello disquero.

Durante la década de los 80, La Selecta comenzó una nueva etapa en su carrera artística firmando con el sello disquero TH Records, para el cual realizaron tres producciones discográficas.

La primera de éstas, titulada Raphy Leavitt-La Selecta (TH-AM-2132) y realizada en 1981, contiene los éxitos “A La Sombra de un Flamboyán” (Raphy Leavitt) y “A Tropezón” (Jorge Ayala), vocalizados por Sammy Marrero. Esta producción también contó con la participación de los vocalistas Rafi Miranda y Roberto Ortiz.

El año siguiente, 1982, cónsono con la celebración de su décimo aniversario en la música, La Selecta grabó su segundo álbum para TH Records titulado Diez Años Sembrando Semillas en el Alma del Pueblo (TH-AM-2178). El mismo contiene los éxitos “Como el Moriviví” (Jorge Ayala), “Perla Mala” (Rolando Gorrín) y “Sólo Fuiste una Más” (Sammy Marrero), todos en la voz del tradicional Sammy Marrero. Asímismo, en este álbum Raphy dio a conocer el talento y la versatilidad en el soneo del jóven vocalista Carlos Ramírez, quien logró conquistar la aceptación y el reconocimiento de la fanaticada salsera con su interpretación de los temas “Cuando el Río Suena” y “Bella Flor”, composiciones de Raphy Leavitt.

En 1983, salió al mercado el álbum titulado Segundo Concierto de la Familia TH(TH-AMF-2244) en el cual La Selecta participó con el éxito “La Guiñaíta” (Raphy Leavitt), vocalizado por Carlos Ramírez.

En ese mismo año, La Selecta terminó su contrato de exclusividad con TH Records con la producción titulada “Siempre Alegre” (TH-AMF-2257). La misma contiene los éxitos “Siempre Alegre” (Manuel Jiménez), “Villa de Condenados” (Raphy Leavitt) y “Cositas Que se Olvidan” (Raphy Leavitt).

A finales de la década de los 80, Raphy Leavitt asumió el rol de productor independiente realizando dos producciones para el sello disquero de Bobby Valentín, Bronco Records.

Con el álbum titulado Somos del Son (Bronco-139), en 1986, La Selecta logró pegar fuertemente los temas “Somos el Son” (Víctor Rodríguez Amaro), “Primera Vez” (Raphy Leavitt), “Chiquilla” (Luis Marrero) y “La Cuica” (Peter Velázquez). Debido al éxito obtenido, La Selecta fue galardonada con el “Premio Diplo” como “Orquesta del Año-1986”.

Con su segunda producción para Bronco Records, identificada como Raphy Leavitt-Orquesta La Selecta (Bronco-146), La Selecta volvió a ocupar los “hit parades” con los éxitos “Amiga de Qué” (Luis Marrero) en la voz de Sammy Marrero, “Hombre Celoso” (Peter Velázquez) en la voz de Carlos Ramírez y “Calla Corazón” (Luis Marrero) y “Noche de Boda” (Braulio García) en la voz del novel Osvaldo Díaz, talentoso cantante de voz romántica y melodiosa, a quien Raphy dio a conocer en este álbum.

Raphy Leavitt comenzó la década de los 90 estableciendo su propio sello disquero, R.L. Records, con la producción titulada Provócame (RL-9001) en 1990.

Durante los años ochenta los temas eróticos se habían popularizado en la “salsa” y muchas veces su contenido sexual explícito llegó al extremo de herir la sensibilidad de la audiencia. Consciente del daño sicológico que la difusión indiscriminada de estos temas en los medios ocasiona en las mentes tiernas e indefensas de los niños (incluyendo a sus dos hijos), Raphy se propuso demostrar que las canciones de contenido sensual pueden ser exitosas sin tener que recurrir a la vulgaridad o a la pornografía para lograrlo. ¡Y así quedó demostrado!

Como consecuencia del éxito de las composiciones “Provócame” (Pedro Arroyo), “Fuego y Escarcha” (Luis Marrero) y “Pidiendo Más Amor” (Peter Velázquez), La Selecta mantuvo su sitial de preferencia en Puerto Rico, Estados Unidos y Centro y Sur América. Asímismo, logró entrar con fuerza en el mercado de España tras una campaña agresiva de promoción y distribución realizada por Discos Manzana.

En 1991, La Selecta debutó en España presentándose en el Palacio de los Deportes de Madrid con motivo de celebrarse el Tercer Concierto Coronas Rubio, en el Estadio de Fútbol de Isla Palmas (Gran Canaria) y en la Plaza de Toros de Tenerife ante miles de fanáticos del género en cada presentación.

El éxito de “Provócame” en España fue tal que el sello disquero BMG-Ariola, división de España, incluyó esta composición en la compilación Super Exitos del 90.

Al cumplirse el vigésimo aniversario de la orquesta, en 1992 Raphy Leavitt produjo para su sello disquero, RL Records, su décimosexta grabación titulada 20 Años Después (FRAMA-1014), cediendo los derechos exclusivos para los mercados de Puerto Rico y Estados Unidos continentales al sello disquero puertorriqueño Frama Productions, reteniendo para sí todos los derechos para los mercados internacionales.

Si un Amor se Va” (Raphy Leavitt), “Me Voy a Declarar” (Morist Jiménez Marín) y “Estamos Atados” (Carlos Ramos) fueron los éxitos más sobresalientes de esta producción, en adición a “El Comienzo” (Raphy Leavitt), una re-grabación a la manera de “medley” de las composiciones “Payaso”, “Jíbaro Soy” y “La Cuna Blanca”, en la cual participó el destacado cuatrista puertorriqueño Eligio (Prodigio) Claudio Díaz.

En 1993, La Selecta regresó al continente europeo en jira artistica por las ciudades de Zurich (Suiza), Frankfurt y Nurnberg (Alemania), Milano (Italia) y París (Francia). Todos quedaron sorprendidos con la asistencia masiva a cada uno de los eventos. Sin lugar a dudas, la música de La Selecta había superado las barreras del idioma. Más aún, la insistencia de la prensa, radio y televisión en realizar entrevistas era indicativo de un deseo genuino por conocer a profundidad el historial de la orquesta.

El 21 de junio de 2002, La Selecta sentó un precedente más en la celebración de su 30 Aniversario en el Anfiteatro Tito Puente (San Juan, Puerto Rico) al integrar elementos del teatro a su concierto musical. Raphy logró combinar con acierto la utilización de monólogos y diálogos, en prosa y en verso, narraciones pre-grabadas en la voz de Marianito Artau, como así también el baile y la coreografía integrando al espectáculo a la compañía de teatro “Agua, Sol y Sereno” de Pedro Adorno, quienes además de participar en varios segmentos de actuación también impartieron alegría y colorido al mismo con sus zanqueros y cabezudos.

En unión al cantautor de la música típica puertorriqueña, Andrés Jiménez, a los raperos Héctor y Tito, al cuatrista Eligio “Prodigio” Claudío y al guitarrista Manolo Sastre, La Selecta fue pionera en presentar en el Anfiteatro Tito Puente un espectáculo a la altura de un Centro de Bellas Artes haciéndolos merecedores del reconocimiento por la prensa puertorriqueña como uno de los diez mejores espectáculos del 2002.

El concierto fue grabado en doble disco compacto titulado Raphy Leavitt-Orquesta La Selecta: 30 ANIVERSARIO.LIVE para el sello disquero V.I. Music, quienes en unión a Javier “Cholo” Gómez produjeron el evento. Universal Music hará la distribución de esta grabación. Esta producción contiene los veinte (20) super-éxitos más sobresalientes de La Selecta, re-grabados en formato totalmente digital y un manual de 16 páginas a todo color con fotos del concierto y los datos biográficos de su trayectoria.

La excelencia total de esta producción la hizo merecedora del galardón “Mejor Grabación: Salsa” de la Décima Edición de los Premios Tu Música celebrada en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré el día 19 de agosto de 2003.

Asimismo, este concierto quedó plasmado para la historia en el vídeo “Raphy Leavitt y su Orquesta La Selecta: 30 Años de Historia Musical” realizado por TUTV (canal de televisión del Gobierno de Puerto Rico) y el mismo estará disponible para la venta en un futuro cercano.

Varios artistas de fama internacional han interpretado varias de las composiciones de Raphy Leavitt en grabaciones y /o en espectáculos masivos, a saber: Daniel Santos - “Payaso” y “Jíbaro Soy”, Joe Quijano-"Payaso", Gilberto Santa Rosa-"Payaso" y “Jíbaro Soy”, Manny Manuel-"Payaso", “Prodigio” Claudio-"La Cuna Blanca” (instrumental), Kevin Ceballo-"Jíbaro Soy” y, reciéntemente, Marc Anthony-"Jíbaro Soy”.

A lo largo de su trayectoria musical, La Selecta ha sido reconocida como una de las instituciones orquestales de mayor arraigo y popularidad en el mercado local e internacional. Sus éxitos no se han limitado a una época determinada en la historia, sino que continúan cosechando frutos en el alma de nuevas generaciones.

 

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Toda la música cubana en un piano

Bebo Valdés celebrando su 90 cumpleaños.| Afp

 

A Bebo Valdés siempre le acompañó el reconocimiento, que es una cosa muy distinta a lo que vulgarmente hoy conocemos como éxito. Éxito, éxito, lo que se dice éxito... Bebo Valdés lo tuvo al principio y al final de su carrera, mediados el siglo pasado y a partir de la década de los 90.

Su biografía artística bien pudiera ser retrato personal de lo que en este tiempo le ha sucedido a la música popular cubana, que pasó de excitar al mundo desde aquellas memorables noches del Tropicana Club de La Habana al silencio, y después de nuevo al ruido de los vítores y elogios.La vida es caprichosa, pero a veces, muy contadas veces, es justa. O al menos en el caso de Bebo Valdés lo acabó siendo.

Uno hoy se lo imagina años atrás viendo las puestas de sol en Benalmádena, ciudad en la que había decidido morir, aunque el trágico desenlace haya tenido lugar en Suecia, país al que se exilió cuando Fidel Castro bajó de Sierra Maestra y mandó parar. Decíamos; uno se imagina a Bebo Valdés escuchando el romper de las olas en la localidad malagueña y no puede ver más que felicidad y satisfacción.

En vida se entregó a un piano y a una música que le acabaron dando la razón de tanto amor y tanta entrega, minimizando aquel peregrinaje injusto y silencioso que durante cerca de 30 años le tuvo alejado de la primera trinchera musical. Uno se lo imagina, vaya, hablando con el orgullo del buen padre y el buen músico que fue, ignorando las calamidades y sonriendo a los buenos recuerdos, rodeado de amigos.

Retirado desde finales de la pasada década de los escenarios, se dice que estaba aquejado de la enfermedad de Alzheimer, lo cual alumbra la esperanza de que no viera llegar al hombre de la guadaña; no es mala manera de morir, si es que inevitablemente no hay más remedio que morirse.

Antes de que el reconocimiento y el éxito se igualaran a mediados de los 90, Bebo Valdés fue un maestro de maestros como Benny Moré, otra gran gloria cubana que en los 50 formó parte de la orquesta del pianista. Eranlos años del Tropicana Club de La Habana, donde había noches en las que te podías topar con Nat King Cole o donde llegaba el productor Norman Granz y te grababa una descarga de jazz afrocubano, como así le sucedió al bueno de Bebo.

Pues bien, él fue protagonista activo de aquella época hasta que, ya se ha mencionado, con su exilio llegó el silencio y la indiferencia de la industria musical, que nunca fue a buscarlo. Fue el saxofonista y clarinetista Paquito D´Rivera quien tuvo que ir a su rescate, produciéndo en 1994 el disco que le devolvería todos los aplausos perdidos, 'Bebo rides again' (Messidor).

El álbum aportaría al pianista una notoriedad que acabaría siendo filmada por Fernando Trueba en el documental-musical 'Calle 54' (2000). Y luego acabaría siendo rematada por la grabación del álbum 'Lágrimas negras' (2002), junto al cantaor flamenco Diego 'El Cigala'. El trabajo marcó records de ventas y obtuvo innumerables premios, entre ellos, un Grammy. 'El arte del sabor' (2001) o 'Bebo de Cuba' (2005) fueron otros testimonios discográficos que hoy siguen siendo de obligada escucha, como de obligado disfrute son el último disco que grabó junto a su hijo Chucho Valdés, 'Juntos para siempre' (2008), el contrabajista Javier Colina, 'Live at Village Vanguard' (2007), o los otros dos homenajes cinematográficos que le tributó Trueba, 'El milagro de Candeal' (2004) o 'Chico y Rita' (2012). El hombre del piano más cubanísimo que ha tenido la música moderna hoy se ha ido jugando con el silencio, como le gustaba tocar a él, despacito, cadencioso. Hoy las lágrimas, más que nunca, efectivamente son negras.

Pablo Sanz | Madrid

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La Dimensiòn Latina cumple 40 años

El aniversario de aquel debut del 15 de marzo de 1972 encuentra a sus miembros originales reunidos otra vez y decididos a reeditar sus viejas glorias. Con 30 discos grabados y un lugar seguro en la historia de la música caribeña, tiene además la satisfacción de haber sido declarados, en julio de 2003, Patrimonio Histórico Cultural de Santiago de León de Caracas.

 

Milagros Socorro 

La escalera que conduce al estudio de grabación es oscura e incómoda. De hecho, para llegar a ella es preciso recorrer el estrecho pasillo del primer piso, al que se abre la puerta de un baño de donde emana un olor mezcla de orina rancia y detergente barato.

El ensayo está pautado para el lunes, entre 8 y 10 de la noche, en un edificio de dos torres, en la venida San Martín, en cuyos bajos hay unos locales comerciales. El miércoles siguiente se presentarán en el restaurant Campanero Grill, en el Centro Comercial Ciudad Tamanaco; y, además de los cinco legendarios artistas, se espera la concurrencia al ensayo de unos cinco músicos más, todos jóvenes, que se han incorporado a la banda. El entorno es decadente pero la circunstancia dista de serlo: los miembros originales dela Dimensión Latina han vuelto a juntarse. Están todos, con la excepción de Oscar D’León, en la actualidad una estrella inalcanzable, y de Jesús ‘Chuito’ Narváez (Margarita, 26 de agosto de 1950 –La Guaira, 16 de enero de 2006).

El anfitrión es César ‘Albóndiga’ Monge (Catia, 26 de febrero de 1959), director musical y trombonista. Conserva el nombre artístico, pero no la contextura física a la que alude: está mucho más delgado. Es un hombre afable, afectuoso, de risa fácil y muy comunicativo. Da la impresión de estar en paz con el mundo y con su propia vida. Están también: el timbalero Joseíto Rodríguez, organizado, conciliador y buena gente; el percusionista Elio Pacheco, a cuyo cargo está la tumbadora, es el eterno blanco de las bromas de sus compañeros, porque, según ellos, es un viejo (nació en Caracas el 8 de abril de 1944); el trombonista José Antonio Rojas, Rojitas, y el cantante Rodrigo Mendoza.

Con la excepción de Mendoza, que llegó a la Dimensión Latinaen marzo del 77, los otros cuatro están en la orquesta desde el primer momento. También ha regresado a su casa el cantante Vladimir Lozano, (nacido en 1950 e, igual que Rodrigo Mendoza, en Maracaibo). Vladimir ingresó a la Dimensiónen 1974, dos años después de su fundación, pero había estado siempre cerca. “Su ingreso se produjo poco antes de los carnavales de 1974”, dice Albóndiga, “e inmediatamente grabó su éxito La piragua. No lo habíamos contratado antes porque él estaba comprometido en La cueva del oso y porque no había el biyuyo”. 

Han pasado muchas cosas. Se han peleado. Se han ido a formar sus propias orquestas. Han cosechado algunos éxitos y padecido no pocos sinsabores. Muchas veces han mirado al pasado y evaluado los errores. Han visto el tiempo pasar. Han vuelto a encontrarse muchas veces, en distintas circunstancias; incluso, ha coincidido para grabar un par de veces… hasta que a principios del año pasado volvieron a reunirse, pero esta vez para retomar el camino dela Dimensión Latina. Y ahora será para siempre, aseguran.

En los primeros años 70, Joseíto Rodríguez era mensajero. En varias ocasiones subió al taxi que entonces manejaba Oscar Emilio León Simoza (Caracas, 11 de julio de 1943), quien no tardaría en ser conocido, entre otros apelativos, como el león de la salsa. En esas ocasiones los dos iban haciendo música mientras escuchaban una de las cintas que Oscar llevaba para escuchar mientras trabajaba. Joseíto percutía con lo que tuviera a mano y el singular chofer cantaba con tal fuerza que arropaba la voz de los cantantes.

En el 71, ya Oscar actuaba en el local La Sabra, como bajista del quinteto Los Junior. Pero el centro de la salsa en Caracas era la cervecería La Distinción, a donde solían ir los muchachos de Los Junior cuando terminaban de trabajar. A principios del 72, la escena de La Distinción la copaban el grupo Los Satélites, del zuliano José Rafael Cheché Mendoza, donde a la sazón tocaban Albóndiga y Rojitas. Una noche se armó un zafarrancho en el que intervino uno de los músicos de Los Satélites, y Aurelio, el encargado de La Distinción, los botó en el acto.

Oscar D´León, que se encontraba en el lugar, se apresuró a ofrecer una orquesta… que no existía. Fue así como el 12 de marzo del 72, Joseíto estaba con Oscar en su Ford Crown gris del año 56 de Oscar, cuando se detuvieron frente al Cuartel de Bomberos a para recoger a Rojitas. “Se me quedó grabada en la memoria”, dice Joseíto, “el momento en que Rojitas salió, con su uniforme de bombero y en una mano, el trombón”. Poco después llegaron Elio Pacheco y Rojitas. Oscar presentó a los que no se conocían y se fueron a Catia a recoger “al gordo Monge”. Una vez lleno el vehículo, se dirigieron a la casa de Andrés ‘Culebra’ Iriarte, enLa Guaira, donde se harían los pocos ensayos previos al debut. Culebra fue el primer pianista dela Dimensión Latina, y solo estaría un mes con el grupo. Rápidamente fue sustituido por Chito Narváez.

El 15 de marzo de 1972, se presentaron por primera vez. Sería, como ya ha registrado la historia, en la cervecería La Distinción, en la avenida Venezuela de El Rosal. Los preparativos fueron tan precipitados que aquella noche inaugural no tenían ni siquiera nombre. Había una idea vaga. En esa época hacía furor la canción Acuario (Let the Sunshine In), del musical Hair, que había sido grabada en 1969 por el grupo La Quinta Dimensión. Con esa referencia, ellos consideraban la posibilidad de llamarse Dimensión 6, para seguir en la onda esotérica y hacer referencia al hecho de que ellos eran un sexteto. Pero al mes de estar tocando enLa Distinción, un habitué del lugar y gran músico, el saxofonista Víctor Cuica, que conocía a variaos de ellos porque había sido su compañero de estudios en la escuela de músicos militares, les sugirió el nombre con el que se incrustarían en la cultura venezolana. Les pareció perfecto. Cogieron una cartulina, escribieron  con marcador La Dimensión Latina, y pusieron el improvisado cartel en la marquesina del local. No sospechaban que acababan de acuñar la marca de la primera orquesta venezolana con proyección internacional.

Después de esas primeras semanas los hechos tomaron un ritmo vertiginoso. Lo primero que ocurrió fue que, de estar contratados dos noches por semana (a razón de Bs. 30 por jornada), pasaron a tres. Les dieron también los domingos, pero en otro local y en doble tanda. “El señor Heriberto, el dueño deLa Distinción”, recuerda Joseíto, “tenía otro negocio, llamado El Junquito Park, en esa población. Y nos dijo para que tocáramos allí los domingos hasta las 7, cuando cerraban el local. Así lo hicimos. Y resulta que, cuando terminábamos allá, nos veníamos en el carro de Oscar, seguidos por una tremenda caravana, porque la gente no quería suspender la parranda. De manera que se venían detrás de nosotros para seguir la rumba enLa Distinción”.

-En el techo montábamos el equipo de sonido, el piano de pared y las congas –dice Albóndiga- y adentro íbamos nosotros seis. Y así mismo viajábamos para el interior.

Antes de terminar el año ya habían grabado su primer disco y hasta habían amenizado la travesía del barco español Begoña, en su crucero por el Caribe. Habían logrado una hazaña: eran el primer sexteto del mundo con dos trombones. “Hasta ese momento”, precisa Rojitas, “los sextetos tenían guitarra y una trompeta”. Y había logrado un sonido único, que enloquecía a los bailadores.

-La Dimensión Latina–dice Federico Pacanins, en su libro de próxima aparición, Salsa en Caracas- forjó un sonido caraqueño como el que más, siempre ligado a una parentela de música afrocaribeña bailable nunca renegada: la orquesta Casino dela Playa,la Sonora Matancera,la Billo’s Caracas Boys o la banda de Luis Alfonzo Larrain fueron punto de partida mediante el toque de temas versionados por el bolerista Wladimir Lozano y por el bajista, Oscar D’León.

-El dela Dimensión Latina–dice Albóndiga- es el primer sonido venezolano de exportación. Aunque nosotros empezamos copiando, no tardamos en desarrollar un sonido particular, que, además, es de todos. Ninguno de nosotros puede decir que hizo el sonido dela Dimensión. Cadaquien aportó lo suyo: Joseíto tiene un chapeo famoso, que se lo imitan hasta en Rusia, Elio con su golpe… eso fue lo que se reunió aquí. Y teníamos, claro está, la presencia de Oscar D’León, que tiene un dominio asombroso del bajo y un estilo incomparable. No hay duda de que Oscar tiene un don de Dios.

-Cada quien se ingenió para producir la mayor cantidad de sonido posible –explica Elio- porque éramos solo seis y había que sonar mucho.

Oscar D’León dejó la agrupación en 1976 para hacer la carrera internacional acorde a su inmenso talento y disciplina. Fue un golpe muy duro para la orquesta, el diablo de la salsa, como se le llamó en una época, era un prodigio de figura. Bajista excepcional, extraordinario cantante, sonero espléndido,  carismático y dueño de una energía avasallante, que despliega mientras baila como un rey y corteja al instrumento como si fuera una mujer. Es demasiado. Cuando Oscar D’León está en escena solo él concentra las miradas. La verdad es que él era el gran gancho de la banda. Y, por si fuera poco, es un compositor de gran éxito. ¿Un ejemplo? La guaracha Llorarás, de su autoría, grabada en 1975, en Dimensión Latina ’75, el quinto disco de la orquesta y el segundo disco donde se alternaban las voces de Vladimir y Oscar. La leyenda cuenta que Llorarás fue incluida a última hora, como relleno; y hete aquí que varios especialistas han coincidido en que esa pieza trazaba la ruta quela Dimensión debió tomar como agrupación de acento urbano, caraqueño, en contraposición a los temas campesinos de origen cubano y puertorriqueño, que terminaron privando en su repertorio.

Tras la marcha de Oscar, la orquesta tuvo buenos momentos. El cantante que lo sustituyó fue Argenis Carruyo; y luego engancharon a Andy Montañés, cuadros de primera, sin duda alguna. Pero a los diez años de su fundación,la Dimensiónlatina comenzó a declinar.

En la actualidad, los fundadores hablan de Oscar D’León con gran respeto y cariño. Cada tres palabras lo mencionan. Y no pierden las esperanzas de verlo llegar un día, girando instrucciones a gritos, conminándolos a montarse en un escenario para triunfar.

Publicado en la Revista Clímax, marzo de 2012

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Musica Latina / EL CORSO

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Musica Latina / EL CORSO

 

 

Pete Cuban y dos bailarinas danzan en El Palladium Ballroom para 1965, NYC. 

Foto de ©Martín Cohen

 

 

Por: ©Max Salazar

Versión al español de: ©Ian Seda

El artículo se tomó del libro: Mambo Kingdom: Latin Music In New York

de: Max Salazar, editado en el 2003

Fotos de ©Martín Cohen

 

        El 1ro de mayo de 1966, el salón el Palladium - la meca de los bailadores del mambo en Nueva York- cerró sus puertas por última vez. El Chez José, localizado en el Hotel Park Plaza en la Calle Setenta y Siete de la 50 Oeste, entre el Parque Central del Oeste y la Avenida Columbus, se convertiría en el nuevo lugar de reunión. Era un club elegante y exclusivo con puertas dobles negras que llevaban a unas escaleras que descendían desde la entrada que estaba al nivel de la calle. El Chez Jose abrió una tarde de un viernes de mediados del 1965, con la orquesta de Larry Harlow como su primera atracción. No había una propaganda o anuncio diciendo los nombres de las orquestas que estarían presentándose, por lo que los bailadores nunca sabían quien iba a tocar hasta que entraran al salón.  Aún así el club tuvo tremenda atracción y acogida. Entre 1965 y 1970, la élite de las orquestas nuevayorkinas de salsa, charanga y boogaloo brindaron su delirante música, atrayendo a personas elegantemente vestidas que bailaban hasta bien entrada la madrugada.

 

        Luego de que el Chez José cerrara en 1970, el nuevo lugar de encuentro sería el Corso en la Calle Ochenta y Seis de la 205 Este, saliendo de la esquina de la Tercera Avenida. El establecimiento abrió sus puertas por primera vez en 1927, pero hasta el final de la Segunda Guerra Mundial fue un restaurante que proveía servicio predominantemente a los Americanos - Alemanes que vivían en el vecindario. Tan tarde como para el 1968, cuando Tony Raimone se convirtió en el dueño, el Corso aun presentaba principalmente "música continental" de Europa. Raimone había sido un cliente particular del Corso por espacio de catorce años antes de decidir comprarlo. Inauguró su recién adquirido negocio para el mes de mayo y tuvo como atractivo la presentación de la orquesta de Glenn Miller, dirigida por Buddy DeFranco. El grupo de Miller fue seguida por la banda de Lionel Hampton, pero ninguna de estas orquestas atrajo a las masas.

 Herencia LatinaHerencia Latina

 

 

Pete Bonet cantando y Joe Cuba en las congas.

 En el  Eva’s Intimate Lounge, NYC agosto/72. 

La foto es de ©Martín Cohen

 

 

 

Una tarde, Pete Bonet, vocalista nacido en Santurce, Puerto Rico, persuadió al dueño para que lo dejara promover una noche de música latina. Bonet había grabado recientemente uno de los álbumes mas vendidos, Soul Drummer, con la orquesta de Ray Barreto. Es así como contrata la orquesta de Barreto y llena toda pulgada cuadrada del club. De manera subsiguiente, Bonet y su hermano Julio llenaron el club cada atardecer de miércoles a domingo al contratarse orquestas de arraigo popular como las de Tito Puente, Machito, Eddie Palmieri, Johnny Pacheco y José Fajardo, así como también la Orquesta Broadway, la Típica Novel y la Sonora Matancera.  Al público de los miércoles por la noche se le trataba con espectáculos especiales, donde Cuban Pete, Mike Vásquez, Freddie Ríos, Carlos Arroyo y Mike Ramos, además de otros muy conocidos bailadores, emocionaban a los espectadores con las exhibiciones de sus pasos de baile mas recientes.

 

 

A la der. La leyenda del Corso Cuban Pete. Foto de ©Cuban Pete y  a la izq.  Las leyendas del mambo: Mike Ramos y Freddie Ríos. Foto de ©justsalsa

 

        El 2 de agosto de 1968, la orquesta de Pete Bonet, compuesta por doce integrantes y dirigida por Louis Ramírez, hizo su debut en el club. El grupo impacto a los bailadores con composiciones y arreglos originales de Ramírez que me recordaron al sonido de Tito Puente (escuchen al álbum de Bonet de 1968 The Odds Are On y también al álbum de 1969 con el sello Fania Pete & Louie: The Beautiful People). Los hermanos Bonet estaban en racha, por lo que se fueron al estilo latino los lunes en la noche, lo que atrajo a los aficionados que anteriormente iban a los espectáculos de Jazz-Latino en el Village Gate. Contribuyendo a la popularidad del Corso estaban los anuncios, como éste que escribí, titulado "El Corso, la Casa del Sonido Típico", para la recién fundada revista Latin New York:

 

          ¿Alguna vez se ha sentido solo y sin saber que hacer? ¿Quieres conocer a una hermosa muñeca y   bailar al son de una música que los va a agitar a ambos? Si tu respuesta fue sí, visita el Corso cualquier  lunes, miércoles, viernes, sábado o domingo por la tarde. No importa cual sea el problema que tengas, una vez pases por los portales a la entrada del Corso, la música típica te va a pegar y te va a ayudar a escapar de tus problemas por algunas horas. Algo diferente siempre está ocurriendo. Alguien siempre esta siendo infectado por esta música.

 Herencia Latina

 

 

La Orquesta Broadway: De izq. a der. 1. Eddy Zervigón, flauta de madera de 5 llaves;  2. Kelvin Zervigón, Guiro; 3. Ira Herscher, Piano; 4. Enrique Vélez, Timbales; 5. Helio Romero, Cantante; 6. Roberto Torres, Cantante; 7. Jose Valente, Conga ; 8. David Herscher, Bajo; 9. Abraham Norman, Violín; 10. Ruddy Zervigón, Violín; en plena época del Corso.  La foto es cortesía de ©Eddy Zervigón.

 

 

 

        El público a capacidad que se dio cita el Día de las Madres del 13 de mayo de 1973 fue infectado por la música típica de la Orquesta Broadway, Ray Barreto, y Johnny Pacheco. Eddie Zervigón, flautista y director de la orquesta Broadway, emocionó a los bailadores con su excitante "Pa’Africa" de su grabación más reciente. Trate de imaginar sus rápidos dedos moviéndose en una flauta negra de madera soplando un acorde menor en un registro bajo y luego subiendo tres octavas por encima de cada otra nota. Trate de imaginar el sudor bajando por la nariz de Ray Barreto mientras canta el coro y sus manos azotan el cuero de sus tambores. ¿Puede visualizar a Johnny Pacheco sufriendo con una fiebre, incapaz de cantar y pidiéndole a una muñeca latina que cante el coro en su lugar ya que su garganta afligida no le permite llegar a las notas altas? Mírelo y escúchelo en la Casa del Sonido Típico. ¡Pase por el Corso y quede infectado!

 

        Y en el artículo que escribí para el número de agosto del 1973 de Latin New York, hablé sobre el público a capacidad que se había dado cita dos meses atrás para escuchar el nuevo sonido electrificado de Eddie Palmieri en el Corso.

 Herencia Latina

 

 

Ahora que mama no está aquí. . .

Nick Marrero e Ismael Quintana.  NYC 1972. Foto de Martín Cohen.

 

 

La gran asistencia fue como la gente que se alineaba en la Quinta Avenida para saludar al Gran Mariscal de la Parada Puertorriqueña. Estaban parados formando un semicírculo alrededor de la tarima y mirando hacia arriba donde el pianista; otros llenaban cada pulgada cuadrada del débilmente iluminado club.  Con brazos extendidos y ágiles dedos cosquilleando el montuno para "Pa’Huele", Palmieri, inclinando su cabeza hacia arriba, ojos cerrados, y llevando una expresión de satisfacción sensual, parecía haber quedado anestesiado por su propia música. La nueva "Pa’Huele" fue destacada por el amplificado y agitante arte de Alfredo de la Fé, cuya cabeza, hombros y brazo derecho se agitaban y estremecían espasmódicamente mientras su arco pasaba sobre las cuerdas…Siguiendo el solo hipnotizante de tres minutos de De la Fé, fue la excitante  flauta de Mario Rivera y un inspirado y  sin precedente solo de los diestros dedos del bajista Andy González, que hicieron esta canción aún mejor que la versión grabada. "Pa’ Huele" fue tan increíble que cada número interpretado posteriormente no pudo elevar la adrenalina al mismo nivelHerencia Latina

 

 

Andy Gonzalez, para 1974. Foto de ©Martín Cohen

 

 

 

        Hubo muchas noches inolvidables en el Corso, pero la que más disfruté fue cuando  Vicentico Valdés y Tito Puente se reunieron luego de su separación de veintiún años atrás. En 1954, un mal entendido entre los dos músicos resultó en que Valdés abandonara la orquesta de Puente para formar su propio grupo, el cual fue un éxito inmediato. Por años los latinos de Nueva York anhelaban que estos dos músicos se pusieran en contacto y enterraran el pasado.

 

        El 18 de abril de 1975 la unión histórica entre Tito Puente y Valdés  se dio en el Corso. A la 1:00am, poco después de que el conjunto de Johnny Pacheco había terminado con una electrizante guaracha.  La poca alumbrada sala de baile de momento se vio prendida con las luces blancas del techo, mientras los bailadores se apresuraban para encontrar un lugar donde poder apreciar el espectáculo. De acuerdo a Machito y a Miguelito Valdés, el Tito Puente de mediados de los setenta era una persona madura que había expresado su deseo de estar en el mismo anuncio que Tito Rodríguez y Vicentico Valdés. La anticipación de lo que sucedería luego era el pistón que movía mi creciente adrenalina.

 

        Marty Arrett, el maestro de ceremonias del Corso, comenzó la histórica ocasión dándole la bienvenida a Puente luego de una ausencia de dos años y medio. El peli-blanco de Puente, vestido magistralmente en un traje azul y corbata roja, se inclinó ante la ovación del público y le hizo una señal a Mike Collazo, cuyo redoble acompañaba las palabras de Arrett: "Señoras y señores, el Rey, Tito Puente, y Vicentico Valdés."

 Herencia Latina

 

 

El Rey Tito Puente. Foto de ©Martín Cohen

 

 

 

        Un estridente aplauso y una ovación de pie le siguieron. Valdés, vestido con un jacket safari de colores crema, camisa deportiva y pantalones ligeros de verano, se liberó del grupo de mujeres que lo rodeaba, sonrió, caminó tranquilamente hacia Arrett, le dio la mano, aceptó el micrófono, le hizo una señal afirmativa a Puente, y comenzó a cantar la balada "Corazón No Llores". Tres baladas más siguieron; cada una causando un entusiástico aplauso. Cuando la familiar introducción a "La Gloria Eres Tu" comenzó, los estrepitosos aplausos y pitos ahogaron a Valdés. En solo segundos me vi transportado al año 1952.  Imaginé el suave vibráfono de Puente y tuve visiones de los que bailaban de "cachete a cachete" en la pista de baile del abarrotado Palladium. Cuando la banda comenzó a tocar "Babarabatiri" y siguió con "Abaniquito", los patrocinadores reaccionaron como locos. Era uno de los muchos momentos históricos en la historia de la Música Latina que se desarrollaron entre 1969 y 1985 en El Corso, la "Casa del Sonido Típico Latino."

 Herencia Latina

 

 

Entre amigos, Tito Puente, Miguelito "Babalu" Valdés (al centro) y con un puro en la boca,

a su izq. Vicentino Valdés. Fotos: Archivo Familia Valdés.

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Adalberto Santiago, Presentación

 

 

Ciales es un pueblo ubicado en el centro de Puerto Rico. También se la conoce como “La Ciudad de la Cojoba”, “La Tierra del Café” o el “Pueblo de los Valerosos”. Adalberto Santiago Berrios, cantante y compositor que homenajeamos este mes y con el que damos continuidad a nuestro espacio, nació allí, en el barrio Pozas, el 23 de abril de 1.937. Pero esta información no nos dirá gran cosa si no aclaramos que se trata del granAdalberto Santiago.

La gigantesca y destacadísima carrera musical de Adalberto Santiago cumple en 2011 los 55 años de aporte a nuestra cultura musical. Con una impresionante trayectoria en los estudios de grabación, son centenares los álbumes de nuestra música que incluyen la voz de nuestro gran Adalberto Santiago. Grabó e hizo coros con la mayor parte de los músicos y cantantes de nuestra “máxima expresión del barrio latino”, La Salsa, por lo que incluimos una lista al final de esta reseña que demuestra la versatilidad y el compromiso de nuestro homenajeado.

Dotado de una voz maravillosa, Adalberto es hijo de Agustiniano Santiago Marrero –obrero agrícola, trovador y músico aficionado– y de Felicita Berrios Burgos, cantante aficionada. Es muy posible que su hijo haya heredado de ellos ese gusto por la música que, como veremos, tanto ha beneficiado nuestra Máxima Expresión del Barrio Latino. Sin embargo, sus padres no tenían propuesto que su hijo fuese músico o cantante, y la ilusión del mismo Adalberto en su juventud era convertirse en actor de televisión. Esta ilusión nunca pudo hacerse realidad, pero el éxito se lo daría su maravillosa voz y su carrera como cantante.

Adalberto se inició cantando con tríos y tocando el bajo y la guitarra. Sus inicios como profesional los realizó con Chuito Vélez, con quien grabó los álbumes Chuito Vélez y Sus Estrellas Boricuas; Chuito Vélez y Su Súper Orquesta, Si Pancha Plancha; Chuito Vélez And His Orchestra, Hojas Muertas y Chuito Vélez Con Su Orquesta, A Go Go. Durante su permanencia con Chuito viajó a Nueva York y tuvo también la oportunidad de grabar dos álbumes con la Orquesta de Willie Rodríguez y un disco con la orquesta del maestro Willie Rosario en 1.966. Desde el comienzo demostró su versatilidad y su interés por estar trabajando siempre con diferentes músicos.

Su periplo con Chuito concluyó en 1966. Posteriormente, y por sugerencia del trompetista Roberto Rodríguez, se unió a la orquesta del gran maestro de la percusión Ray Barreto, reemplazando al cantante Manny Román. En su primera época con Barreto grabó los álbumes Latino Con Soul (1966), Acid (1967), Hard Hands (1968), Together (1969), Barreto Power (1970), The Messagge (1971) y Que Viva La Música (1972). Celia CruzAdalberto SantiagoRay Barreto: Tremendo TríoRay Barreto, Soy Dichoso (1981); Ray Barreto,Irresistible (1989) y Ray Barreto, Live 50th Anniversary In Puerto Rico.

Ray Barreto grabó para el sello musical Fania, cuyos dueños eran Jerry Massuci y Johnny Pacheco. En 1968, estos mismos crearon la Fania All Stars, y Adalberto Santiago hizo parte de ella.

Esta fue la época de su consagración como una estrella de la música latina. Adalberto grababa para Barreto y para las estrellas de Fania, pero no lo hacía de modo exclusivo. También se dedicó a realizar grabaciones con una gran cantidad de los músicos y cantantes de Puerto Rico y Nueva York. Participó al lado de los cantantes Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Pete El Conde Rodríguez,Bobby Cruz, Santos Colón y Cheo Feliciano en los grandes conciertos de Fania en el Red Garter en 1968, en el Club Cheetah de Nueva York en1971, y en Our Latín Thing /Nuestra Cosa Latina y Fania All Stars en el Yankee Stadium.

Adalberto Santiago se retiró de la orquesta de Barreto después de esta exitosa época en la vida musical. Luego participó como miembro fundador de la naciente Típica 73, con la cual grabó los álbumes: Típica 73: Canta Adalberto Santiago (1973); Típica 73: Inca 88193 (1974); La Candela; Típica 73 (1975) y Típica 73-74-75–76 (1978). Tras la división de los músicos de La Típica 73, Adalberto pasó a hacer parte de una nueva banda conocida como Los Kimbos, con la que grabó dos álbumes.

Su siguiente paso fue hacerse solista. Con su propia agrupación grabó nueve discos de larga duración entre 1977 y 1990. De sus propias producciones musicales destacamos exitosos números como: “Imposible ha de ser”, “Llévame”, “Ay Caray”, “La Amistad”, “Mi guajira se va mi querer”, “Fuego y Candela”, “Píntame un Son”, “Échate Pa’ Lla” y “La Noche Mas Linda”.

Hizo parte del álbum Amanecer de Mongo Santamaría, el cual obtuvo el premio Grammy en 1978. Con Tito Puente grabó Homenaje a Benny, álbum dedicado al famoso cantante cubano Benny Moré y que ganó el premio Grammy en 1979. Estos dos álbumes hacen parte de su participación como uno de los cantantes más representativos del movimiento de la Salsa producida en Nueva York a lo largo de más de cuatro décadas. Presentamos en este trabajo investigativo 174 Producciones Discográficas en las cuales participa como cantante principal y como corista e incluso participando en percusión menor.

La emisora Latina Stereo 100.9 FM de la ciudad de Medellín en Colombia y nuestro sitio en internet www.latinastero.com rinden un homenaje merecido y afectuoso a uno de los más grandes pilares de nuestra música, el Gran Adalberto Santiago, “El Hijo del Cariño y de la Dulzura”. Gracias Maestro.

¡Qué Viva La Música! ¡Qué Viva La Salsa! ¡Qué Viva Adalberto Santiago! 

 

Anexo Artistas que han contado con la participación de Adalberto Santiagocomo cantante o acompañándolo en los coros.

Alfredo RodríguezAndy HarlowAntar DalyBaby GonzálezCelia CruzCharlie AponteCharlie PalmieriCheo FelicianoChivirico DávilaFrankie FigueroaGilberto Santa RosaIsmael MirandaIsmael QuintanaIsmael RiveraJimmy SabaterJoe Cuba y su SextetoJoe Quijano & Conjunto CachanaJohnny Pacheco Jorge MilletJosé Mangual Jr.Justo BetancourtLa Sonora PonceñaLalo RodríguezLarry Harlow & OrquestaLarry Harlow, Ralp CastrellaLouie Ramírez & OrquestaMachito & OrquestaMarcelino GuerraMario ÁlvarezMeñiqueMilton AlbinoMongo SantamaríaNéstor SánchezPaquito D’RiveraPaquito GuzmánPete "El Conde" Rodríguez Rafael CortijoRaphy Leavitt y Orquesta La SelectaRaymond CastroRoberto Roena y Su Apollo SoundRoberto TorresRubén BladesSammy GonzálezSonny BravoTito AllenTito PuenteTito RodríguezTommy OlivenciaVitín AvilesWillie “El Baby”Willie ColónYayo el indio

 

Fuentes y Bibliografía:

  • DIAZ Ayala, Cristóbal. La Marcha de los Jíbaros. Editado por el Instituto de Cultura Puertorriqueña. Puerto Rico, 1998.
  • MURIEL, Tommy. Fania All-Stars: Tres Décadas de Sabor... Y No Quieren Parar.... Oasis Salsero All Rights Reserved 2001. Disponible en:www.oasissalsero.com.
  • RONDÓN, César Miguel. Salsa. Crónica de la Música del Caribe Urbano. Oscar Todtmann Editores C.A. Caracas, Venezuela, 1979.
  • http://es.wikipedia.org/wiki/
  • http://www.prpop.org/biografias/a_bios/AdalbertoSantiago.shtml
  • http://elpuntodelasalsa.blogspot.com
  • http://www.banamusic.com/descargar-chuito-velez-y-sus-estrellas-boricuas.html
  • http://www.amazon.com/
  • http://www.descarga.com/
  • http://www.radioelsalsero.com/
  • http://es.groups.yahoo.com/group/herencialatina/message/21250
  • http://www.musicstack.com/item/9371
  • http://www.answers.com/
  • http://www.fania.com/
  • http://zonamusical.net/
  • http://www.100x100salsa.com/
  • http://www.mrbongosalsa.com/
  • http://www.artistdirect.com/
  • http://elpuntodelasalsa.blogspot.com/2011
  • http://www.discogs.com/
  • http://herencialatina.com/
  • http://www.lospuntillerosdelsabor.com/
  • http://www.answers.com/
  • http://www.allmusic.com/
  • http://latinpop.fiu.edu/
  • http://en.wikipedia.org/
  • http://jajp.facebook.com/topic.php
  • http://www.cduniverse.com/

Por. Sergio Alonso Rendón Ángel 

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RICARDO "RICHIE" RAY El Embajador Del Piano "ENTREVISTA"

RICARDO "RICHIE" RAY El Embajador Del Piano "ENTREVISTA"

 

ENTREVISTA EXCLUSIVA PARA "SALSA Y TIMBAL"


Hablar de RICARDO "RICHIE" RAY, es hablar de palabras mayores, hablar de RICHIE RAY y hablar de salsa es casi hablar de sinónimos, y es porque la salsa en su creación como tal le debe un gran aporte a este gran valuarte de la música latina. Uno de los forjadores y creadores de la salsa, un intrépido que se atrevió a desafiar los mas tradicionalistas contextos de la música latina para mezclar diversas culturas y crear eso que hoy llamamos salsa.

Tuvimos el inmenso placer de manera exclusiva para SALSA Y TIMBAL, de compartir con “EL EMBAJADOR DEL PIANO” , un hombre carismático, una persona humilde y jovial, una cajita de música cuando de hablar de salsa se refiere, y eso fue justamente lo que hicimos, hablamos de salsa con uno de LOS Durísimos, con una leyenda que ha hecho y sigue haciendo historia en la salsa, hablamos de salsa con RICARDO “RICHIE” RAY. A manera de primicia y exclusiva para SALSA, CUERO y TIMBAL, esta es la entrevista realizada por SALSA Y TIMBAL a RICHIE RAY.

 

 

RICHIE es motivo de inmenso placer y orgullo para nosotros poder compartir con UD y que UD a su vez lo haga con todos sus seguidores a través de SALSA, CUERO Y TIMBAL.
RICHIE bienvenido a Medellín, bienvenido a Colombia.

RICHIE: Bueno, muy encantado el placer es mío de poder estar aquí saludando a todos mis amigos; Muy contento de verdad de estar aca en esta hermosa ciudad y participar de todo el rico ambiente cultural y musical de la ciudad de MEDELLÍN, y bueno, las gracias a Uds. por permitirme saludar a toda la gente de SALSA Y TIMBAL.

 


ENTREVISTA A RICHIE RAY

 

RICHIE hablemos de COLOMBIA, que ha significado COLOMBIA para la carrera artística de RICHIE RAY & BOBBY CRUZ?

RICHIE: Hay una verdad y es que COLOMBIA es el lugar donde mas aprecian y aman la música de RICARDO RAY & BOBBY Cruz, inclusive hoy en día hay una cosa que llaman salsa colombiana y yo no noto que la salsa de COLOMBIA es salsa al estilo de RICHIE RAY & BOBBY CRUZ. Yo oigo la salsa colombiana y escucho en ella todos los elementos de la música nuestra, inclusive cuando me toca tocar con músicos colombianos me siento como en familia porque es un estilo muy a la manera nuestra.

 

RICHIE EN CONCIERTO EN MEDELLÍN

 

Su nombre de pila es RICARDO MALDONADO MORALES, de donde surge lo de RICARDO RAY, de donde nace lo de RICHIE RAY.

RICHIE: Éramos dos hermanos RICARDO MALDONADO y RAYMOND MALDONADO, entonces cuando BOBBY y yo nos juntamos quisimos hacer un nombre nuevo, algo fresco, entonces cogimos el nombre mío y el de mi hermano y lo juntamos, entonces quedo “RICHIE RAY” o “RICARDO RAY” en esa entonces, porque queríamos hacer algo fácil para la lengua americana porque donde estábamos era un ambiente bilingüe.

Hablemos de esa época, ¿Cómo surge la unión del entonces muy joven newyorican RICARDO MALDONADO y ROBERTO CRUZ “BOBBY”?

RICHIE: Tanto mi familia como la de BOBBY eran puertorriqueños que se habían trasladado a NEW YORK en busca de un mejor vivir, la madre de BOBBY y la MIA eran amigas y trabajaban en la misma factoría (fabrica),entonces desde muy chamacos ya nos conocíamos, pero es mas o menos cuando yo termino la universidad que nos juntamos ambos, el era músico empírico, no tenia conocimientos musicales y yo tenia toda esa formación musical y preparación, BOBBY tenia toda la experiencia que da la vida; Entonces BOBBY me dice: “RICHIE con lo que tu sabes y con lo que yo he recibido de la vida, podemos juntarnos y hacer algo grande que el mundo va a darse cuenta”, y comenzamos a trabajar fervientemente hasta que la cosa se dio, y ya han pasado mas de 40 años y ahí seguimos.

 

 

Inicialmente BOBBY no era el vocalista del grupo, como se da ese proceso para que BOBBY sea el cantante principal de la orquesta?

RICHIE : Inicialmente BOBBY tocaba la guitarra, pero vimos que el estilo de piano que tocaba yo ,no concordaba mucho con la guitarra, entonces decidimos sacar la guitarra de la orquesta, luego toco los timbales y yo le enseñe a tocar el bajo; Hay una anécdota muy especial y es que la primera vez que fuimos al estudio a grabar el cantante que teníamos al escuchar su voz grabada no le gusto, y dijo que el no podía grabar, que su voz no era buena, que no le gustaba y que no grabaría; Ya en el estudio con todo montado, BOBBY que era el arreglista y compositor de casi todos los números se decidió por cantar y grabar.
En un principio contamos con la colaboración en la parte vocal de CHIVIRICO DÁVILA y BOBBY cogio algo de la formación de CHIVIRICO, hasta JALA JALA Y BOOGALOO que BOBBY hace toda la parte vocal.

 

 

Hablemos de ese primer trabajo discográfico “COMEJEN”

RICHIE: Ese fue el primer trabajo, para ese entonces no existía la salsa, es decir la palabra “salsa” no existía, ahí nosotros metimos boogaloo, pachanga, guaguanco, ahí comenzamos a usar diferentes ritmos combinados de diferentes maneras; Aunque para ese trabajo yo me dedique a investigar y a oír mucho sobre la música cubana porque quería tener unas buenas bases, la mayoría de las canciones eran de nosotros, todos los arreglos eran de nosotros tratando de ver como buscábamos algo comercial que se pudiera dar conocer en el ambiente musical y comercial.

 


En “COMEJEN” se da la participación vocal de CHIVÍRICO Dávila, años después ingresa a la orquesta una joven llamada MIKI VIMARY la cual dejo una gran huella por la orquesta, como se da la llegada de MIKI VIMARY a la orquesta?


RICHIE: Nosotros habíamos grabado un disco con una cantante llamada NIDIA CARO que era bastante conocida, y un día vino una muchachita de 17 años a una actividad donde estábamos nosotros, ella me aborda y me dice : “esa canción que NIDIA grabo, yo la puedo cantar mejor que ella”,la canción era YO SE QUE TE AMO un tema de ARMANDO Manzanero, esta muchachita quería que le diéramos la oportunidad y la verdad que lo hizo muy bien, y en poquito tiempo la hicimos parte del grupo y comenzamos a trabajar con ella, MIKI estuvo por muchos años con nosotros.

 

 

Que otros cantantes han pasado por la orquesta de RICHIE RAY Y BOBBY CRUZ?

RICHIE: Hubo un cantante venezolano llamado LEO GONZÁLEZ, estuvo con nosotros un tiempo cantando, pero la mayoría del tiempo el cantante ha sido BOBBY.

 

 

RICHIE RAY EN CONCIERTO EN MEDELLÍN

 

 

 


Esta es tal vez la pregunta que en mas ocasiones le han hecho, es referente a la creación del termino “SALSA” como tal, se dice que Uds. fueron los creadores del termino “SALSA”, no obstante hay otras versiones que le atribuyen la creación de la palabra “SALSA” a otras personas o a otras teorías, por Ej. una de ellas es que antes de RICHIE Y BOBBY ya IGNACIO PIÑEIRO había grabado la canción titulada ÉCHALE SALSITA. Quienes en si fueron los creadores del termino “SALSA”?

RICHIE: Si eso es cierto mucho antes de nosotros ya se había grabado la canción ÉCHALE Salsita, pero en esa canción el termino salsa o salsita se refiere es a términos de comida, de aliños, de sazón, mas no a términos musicales.
El termino SALSA como tal nace de RICARDO RAY Y BOBBY CRUZ; En el año 1967 nos encontrábamos en Venezuela, un conocido locutor llamado FIDIAS DANILO ESCALONA en su programa de radio en medio de una entrevista nos pregunta :¿Qué es eso que Uds. tocan, eso es guaguanco, boogaloo, jala jala, guaracha, que clase de mezcla es esa?,a lo que yo le respondo: “lo que nosotros tocamos es KETCHUP, SALSA EN ESPAÑOL, queriendo hacer alusión yo a esa combinación de ritmos que creamos nosotros; A eso el locutor respondió : “ah!! Entonces lo que Uds. tocan es Salsa, de ahí en adelante en cada parte que nos presentábamos toda la gente nos gritaba y nos pedía SALSA! SALSA!.

Debido a ese estilo que Uds. impusieron de mezclar diferentes culturas musicales y diversos ritmos, hubo quienes se atrevieron a catalogarlos a Uds. como asesinos de la música latina.

RICHIE: Así es, como nos atrevimos a experimentar con jazz, con rock and roll, entonces los puristas nos tildaron de estar acabando con la música latina; Cada cual tiene su forma de ver las cosas cuando se unen diferentes culturas, pero hay quienes creen que las cosas tienen que quedarse iguales, pero el arte siempre tiene que ir evolucionando.

Como se da la llegada de Uds. A FANIA ALL STARS y que significo esto para Uds.?


RICHIE: FANIA para entonces era un sello que apenas nacía pero se veía que estaban tomando auge, cuando nosotros estuvimos con ellos no eran tan grandes, pero vimos que Jerry Masucci y Johnny Pacheco eran gente de talento y pensamos que eso podría llegar lejos.

 

 


De donde nace el remoquete de “LOS DURÍSIMOS”?

RICHIE: Mmm… la verdad no recuerdo muy bien, uno usa muchos nombres, muchas palabras que hacen parte de la comercialización ,del mercadeo, usamos muchos nombres “sonido bestial, los bravos, los durísimos”.

Hay un Lp. que Uds. grabaron titulado “LOS DURÍSIMOS THE STRONG ONES” donde están PANCHO CRISTAL y Adaza, es en este trabajo donde se les comienza a denominar como LOS DURÍSIMOS ?

RICHIE: OH si, es desde ahí, y es desde ahí también donde se comienza a utilizar la palabra “SALSA” comercialmente, en la carátula del lp, en la parte de abajo dice “SALSA Y CONTROL”.

 

 

Como fueron catalogados Uds. como los “REYES DE LA SALSA” en Puerto Rico?

RICHIE: Eso fue mediante un concurso en el año 1974, era un concuerdo hecho por el canal wapa TV, eran 12 horas y 24 orquestas, nosotros nos ganamos ese concurso con un tema titulado “LA ZAFRA”, todo el mundo llevo lo mejor de su música pero nosotros fuimos galardonados como los REYES DE LA SALSA.

 

 

Que opina de la salsa que se hace hoy en día, de la llamada salsa romántica?

RICHIE: Eso no es salsa, yo la llamo “SALSA MONGA”,hoy en día lo que hacen es coger un niño bonito, le ponen un traje nuevo y lo ponen a cantar una balada que nada tiene que ver con el verdadero objetivo de la salsa, eso no es salsa; Es claro que la música tiene que evolucionar y estar cambiando, nosotros evolucionamos la salsa en aquel tiempo, pero lo que esta sonando hoy no es salsa, deberían llamarla de otra forma porque para que sea salsa debería tener otros ingredientes. En la época nuestra la salsa era mas intensa y la salsa cantaba de si misma es decir, repica el bongo, la rumba me llama, la música era alegre y cantaba de esa misma alegría, hoy en día se ha transformado y es mas una balada a ritmo de salsa inclusive la forma de tocarla es mas sutil, se acabo el sabor, el ritmo, la alegría.

 

 

RICHIE cuantos trabajos discográficos hasta el día de hoy?

RICHIE: Van 101 y estamos trabajando en la 102.

De esos 101 trabajos, cuales son las mejores canciones que han hecho?

RICHIE: Las mas significativas y las que mas ventas tuvieron son: SONIDO BESTIAL, JUAN EN LA CIUDAD Y RICHIE'S JALA JALA.

 


Porque tal vez en el momento cumbre de sus carreras, en el momento donde mas Uds. se recubrían de fama y las compañías disqueras ofrecían cantidades exorbitantes de dinero por sus discos, uds deciden cambiar ese estilo musical que los llevo al éxito por hacer una salsa cristiana o una salsa con mensaje religioso?

RICHIE: En ese momento lo teníamos todo, fama, dinero, placer, mujeres, droga; Pero por dentro estábamos vacíos, es ahí donde DIOS entro en nuestras vidas y las cambio por completo, ahí descubrimos que la felicidad no era material sino espiritual fue allí, donde descubrimos el verdadero camino de la felicidad.

Actualmente que hace UD y que hace BOBBY?

RICHIE: Actualmente vivimos en MIAMI y tanto BOBBY como yo predicamos la palabra del señor.

 

 

Es UD un hombre muy espiritual y aunque no pertenece como tal a la religión católica no podemos dejar de conocer su concepto a raíz de la reciente muerte del papa JUAN PABLO SEGUNDO.

RICHIE: Sin importar de que religión sea uno sea islámico, evangélico, judio, lo que sea, fue un hombre muy bueno, un hombre de DIOS, un hombre que vino a ser el líder espiritual del mundo, es una perdida muy grande para el planeta tierra, pienso que va a ser difícil, encontrar una persona que tenga el amor, la humildad y la unión que ha tenido este hombre.

RICARDO, agradeciéndole nuevamente la venia y la gentileza que ha tenido para con nosotros, envíele por favor un mensaje a toda esa gente que ha seguido su trayectoria, a todos los salseros de MEDELLÍN, a toda la gente de SALSA Y TIMBAL.

RICHIE: Y en especial a los jóvenes como Uds., Uds. saben que a mi me encanta la salsa, ya no soy aquel nene que vino por primera vez a COLOMBIA muchos años atrás, pero me encanta poder seguir en esto, me encanta poder venir aca y sentir el cariño de la gente, de ver gente joven como Uds. que se interesa y gusta de la salsa.
Quiero decirles que yo en el camino encontré una verdad, que DIOS es real, que el existe, que el cambio mi vida, aunque yo tenia todo el dinero del mundo, todas las comodidades, la fama, todo lo que el mundo nos puede ofrecer, yo sabia que faltaba algo, estaba vació por dentro, ahora me siento una persona completamente realizada, ahora que tengo a cristo en mi vida y ya no tengo que estar bebiendo ni metiendo drogas para sentirme bien y contento. Gracias a DIOS ya hemos hecho 100 discos y seguimos, y nos quieren contratar para hacer mas cosas,y todo eso es gracias al señor,y siento que hay paz en mi corazón; Así que le digo a todos los jóvenes, a todos los salseros que sigan pa lante con la salsa, con la salsa gorda no la “salsa monga”,que le den una oportunidad a DIOS de que entre en sus vidas, porque si uno toca la puerta el, la abrirá y va a ser algo tremendo en sus vidas.

 

 

Entrevista realizada para SALSA Y TIMBAL por:

Carlos Mario Rivillas

Rolando Posada A.

 


FEDERICO Y SU COMBO. EL PRECURSOR DE LA SALSA EN VENEZUELA

 

Por JUAN CARLOS ÁNGEL

 

Publicado originalmente en el portal El Sonero de Barrio y cedido por su autor para reproducirse en Herencia Latina.

 

Cuando se habla de la salsa en Venezuela, Federico Betancourt aparece como el responsable directo de la utilización de este término; él fue quien primero la utilizó en un LP titulado Llegó la Salsa. 

Conozco a Federico personalmente desde hace muchos años y soy testigo de sus logros y sufrimientos, ya que organizar una orquesta es una tarea difícil y a pesar de esto, él logró durante años mantenerse exitoso.

Federico, al igual que el Sexteto Juventud, Los Dementes o el Pavo Frank, es un pionero fundamental en la salsa de Venezuela y sin su presencia y la de su combo, no hubiésemos podido disfrutar luego de figuras venezolanas como La Dimensión Latina, Oscar D´ León, Los Satélites, el Grupo Mango, entre otros.

Para ser más claro, Federico Betancourt es el padre de la Salsa venezolana. Atentamente, desde Holanda,

Gerardo Rosales.

 

El Sonero de Barrio (E.S.B) ¿Cuál es su nombre completo, fecha y lugar de nacimiento?


Federico Betancourt (F.B):  Jesús Federico Betancourt y nací en la ciudad de Valencia, estado Carabobo, en este hermoso país llamado Venezuela, un Viernes Santo correspondiente al 22 de marzo de 1940.

E.S.B: ¿Cuáles eran los nombres de sus padres? ¿Qué oficio desempeñaban y dónde nacieron?


F.B: Mi madre se llamaba Carmen Elena Betancourt Alvarado, era oriunda de Duaca, estado Lara , se desempeñó en Caracas como-reconocido como estado musical de Venezuela- costurera y realizando ese oficio me crió; lamentablemente falleció el 7 de enero de 2004, a la edad de 92 años. Mi padre fue Carlos Federico Malpica, natural de Valencia, estado Carabobo y fue comerciante ferretero, Jefe de bomberos voluntarios, y dirigente deportivo; permaneció en su estado natal hasta su muerte, un 26 de enero de 1991, a la edad de 77 años.

E.S.B: ¿Cómo fue su infancia?


F.B: ¡Feliz! Caracas era humanizada y señorial. Crecí entre las esquinas, de Carmen a Quinta Crespo, Parroquia San Juan y de vez en cuando la pasaba en Valencia. Compartí esos años con verdaderos amigos, y aunque ha pasado mucho tiempo, algunas veces nos reunimos… puedo nombrar a Rubén Mijares, quien fue por mucho tiempo gerente del equipo de Béisbol Magallanes, y “Papelón” Borges, Volibolista y ex-director nacional de deportes. Recuerdo que Caracas, para ese entonces, tenía menos habitantes y las personas que iban a ser famosas vivían cerca. (Ja, ja).

E.S.B: Antes de ser músico ¿Qué oficio desempeñaba?


F.B: Fui empleado del Banco de Venezuela; estaba encargado de entregar las becas estudiantiles asignadas por el Gobierno Nacional.

E.S.B: ¿Cómo adelantó sus primeros estudios musicales y dónde los realizó?


F.B: No los realicé formalmente en ninguna institución, lo hice de manera particular, con diferentes maestros. Estudié la teoría para tener algún conocimiento como director de orquesta, no para dedicarme a un instrumento en particular. 

E.S.B: ¿Por qué se dedicó a la música? y cuando halló el camino ¿Qué influencias musicales le marcaron?


F.B: Por mi mamá, tengo genética musical y ya, en mi adolescencia, me influyeron los ritmos cubanos, escuchaba mucho a la Sonora Matancera; posteriormente a Mon Rivera, a Eddie Palmieri y a Joe Cotto.

E.S.B: ¿Quiénes fueron sus primeros maestros? i ¿Cuál fue el primer instrumento que aprendió a tocar?


F.B: Mi primer maestro fue un músico, especialista en trombón…, caramba, en estos momentos no recuerdo el nombre, el alzheimer no perdona ( ja,ja,ja). Sobre el instrumento, fueron los de percusión, tenía el oído bien afinado, aunque no leyera música, por algo me llaman el “Rey del Güiro”.

E.S.B: ¿Cuál fue el nombre de la primera orquesta que integró y que género musical interpretaban?


F.B: Orquesta Los Selectos, interpretábamos temas de Billo’s y Melódicos, muy sonados para esa década de los 60. Tocábamos en bailes particulares. No grabamos disco.

E.S.B: ¿En qué año conformó la orquesta que lo hizo famoso y cuál era su nombre? Recuerda ¿quiénes fueron sus primeros integrantes?


F.B:Conformé en 1965 a Federico y su Combo Latino y, a mediados de 1966, lancé el primer LP al mercado. Reuní a los músicos junto a Roberto Monserrat porque ambos ya estábamos en el medio musical. 

 

… con tan sólo 26 años de edad, y con el apoyo de Roberto Monserrat, organizó Federico y su Combo Latino, agrupación con la cual inmortalizó temas como Pao Pao, Maína y Cocolía. Muchos de sus hits son de Mon Rivera y Joe Cotto y los arreglos estuvieron a cargo de Eduvigis Carrillo, famoso trompetista. El Combo de Federico, impuso en el país, el uso de los trombones como instrumento sobresaliente y por esta orquesta desfilaron los más destacados vocalistas y músicos venezolanos de la época: Carlín Rodríguez, Dimas Pedroza, Enrique "Culebra" Iriarte (pianista), César Monge, Téofilo Zamty y José “Rojita” Rojas (trombonistas), Rafael Prado (bajista), César Pinto, José Acosta y Carmelo Álvarez (trompetas), Nené Pacheco, Roberto Monserrat y “Pedrito” Medina (Percusionistas), Édgar “Dolor” Quijada “El Bobby”, Rogelia "Canelita" Medina, José "Joe" Ruiz, Jhonny Ramos, Manny Bolaños, Memo Morales, “Chino” Suárez, Harlem, Jorge Mendoza, Orlando Castillo "Watussi", Pepe Acosta, Manuel Moré, Wladimir Lozano y el inigualable “Calavén”.

E.S.B: ¿Por qué llamó al álbum que realizó en 1966, “Llegó la salsa”?


F.B: El locutor venezolano Phidias Danilo Escalona tenía un Programa Radial llamado “La Hora de la salsa, el sabor y el bembé”, donde promovía todos esos ritmos cubanos y puertorriqueños, orquestas como la de Tito Rodríguez, Tito Puente, Joe Cuba, La Sonora Matancera con Celia Cruz… Phidias le dio apoyo a mi Combo, me prestaba el lugar donde hicimos los primeros ensayos. 

Llegó la oportunidad de grabar mi primer disco, con el Sello Palacio (primer disco de música afro-antillana grabado por un grupo venezolano), le colocamos “Llegó la salsa” como hubiésemos podido llamarlo “Llegó el sabor” o “A bailar sabroso”. Lo que pasó, es que el LP fue un “Batacazo” en ventas y todos los temas fueron hits, se vendió como “pan caliente”. 

Los comercios y fanáticos lo pedían como el disco de “LA SALSA”, amén, de que la palabra en su contexto se relaciona con “mezcla de productos que le pone sabor a otros”; así fue que en Venezuela la palabra caló masivamente. De allí en adelante, todos los espectáculos que se realizaron, y permítame decir que fueron bastantes, donde participaron los grupos venezolanos (Federico y su Combo Latino, Sexteto Juventud y Los Dementes) y las orquestas internacionales (Sonora Matancera con Celia Cruz, la de Tito Rodríguez, Tito Puente con la Lupe, Joe Cuba con Cheo Feliciano, Eddie Palmieri, entre otras) llevaban el nombre de “Salsa”, así salió la palabra del país.

E.S.B: ¿Qué opina, cuando la gente le atribuye a usted, el haber denominado todos los ritmos afro-antillanos en una sola palabra?


F.B: Yo contribuí a su masificación en Venezuela. Digamos que fue cuestión de “Suerte” y ¡era para mí!
Extraída de la biografía anexa: … sin imaginar ellos que ese término agruparía los ritmos tropicales y sería a nivel mundial la “Marca de la Música Latina”.

E.S.B: ¿Quién fue, para usted, el genio que le puso ese nombre publicitario a todos estos ritmos? ¿Qué opina de la gente que se atribuye esa mención?


F.B: Si no hubiese pasado nada con la palabra “Salsa”, nadie abriría la boca. El padre fue Phidias Danilo Escalona, él la utilizó por vez primera en su programa radial y yo, humildemente, con el éxito de mi LP, le di el empuje para su masificación.

 

E.S.B: ¿Cuál era el ambiente durante los años 50, 60 y 70 en los sitios de baile de Venezuela? ¿Puede mencionar algunos de ellos, en cada década, y los ritmos imperantes?


F.B: Puedo hablar por lo que viví en Caracas. En la década de los 50, predominaban las películas mexicanas y cantantes mexicanos. Los empresarios arrendaban salas de cine, situadas en el centro de Caracas y sus alrededores, para presentar los espectáculos. Se escuchaban los discos de charanga, chachachá, boleros, guaracha, twist, rock and roll…, se escuchaban las orquestas cubanas, como la Sonora Matancera, la Orquesta América, la Aragón; y de igual manera se oían pasodobles, merengues, tangos, música folclórica. De aquí eran La Billo’s, Los Melódicos, San Souci, Los Hermanos Belisarios, Luis Alfonso Larrain,… Se realizaban muchas fiestas en casas de familias, situadas en las populosas parroquias caraqueñas, con pick- up y discos de 78 r.p.m.

En la destacada década de los 60, de Venezuela continuaban sonando La Billo’s y Los Melódicos, con música popular, ritmos variados; Federico y su Combo Latino, Sexteto Juventud, Los Dementes, en la onda de la Salsa. Sonaban grupos internacionales, como Damirón en Merengues; la Sonora Santanera de México y en la música popular; Tito Rodríguez, Celia Cruz con la Sonora Matancera, Héctor Lavoe, Willie Colón... y Los Beatles, Aretha Franklin, Ray Charles, Steve Wonder en la línea del rock y soul. Fue la década de la revolución musical. 

El gobierno de turno realizaba fiestas populares en la calle, por carnavales y otros motivos; instalaban tarimas en barrios, plazas, parques de Caracas, en las cuales presentaban a los diferentes grupos nacionales e internacionales antes mencionados. Los empresarios utilizaban los grandes salones de los hoteles para realizar sus saraos.

A mediados de aquella década comenzaron a funcionar las discotecas, y a finales de la misma, se pusieron de moda, las fiestas en casas de familia con luz negra y música gringa; este modismo acabó con todo, no sobrevivió ningún grupo musical venezolano.

En la década de los 70, continuaron por Venezuela la Billo’s y los Melódicos, llegaron los discos y los espectáculos de la Fania All Star, que se presentaba en el Poliedro de Caracas; surgió la Dimensión Latina con sus cantantes Óscar D´ León y Wladimir Lozano, a quienes les fue reconocida su calidad vocal. La Salsa volvió a ser golpeada por la disco-music gringa.

E.S.B: Le atribuyen, ser el pionero de la salsa en Venezuela ¿Qué opina de esa mención?

F.B: Fui el primero que grabó un LP con esos ritmos, por lo tanto, el primero en sonar en la radio y en consecuencia, el primero en ser conocido masivamente.

Mi éxito se lo debo, al arreglista del Combo, que escribió los arreglos musicales con el corazón, a Eduvigis Carrillo (Q.E.P.D.), famoso trompetista; a las voces especiales de los dos primeros cantantes, Dimas Pedroza y Carlín Rodríguez; a la energía y ganas de sobresalir de los “chamos” que ejecutaban los instrumentos musicales de esa época y quienes posteriormente, fueron los músicos de Óscar D´ León, en la Dimensión Latina.

…Enrique "Culebra" Iriarte (pianista), César Monge, Téofilo Zamty y José “Rojita” Rojas (trombonistas), Rafael Prado (bajista), César Pinto, José Acosta y Carmelo Álvarez (trompetas), Nené Pacheco, Roberto Monserrat y “Pedrito” Medina (Percusionistas), entre otros.

De igual manera, al apoyo recibido de Roberto Monserrat, como director musical; a Phidias Danilo Escalona, por la promoción y a mi compadre, Jaime González, quien fue el que consiguió, con el Palacio de la Música, el financiamiento de mis primeras grabaciones. Bien cabe el dicho “Dios los crea y ellos se juntan”.

E.S.B: ¿Puede mencionar todos los cantantes que pasaron por su orquesta?


F.B: Carlín Rodríguez, Dimas Pedroza, Edgar “Dolor” Quijada, “El Bobby”, Rogelia "Canelita" Medina, José "Joe" Ruiz, Jhonny Ramos, Manny Bolaños, Memo Morales, “Chino” Suárez, Harlem, Jorge Mendoza, Orlando Castillo "Watussi", Oswaldo Rey, Pepe Acosta, Manuel Moré, Wladimir Lozano y el inigualable “Calavén”.

Debo decir que todos los cantantes fueron importantes, marcaron un momento, claro, Dimas y Carlín por ser los cantantes originales, identifican al Combo; “Joe” Ruiz y “Watussi”, voces especiales; Canelita, la única mujer; el showman “Calaven”, un espectáculo, y Memo Morales, otro estilo.

 

E.S.B: ¿Qué opina sobre las nuevas orquestas de “salsa dura” de Venezuela y cuáles destaca?


F.B: Hay muchos valores dedicados a la música latina, entre ellos, voces, músicos en los diferentes instrumentos y agrupaciones, pero es lamentable que no existan oportunidades para darlos a conocer. De orquestas destaco a Naty y su Orquesta, Bailatino, por supuesto a mi hijo con su Magia Caribeña, al genio de Porfi Baloa con Los Adolescentes y Dimensión Latina. Entre las voces están la de Mariana, Cheo Valenzuela y Cheo Linares, entre otros.

E.S.B:¿Qué proyectos tiene en el corto y largo plazo?

 
F.B: Seguir con mi empresa de sonido, Federico Betancourt Sonido que es mi sustento económico; ver el progreso de mi hijo, Federico Jr. y su Magia Caribeña, es la satisfacción para mi alma, es el cumplimiento con los ancestros. Quién sabe, a lo mejor viene el reconocimiento internacional en Europa, U.S.A., acompañado por mi hijo; esa sería la “Bendición del cielo” (ja,ja,ja) para la culminación del camino andado. 

Somos sobrevivientes de la mejor época del género, estamos a la par del crecimiento artístico de Willie Colón, Pacheco, Barretto, Héctor Lavoe,… ¡y muchos que ya no están! Recuerden esto, Venezuela en la década de los 60 fue plaza importante para los espectáculos de salsa. Todos los grupos musicales famosos venían acá, aquí estaban los dólares, aquí compartimos tarima y no hubo necesidad de salir del país para trabajar.

 

E.S.B: ¿Qué recuerdos tiene de Colombia?


F.B: Con respecto a mi salida internacional a Colombia, fue en el año 1969, en los días de las fiestas en casas de familias, con luz negra y música gringa, que golpearon la sustentabilidad económica de los grupos venezolanos. 

Esa salida sucedió porque me encontré, en Radio Caracas TV, al cantante venezolano de Los Melódicos, famoso en esa época, Víctor Piñero, quien regresaba de una gira en ese país. Víctor me saludó y me dijo: “Oye, Federico estás pegado en Cartagena y Barranquilla con los temas el Cobrador y Federico Boogaloo’”. 

Arreglé maletas y allá fui a parar, con “Rojita”, uno de mis músicos. Conseguí contrato para las célebres fiestas Reina del Mar, en Cartagena, el 11 de noviembre de 1969. Tuve el grato placer de alternar con Alfredo Gutiérrez, en la Caseta Panamericana y ese año me gané el destacado premio “Las Botas del Tuerto López”.

 

PHÍDEAS DANILO ESCALONA ENTREGANDOLE UN GALARDÓN AL PIONERO DE LA SALSA EN VENEZUELA.

 

Repetí mi visita en el año de 1970, en esa ocasión compartí tarima con Michi Sarmiento, hijo del famoso músico, Clímaco Sarmiento. ¡Que verraquera en esas casetas! ¡Se contagia la alegría de los cartageneros y barranquilleros! ¡Como disfrutan la música!

Sin embargo, recuerdo una anécdota ocurrida en la segunda oportunidad que fui a Colombia. Llevé el equipo de sonido: cornetas, consola, micrófonos, parales, planta de poder,…, e instalamos todo en la caseta, la noche anterior. Cuando al día siguiente fuimos a probar sonido, ¡Aló, Aló, Aló…! y no se escuchaba nada. Ajustamos todo, y nada se escuchaba. Se me ocurrió revisar los cajones y ¡sorpresa!, las cornetas no estaban.

Empezó la presión por el comienzo del baile, había que encontrar esas cornetas como fuera. Hicimos la denuncia a la Policía, me pasearon en una patrulla por toda Cartagena, a ver si las encontrábamos y todavía hoy en día, año 2008, me pregunto ¿Y? (ja, ja, ja).

 

 

 


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Willie Rosario - Biografia

Willie Rosario: cuatro décadas de sabor y afinque

El músico Willie Rosario es una de esas figuras del pentagrama de la salsa que han cargado sobre sus hombros la lucha por la permanencia del género, lidiando contra las adversidades que, en muchas ocasiones, impone el mercado artístico.

A sus 74 años de edad, el veterano percusionista aún mantiene viva la más arraigada tradición del quehacer salsero, ostentando una agrupación que por más de cuatro décadas ha cultivado un historial musical colmado de éxitos.

Su propuesta artística, montada sobre el patrón armónico de cuatro trompetas y un saxofón barítono, se consolidó temprano en los años 60, luego de haberse nutrido de múltiples experiencias como líder de orquesta y bajo la sombra de la agrupación de Johnnie Seguí. 

Se formó como guitarrista

Natural del pueblo de Coamo, donde nació el 6 de mayo de 1930, en la calle Ramón Emeterio Betances, Fernando Luis Rosario Marín, su nombre de pila, comenzó sus pasos en la música atraído por el sonido de la percusión.

Recuerda que al salir de la escuela, con siete años de edad, solía entretenerse tocando sobre unas latas de galleta en el balcón de su casa, imitando el sonido de las orquestas de Rafael Muñoz y el Sexteto Puerto Rico.

Su madre, asombrada por la pasión artística del niño, no dudó en enviarlo a estudiar guitarra, tan pronto se anunció en su pueblo la inauguración de la primera escuela de música, en el año 1942. 

 

Para entonces, Willie Rosario tenía 12 años de edad y aprendió a solfear y familiarizarse con el valor de las notas musicales gracias al empeño del profesor Juan Suárez, el único maestro de música que había en el pueblo.

"Las clases tenía que tomarlas fuera del salón porque cuando se creó la escuela yo estoy graduándome de noveno grado y estaba pasado de edad. Sin embargo, Juan Suárez me atendía detrás de la cortina donde estudiaba Bobby Valentín, Willie Rodríguez, Luis Manuel Rodríguez y Carlos Luis Martínez ('Coamito')", comenta.

Recién cumplidos sus 15 años de edad, logró su primera experiencia musical junto a un grupo de amigos de su pueblo que habían formado el Conjunto Coamex y en el que necesitaban un bajista.

"Yo sabía un par de tonos en la guitarra y cuando hacen el grupo no hay quien tocara el bajo, y yo lo hice tocando los acordes de la guitarra", asegura.

Esa experiencia, aunque efímera, fue importante en su formación y determinante para lo que años más tarde desarrollaría en la ciudad de Nueva York.

 

Obrero, militar, artista y periodista

Willie Rosario abandona el país junto a su familia en el año 1947, como consecuencia de la estrechez económica de la época, situándose en la "Gran Manzana" al igual que otros miles de puertorriqueños para quienes la emigración representó una alternativa para mejorar su condición de vida.

A su arribo a Estados Unidos trabajó de obrero en el Departamento de Correos de la Joyería Cartier –ubicada en el privilegiado sector de la Quinta Avenida de Manhattan–; también laboró en la fábrica de gabinetes de oficina Arts Steel Company y fue comisionista de bodegas. Años más tarde, se enlistó en el ejército, justo en el periodo en que se gestó la agresión contra Corea.

Siendo militar, Willie Rosario fue de visita en una ocasión al salón de baile El Palledium y quedó deslumbrado al ver a Tito Puente tocando los timbales de pie.

"Nunca lo había visto (a Tito Puente) y me entusiasmó su estilo, por lo que decidí que quería aprender a tocar percusión y comencé clases con un judío que se llamaba Henry Adler y con un músico famoso de esos años de nombre Willie Rodríguez, hermano de Augusto Rodríguez, el fundador del coro de la Universidad de Puerto Rico", narra.

Tras concluir sus años de soldado, en 1952, regresó a Puerto Rico a visitar a su familia, estadía que se prolongó por un año al ser convidado a formar parte de la orquesta Fiesta, en calidad de baterista, sustituyendo a Mon Rivera.

"Cuando llegué a Coamo había varios muchachos del pueblo que habían hecho un grupo. Estaba 'Coamito', Waldo Seda y Luis Guillermo Ortiz, y con ellos estuve un año y también hice algunas cosas con tríos y conjuntos de poco reconocimiento y sin nombre", dice el músico, quien retornó a Nueva York en 1953 para cumplir unos compromisos con la orquesta Fiesta y decidió no regresar a Puerto Rico.

Ese mismo año conoció a Johnnie Seguí, quien le ofreció trabajo en su orquesta, que para entonces había establecido una pauta en la sonoridad latina, al armonizar su grupo con el sonido de cuatro trompetas antes de que esa fórmula fuera utilizada por Tito Puente y Tito Rodríguez.

"Ahí tuve mi escuela. Aprendí de la disciplina de una orquesta, a ser responsable, honesto, a manejar un grupo y a vestirme bien. Ésa fue la base para formar mi agrupación", sostiene.

Junto a Johnnie Seguí grabó el álbum "Cha cha chá", recordado por los éxitos "El bodeguero", "Duerme" y "Tati", un tema de Rafael Hernández. También hizo varios discos de 78 y 45 rpm, en los que se destacaron las melodías "Malcriada" y "Nicolasa".

En esos años también colaboró con el conjunto de Joe Quijano y el grupo del pianista venezolano Aldemaro Romero, de lo que afirma "fueron experiencias de un tiempo".

Mientras se desempeñaba como músico, Willie Rosario decidió cursar estudios universitarios e ingresó a la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Gannon, en la ciudad de Erie, en Pennsylvania, donde se especializó en periodismo radial. Como reportero obtuvo su primera oportunidad laboral en la estación radial WALO, de Nueva York, donde se inició en un programa de recetas de cocina en compañía del conocido músico Machito Grillo y su hermana Graciela.

Esa experiencia le permitió, además, conocer a los más distinguidos músicos de la época y establecer con solidez su nombre en las listas de las figuras más destacadas del mundo musical latinoestadounidense.

 

Marcando el ritmo

El trabajo musical de Willie Rosario es fiel a la tradición de las orquestas bailables.

Confiesa que Tito Puente le recomendó que siempre procurara que su nombre y su foto encabezaran la carátula de sus discos porque, según recuerda las palabras del "Rey del Timbal", "no es que uno sea egoísta ni mala gente, pero pon sólo tu nombre en la carátula porque tú siempre vas a estar ahí y cuando pones el nombre de un cantante ellos se levantan un poco y se creen que son la orquesta".

A finales de los años cincuenta fungió como timbalero designado en las orquestas de Tito Puente y Tito Rodríguez, de quienes confiesa haber aprendido "cómo hacer esa clase de música, aunque luego nuestra generación elaboró su propio sonido y estilo".

El artista asegura que nunca le interesó destacarse como solista en su propia orquesta, más se concentró en armar un sonido orquestal en la que los músicos lograran un desempeño honroso supeditado al patrón armónico de la pieza.

Uno de los momentos más duros de su carrera musical ocurre cuando lo desplazan de la dirección de la orquesta en el Club Caborrojeño porque, señala, en ese tiempo su mamá estaba muy enferma y necesitaba el trabajo.

La diferencia del tiempo de entrada de Gilberto Santa Rosa y Tony Vega a la orquesta fue de meses, igual que sus respectivas salidas.

 

Los éxitos "Lluvia" y "Botaron la pelota" no fueron considerados para incluirse en una producción discográfica, pero la reacción del público fue tan favorable que se decidió grabarlos.

Con la salida de Gilberto Santa Rosa también se produjo la partida de Jimmie Morales (conga), Tito Echevarría (bongó) y Mario Viera (coro).

Cuenta Willie Rosario que cuando Tony Vega abandonó la orquesta Junior Rosado, que estaba a cargo del sonido, completó la sección de coros cantando detrás de una cortina.

Tony Vega regresó al grupo al poco tiempo de su partida, aunque se trató de una presencia efímera.

La orquesta de Willie Rosario fue nominada a un premio "Grammy", en 1987, por su álbum "Nueva Cosecha", en el que cantan Gilberto Santa Rosa y Tony Vega, compitiendo con Mario Bauzá, Willie Colón y Rubén Blades.

La orquesta se mantiene vigente con la participación de los cantantes Canito Rodríguez ("El Canito de Sabana Seca"), Omar Negrón y David Anastacio.

 

Arquitecto de un sonido diferente

Fue en el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.

En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo.

Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeño, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro años.

"Cuando me dan el contrato en el Caborrojeño me exigieron que había que tener un cantante de mucha fama porque allí estaba Joe Valle que era una de las voces más privilegiadas que había en el ambiente. Yo acepté que fuera así porque lo que quería era tener la oportunidad de estar en el club, que era de los más visitados", asegura el artista, quien durante el periodo que permaneció en el club acompañó a figuras como Vitín Garay, Chivirico Dávila y Yayo El Indio.

Este último, que hasta ese momento figuraba sólo como una atracción especial del local, se integró a la orquesta de Willie Rosario tras la salida de Chivirico por diferencias con el propietario del club.

Fue en el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.

En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo.

 

Willie Rosario acompañado de Silvestre Méndez (izq.) y Nelson Pinedo (der.) en el Teatro Puerto Rico de NY en 1955. (Colección Willie Rosario)

Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeño, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro años.

"Cuando me dan el contrato en el Caborrojeño me exigieron que había que tener un cantante de mucha fama porque allí estaba Joe Valle que era una de las voces más privilegiadas que había en el ambiente. Yo acepté que fuera así porque lo que quería era tener la oportunidad de estar en el club, que era de los más visitados", asegura el artista, quien durante el periodo que permaneció en el club acompañó a figuras como Vitín Garay, Chivirico Dávila y Yayo El Indio.

Este último, que hasta ese momento figuraba sólo como una atracción especial del local, se integró a la orquesta de Willie Rosario tras la salida de Chivirico por diferencias con el propietario del club.

En 1962, Willie Rosario abandonó su participación en el Caborrojeño, alegando haber sido víctima de un "golpe de Estado".

"Al cabo de unos años de estar en el club, Yayo El Indio se empeñó en tener una orquesta y el dueño, como él era famoso, me sacó y me dejó sin trabajo. Ahí me fui a la calle a meterle el pecho de verdad al negocio y hago una (banda) nueva porque todos los músicos que tenía se quedaron en el club, excepto uno, el único honesto y decente: Bobby Valentín", comenta.

De esa manera, Willie Rosario inició una nueva etapa en su carrera armándose de una batería de músicos encabezada por Rudi Martin (piano), Izzy Feliú (bajo), Luis Rodríguez (conga), Bobby Valentín (trompeta), Eddy Snell (trompeta), Tony Cofresí (trompeta) y Frankie Figueroa (voz), y con quienes produce, en 1962, su primer disco, "El bravo soy yo".

Para entonces, el nombre del timbalero era reconocido en las lides musicales, no tan sólo por su rol de líder de orquesta, sino por su participación con el músico Herbie Mann y como miembro de la familia Alegre All Star, con quien participó en los discos "Way Out", "El Manicero" y "Perdido". También figuró en el disco "Salsa máxima", junto a Cesta All Star.

En 1964, produjo el disco "Fabulous and Fantastic", que incluyó, entre otros, los temas "Los generales de la capital", "A Villa Palmeras" y "Nos engañó la vida", interpretados por Frankie Rodrí-guez, seguido por "Latin Jazz Go-Go-Go" (1965), "Haida Huo" (1966) y "Boogaloo and Guaguancó" (1966), en los que se destacó como vocalista Paquito De Jesús, quien sustituyó a Frankie Rodríguez luego que éste se marchara a Puerto Rico para formar parte de la orquesta de César Concepción, para más tarde integrar las bandas de Nacho Rosales y Memo Salamanca, en México.

Innovó con su propuesta armónica

Una de las grandes aportaciones de Willie Rosario a la salsa fue la elaboración de una propuesta armónica novel, que a poco fue sellando su identidad sonora matizada por la combinación de cuatro trompetas y saxofón barítono, un experimento hasta entonces no explorado.

"Traté ser lo más original posible, con un estilo que nos distinguiera, por lo que pensé en añadir un violín, un clarinete y hasta un trombón, pero un día visite un salón de jazz en Nueva York, el Blue Note, y estaba tocando Jerry Moligan, que era un virtuoso del barítono, e hizo unos pasajes del piano, el bajo y el barítono en un tema de bossa nova que cuando lo oí supe que era lo que quería", comenta el veterano percusio-nista.

Desde entonces, la orquesta se distinguió por el uso del saxofón barítono en combinación con la armonía de cuatro trompetas provocando un sonido diferente y profundizando la esencia rítmica del grupo, concepto que se consignó en la producción del álbum "Too Too Much" (1967), en el que, además, reaparece la participación de Frankie Figueroa en la parte vocal, junto a Pete Bonet y Willie Torres.

El trabajo artístico de Willie Rosario prosiguió con la producción "El bravo de siempre" (1968), un trabajo que marcó una huella en la salsa con el éxito "La cuesta de la fama", en voz de Meñique Baltasnegras. Este álbum también incluyó "La esencia del guaguancó", "La realidad" y "Superman", entre otros.

En el año 1970, Willie Rosario reclutó al cantante Chamaco Rivera, quien es recordado por el éxito "De Barrio Obrero a la Quince", incluido en el álbum "De donde nace el ritmo" (1970), seguido por "Más ritmo" (1972), ambos con arreglos de Louis Ramírez y José Luis Cruz.

Estas producciones marcan la frontera para la transición del proyecto musical de Willie Rosario, quien a partir de ese momento optó por continuar su propuesta desde Puerto Rico, dejando atrás el mundo neoyorquino en el que se curtió.

Los años dorados de "Mr. Afinque"

Tras varias décadas vinculado al mundo musical latino de Estados Unidos, el timbalero Willie Rosario optó por radicarse en Puerto Rico, convirtiéndose en una de las figuras salseras más productivas y solicitadas de la década del 70 y 80.

Su opción de mudarse a la Isla, asegura, estuvo motivada por una combinación de factores familiares e intereses comerciales.

"Yo no quería que mis hijos se criaran en Nueva York, no me gustaba ese ambiente para ellos y prefería que crecieran aquí. Además, cada vez que me encontraba con la Sonora Ponceña y El Gran Combo me contaban que mi música se escuchaba mucho en Puerto Rico y que había mucho trabajo, entre fiestas patronales y graduaciones", sostiene.

De esa manera, el músico se instaló en su patria acompañado de su orquesta, y al cabo de unas semanas regresó a la "Gran Manzana" para cumplir con varios compromisos, momento en que su cantante, Chamaco Rivera, le indicó su interés de no regresar a la Isla, siendo reemplazado por Junior Toledo.

"Junior era el cantante nacido para la orquesta y es cuando nos levantamos bien y la cosa se puso fuerte", acota.

El primer trabajo de esta nueva era de la orquesta fue "Infinito" (1973), al que le siguió "Otra vez" (1975), consagrados por los éxitos "Juventud siglo 20" y "Casualidades", respectivamente.

A partir de ese momento, el veterano percusionista destacó en sus producciones discográficas a más de un cantante, incorporando la participación de Bobby Concepción y Guillo Rivera, con quienes produce "Gracias mundo" (1977).

Empero, las siguientes producciones de la orquesta, "From the Depth of my Brain" (1978) y "El rey del ritmo" (1979), no contaron con la participación de Concepción.

Diferencias entre Willie Rosario y Junior Toledo, que el líder de orquesta atribuye a problemas de disciplina, desembocaron en la salida del cantante, quien, dice Rosario, alentó la renuncia del grupo de su contraparte Guillo Rivera para desencajar lo que había sido hasta el momento una fórmula ganadora.

Justo en ese momento se incorporó en el grupo al joven cantante Tony Vega, que hasta entonces había participado en la orquesta de Raphy Leavitt y La Selecta.

"Junior (Toledo) y Guillo (Rivera) se van un jueves del grupo y al otro día estábamos tocando en Canóvanas. Llamé a Tony Vega y también me comuniqué con Bobby Concepción y Chamaco Rivera, que en esos días estaba en Puerto Rico, y así nos estuvimos defendiendo un par de semanas, hasta que le hablé a (Gilberto) Santa Rosa", cuenta el líder de la banda.

El primer álbum al mando de Tony Vega fue "El de a 20 de Willie" (1980), en el que también grabó Bobby Concepción y que logró éxito con el tema "Mi amigo el payaso". Luego, en 1981, la orquesta despuntó con el binomio Tony Vega y Gilberto Santa Rosa, en una periodo de cinco años colmado de fama y que se consignó en las producciones "The Portrait of a Salsa Man", "Atízame el fogón", "The Salsa Machine" –el último en el que participó Bobby Concepción–, "Nuevos Horizontes", "Afincando" y "Nueva cosecha", en el que se une como vocalista Pupy Cantor.

Esa fue la época gloriosa de "Botaron la pelota", "Lluvia", "Busca el ritmo", "Negrita linda" y "El antifaz", entre más de una decena de consabidos éxitos.

A partir de 1987, la salida de Tony Vega y Gilberto Santa Rosa maró un derrotero nuevo para la banda del también conocido "Mr. Afinque", quien mantuvo su proyecto musical con la participación de Pupy Cantor y Josué Rosado, para más adelante integrar a Primi Cruz (responsable del éxito de "Anuncio clasificado"), Bernie Pérez, Henry Santiago, Rico Walker y Ángel Luis Vergara.

Queres escuchar temas de Willie Rosario? visita www.latincoolnow.com/index.php?manufacturers_id=314

Sitio oficial: www.willierosario.com/

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La Sonora Ponceña

La Sonora Ponceña es una orquesta puertoriqueña de música salsa fundada por "Quique" Lucca en 1954. Dirigida por el hijo de "Quique", "Papo" Lucca, es una de las agrupaciones más importantes del género musical.


En 1944 Enrique "Quique" Lucca Caraballo formó una agrupación musical en Ponce, Puerto Rico bautizándola con el nombre de "Orquesta Internacional" que no tuvo el éxito que esperaba. En febrero de 1954 reunió de nuevo al grupo llamándola Sonora Ponceña con un repertorio de temas de Arsenio Rodríguez, la Sonora Matancera y el Conjunto Casino haciendo su primera presentación el 20 de abril de ese año.
En 1968 graban su primer disco de 33 RPM llamado Hacheros Pa’ Un Palo que contaba con los arreglos hechos por el hijo de "Quique", Enrique Arsenio, conocido como "Papo" Lucca. El disco fue un éxito en Nueva York al igual que su segunda grabación, llamada Fuego en el 23, que fue realizada en 1969.
Aconsejado por Louie Ramírez la agrupación inicia una gira por el Caribe interpretando y grabando temas, tales como La Pollera Colorá, del colombiano Wilson Choperena y bombas, merengues, guaguancós y sones. A finales de los años 70 el grupo graba un disco con Celia Cruz titulado La Ceiba.
En 1980, Papo graba el disco New Heights que presentó como novedad la ilustración de la carátula. Además, con ese disco, comenzaron a titular los álbumes en inglés y a incluis temas de latin jazz, lo que reforzó el carácter internacional de la orquesta.
En el 2004 lanzaron el disco "Back to the Road" bajo el Sello Pianissimo de propiedad del mismo Papo Lucca. El 16 de marzo de ese mismo año les fue dedicado el vigésimo tercer "Día Nacional de la Salsa", el más importante acontecimiento salsero en Puerto Rico, realizado en la ciudad de Carolina.
Posteriormente recibieron el reconocimiento del Alcalde de la ciudad de Ponce, Rafael Cordero, quien nombró una de las calles de la ciudad como Enrique Lucca Caraballo, en honor a "Quique" Lucca.
En una votación unánime, la Junta de Directores del Día Nacional de la Parada Puertorriqueña en Nueva York, designó a la orquesta, en su 50 Aniversario, como la Orquesta Invitada de Honor en el Noveno Desfile Anual celebrado el 13 de junio de 2004.
El 4 de septiembre del 2004 fueron parte de la inauguración del Coliseo José Miguel Agrelot junto al Apolo Sound de Roberto Roena y a Richie Ray y Bobby Cruz.


Tantos y tantos éxitos han logrado con su música en y fuera de Puerto Rico. Por la Sonora han pasado grandes cantantes como Tito Gomez, Luigi Texidor, Miguel Ortiz, Yolanda Rivera, Toñito Ledee entre otros. Exitos que recordamos co Hacheros Pa Un Palo, Fuego en 23, Nosotros, Paño de Lagrimas, Jubielo 20, Boranda y muchos, muchos mas. 

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Carlos Enrique Estremera Colón "El Cano" Estremera "El dueño del soneo"

 

En el ambiente de los exponentes de folclor afro- antillano o afro- caribeño, la isla de Puerto Rico es la cuna de grandes músicos, arreglistas, compositores y cantantes, y Santurce es, con sobrados méritos, una de las ciudades boricuas que ha contribuido con una mayor cantidad de ellos a la máxima expresión del barrio Latino: La Salsa. Este pueblo vió nacer, entre otros, a gigantes como Tito Rodríguez, Daniel Santos, Ismael RiveraRafael Cortijo, Pellin Rodríguez, Andy Montañez y Chivirico Dávila. Justamente del barrio obrero de Santurce, Puerto Rico es oriundo nuestro Salsero del mes de Noviembre, el conocido Dueño del Soneo Carlos “el Cano” Estremera.

Este albino, hijo de don Aquilino Estremera y doña Juanita Colón, cumplió sus cuarenta y ocho años el pasado dos de septiembre. Su obra musical le hace merecedor de un sitial de honor entre los exponentes de la llamada “Salsa dura” en Puerto Rico, su país de origen, Colombia, desde donde hacemos esta contribución, Latinoamérica, la Gran Patria de la Salsa, y el mundo, el gran beneficiado, gracias a su talento. Cano Estremerahace parte de los héroes musicales del pueblo, al estilo de Marvin Santiago, Héctor Lavoe, Daniel Santos, Ismael Rivera y muchos otros que sería largísimo de citar pero que no olvidamos.

Carlos “el Cano” Estremera inicia su carrera musical como percusionista y luego se dedica al canto; su gran oportunidad se le presentó en 1.976 con la Orquesta La Mulenze, la cual grababa para el sello Fania. Dos años más tarde se vincula a la Orquesta de Bobby Valentín, con quien graba siete discos de larga duración, dos de ellos como solista. Perteneció a la banda por espacio de siete años, realizando a lo largo de este período números exitosos como “Por qué me citas”, “Buen Corazón”, “Manuel García”, “El muñeco de la ciudad”, “Tu rica boca” y “La boda de ella”.

En 1.985, en esa época se le conocía  como “El Niño de Oro, conformó su propia agrupación. En 1.986 obtuvo el premio como cantante de Salsa del año y en 1.988 comenzó a producir sus propios discos, por lo que tuvo la posibilidad de publicar un álbum titulado “Dueño del Soneo”, que le amerita ser reconocido como uno de los grandes soneros de Puerto Rico. En 1990 marcó un record en improvisación de soneos en clave, llegando a interpretar 130, lo que le permitió ganarse el título, por demás lógico, de “Dueño del soneo”, como si él mismo hubiese elegido su apelativo.

Carlos “El Cano” Estremera es un cantante del pueblo y para el pueblo. Su estilo personal lo ha hecho contradictorio, pues lo defiende y no se interesa por la parte comercial de la llamada “salsa monga” de empresarios y periodistas de payola. Siempre ha defendido su propia manera de cantar, y está continuamente estudiando y aprendiendo de todos los exponentes de la salsa clásica. Considera, con una humildad admirable en alguien tan talentoso, que su estilo está hecho con un poco de todos ellos.

En 1.998 realizó una grabación con Bobby Valentín titulada “Encuentro Histórico: Bobby Valentín & Cano Estremera” en el que incluye nuevas versiones de temas de su repertorio con el gran bajista Boricua. En 1.999 publicó su álbum “Diferente” y en 2.002 realizó una grabación en homenaje a “El Sonero Mayor”, Ismael Rivera, titulado “Opera Ecuajey, Volumen Uno” para Combo Records, interpretando algunas de las canciones del Sonero Mayor.

En esta oportunidad en Latina Stereo 100.9 FM en Medellín y www.latinastereo.com en Internet queremos hacer un pequeño reconocimiento al gran sonero Puertorriqueño, Carlos Enrique Estremera Colón, “El Cano Estremera”, como homenaje a su aporte y fidelidad musical a la Salsa Tradicional, máxima expresión del Barrio Latino.


Historia de la Fania / Capitulo 3

Fania

 

La presentación de la Fania en Cuba (de hecho, la primera de dos presentaciones, como ya veremos), estuvo marcada por la controversia. Para variar, por razones políticas. Una vez Castro impone su régimen en 1959 y cierra todo posible vínculo comercial con los Estados Unidos al declarar a Cuba tierra comunista, su gobierno controla cada aspecto de la vida cubana, toda vez que ahora todo aquello que no era del agrado de Castro ahora era declarado anti-revolucionario y condenable bajo la nueva ley. Para no alargar mucho el relato, digamos que de la misma manera que el movimiento filin de finales de los 50's era ahora boicoteado y prohibido por ser considerado por el régimen como "americano" (y/o, por lo tanto, pro-americano y anti-revolucionario), la salsa también cae bajo ese mismo pretexto, con la agravante de que muchos músicos en Cuba (y muchos en el exilio, así como varios "musicólogos," músicos de la ahora llamada vieja guardia como Tito Puente y uno que otro buscón actual montado en el barco de la fama del Buena Vista Social Club) acusaban al movimiento salsero de ser solo música cubana con nueva etiqueta, por lo tanto un caso de "plagio" o "robo de identidad" (lo cual no es cierto, y probablemente ya lo hayan oído decir de mí en alguna otra ocasión). Así que, como resultado de todo esto, una vez se hace la presentación de la Fania All-Stars y Sal Cuevas comienza la introducción en el bajo del tema de apertura, "Descarga En Cuba," y el coro comienza a pregonar el estribillo principal ("salsa y maña, con Las Estrellas de Fania"), algunos miembros de la audiencia abandonan la sala, desencantados al ver que la Fania All-Stars no era una banda de rock o de jazz, como el resto de la delegación de CBS. Claro, no todo el mundo abandonó la sala. Los músicos entre la audiencia, los que de alguna forma estaban envueltos en la producción del evento y aquellos que de verdad fueron a ver un intercambio cultural entre Cuba y Estados Unidos, lo que se suponía fuera el propósito de este evento, permanecieron allí hasta el final. De hecho, la Fania fue invitada nuevamente, en 1981, a participar en el festival de Varadero '81 (un dato que muchos desconocen), señal de que el repertorio y el sonido que presentó la Fania en Cuba gustó y dejó huella. Por lo menos a aquellos que fueron allí a disfrutar de la música sin miedo al siempre temido látigo oficial...

La presentación en Cuba fue grabada y publicada en el disco "Havana Jam." (El número que interpretó Rubén Blades esa noche, "Juan Pachanga," no se publica en este disco, sino en la banda sonora oficial que CBS publica ese mismo año, un disco doble también titulado "Havana Jam.") El tema que vendió el disco fue la exquisita versión de El Conde del tema "Meneame La Cuna," con un sabroso solo de tres de Nelson Gonzalez. Otros temas que se destacan aquí lo son "Tres Lindas Cubanas," otro standard cubano con excelentes solos de Pacheco y los dos cubanos en el elenco (Vilato y Legarreta), el sabroso "Llevale" de Adalberto (imagínense: bomba puertorriqueña en la casa del son...) y una versión de casi 10 minutos del clásico de Luigi "Naci Moreno," con solos de Lucca, Vazquez y Lopes. (Nota: aunque Luigi se mantiene activo con la orquesta hasta 1982, esta es su única grabación oficial con la Fania All-Stars.)

En 1980, el elenco regular de la Fania All-Stars se reúne para grabar su primer disco completo de salsa (de estudio) desde 1976: "Commitment," con el gran Luis Garcíaahora uniéndose al elenco como arreglista principal. [García fue co-director de la orquesta boricua Latin Tempo en los 70's. Adquiere fama definitiva cuando Cheo Feliciano lo recluta como arreglista principal para sus grabaciones en Puerto Rico. Además de excelente arreglista, domina el tres cubano, el cuatro puertorriqueño, la guitarra y el trombón, entre otros instrumentos.] Los cambios eran evidentes aquí: la orquesta aumentaba en tamaño para efectos de estudio con una sección de cuerdas que acompaña al elenco en el grueso del álbum, mientras que los arreglos, siguiendo la pauta de los temas en salsa que se grabaron con Columbia, eran mucho más sofisticados. De hecho, cabe señalar que ante la notoria ausencia de líderes de orquesta en esta nueva edición de la Fania All-Stars (con excepción obvia de Pacheco y Roena y, en un grado no necesariamente menor, de Papo Lucca como director musical de la Ponceña), el peso del show recaería ahora casi exclusivamente sobre los cantantes, mientras que la orquesta, en la mayoría de los temas, se ocuparía ahora de meramente acompañar al cantante de turno. Los músicos que participan en esta grabación son básicamente los mismos que viajaban regularmente con la orquesta regular: Pacheco, Lucca, Roena, Marrero (regresando ahora de manera permanente al elenco), Legarreta, Cuevas, Montalvo, Toro y la sección de vientos compuesta por Jorge, Kahn y ahora Leopoldo Pineda en trombones, y Torres, Zarzuela y Boulong en trompetas. [Pineda, virtuoso veterano de ascendencia Dominicana, era miembro en ese entonces de la orquesta de Willie Colon, habiendo grabado anteriormente con figuras como Machito y Larry Harlow, además de ser miembro fundador de Tipica'73.] Ray Maldonado también se une, en lo que sería su última grabación de estudio con la orquesta, aunque se uniría a ella frecuentemente para las giras. [Ray Maldonado fallece al año siguiente, 1981, víctima de una sobredosis suicida motivada por una crisis personal.] Gale y Perico, este último ahora grabando para su propio sello, serían los invitados oficiales. Los cantantes que participaron en este disco lo fueron Celia, Blades, El Conde, Lavoe, Quintana, Feliciano, Santitos y Adalberto, con Nestor Sánchez y un joven Tito Nieves en los coros. El primer sencillo en promocionarse lo fue "La Palabra Adiós," una de las mejores composiciones de Curet Alonso e interpretada por Rubén Blades. Otras piezas a destacarse de este excelentísimo disco lo son el extenso tema de entrada "Encantigo" (dúo entre Celia y El Conde escrito por el famoso trovador boricua Roy Brown, en impresionante arreglo de García y destacándose Yomo en el cuatro), "Piano Man" (tema escrito especialmente para el destaque de Papo en el piano, con Quintana en la parte vocal y Maldonado en el solo de trompeta), el tema "Dinamita" de Adalberto (destacándose su arreglista Ramírez en el vibráfono), un exquisito arreglo de "Dime" (versión en español de "Feelings" de Morris Albert cantada por Santos Colon y destacándose el invitado Gale en la guitarra y Juancito Torres en el flugelhorn) y el tema de cierre "Ublabadu," otrora clásico del repertorio de Machito ahora en un moderno arreglo para Hector Lavoe con buenos solos de Montalvo, Pacheco y Legarreta.

Otro excelentísimo disco de la Fania All-Stars editado ese mismo año y que no debe faltar en la discoteca de ningún coleccionista lo es "California Jam." Como ya adelantáramos, aquí se publican los cinco números de descarga que los originales Fania Six (Pacheco, Barretto, Valentin, Marrero, Roena y Lucca) grabaran durante las sesiones de su disco de 1976 "Delicate And Jumpy." De esta grabación surgen dos hits: "Vente Conmigo," impresionante híbrido de samba y mozambique que causó sensación en Europa (aquí Papo Lucca se luce con uno de sus mejores solos de todos los tiempos), y el sencillo principal "6 Con El Mismo Sabor," donde los seis músicos se retan entre sí haciendo alarde de su virtuosismo. Contrario a la frialdad palpable en las sesiones del disco original del '76, aquí los seis de Fania se gozan la sesión, tocando de manera libre y espontánea, traduciéndose esto en música que, 20 años más tarde, sigue sonando fresca y de calidad. Lamentablemente, este disco sale en plena agonía del boom salsero de los 70's, por lo que este disco ha pasado inadvertido por la mayoría del público latino de este lado del globo.

En 1981, al igual que el año anterior, la Fania All-Stars publica dos discos: "Social Change," una reunión jazzística con Jay Chattaway, y "Latin Connection," el próximo disco de salsa de la orquesta. (Aparte de la desaparición física de Maldonado, el único otro cambio en el elenco lo es la inclusión de Tony Barrero como primera trompeta, reemplazando a Puchi Boulong.) "Social Change" era un retorno a la línea del jazz comercial que ya fuera explorada con éxito en "Rhythm Machine," ahora con la participación de todo el elenco de músicos de la Fania, en vez de solo la sección rítmica. [Como dato curioso, aunque la actual sección rítmica de Fania en ese entonces -Pacheco, Papo, Roena, Nicky, Sal Cuevas y Eddie Montalvo- se destacaba en los créditos como protagonista, ninguno de ellos se destaca de manera definitiva (entiéndase por esto haciendo solos extensos y/o principales) en esta grabación. De hecho, Papo y Sal son los únicos que participan en todas las seis canciones que componen el álbum. De los integrantes de Fania que trabajan en este disco, el único que se destaca de manera significativa lo es Juancito Torres, quien no solo contribuye dos solos de trompeta, sino que es el solista principal en el tema "Sausalito."] Los invitados para esta sesión lo fueron el icono del saxofón tenor Gato Barbieri (quien se luce especialmente en la nueva versión del clásico de Santana "Samba Pa Ti," el sencillo que vendió el álbum al punto que Barbieri incorpora dicho número a su repertorio personal), Eric Gale de nuevo y el grupo vocal de reggaeSteel Pulse. "Latin Connection," disco donde se sigue más o menos la misma tónica que se utilizó en "Commitment," es mayormente recordado por ser la penúltima grabación de Ismael Rivera antes de su muerte (su verdadera última grabación que completa lo fue su participación en un tema del grupo Zaperoko: "Congo Carabali," un disco harto difícil de conseguir hoy en día).

Willie Colon, ahora en su faceta de cantante, regresa a la alineación en este disco, contribuyendo su propio tema "Voy A Vivir Para Siempre" (destacándose Pacheco en la flauta y Nicky en la batería y timbales). Lo mismo hace Ismael Miranda, quien interpreta el tema "El Caminante," composición de José Nogueras con Lucca y Torres como solistas. El sencillo seleccionado para promover el disco lo fue el tema interpretado por Maelo, el standard "Bilongo," destacándose Roena en el bongó y el propio Rivera demostrando, tal y como lo hizo en 1978 con el solo de tres de Mario Hernández en "Las Caras Lindas," su impresionante habilidad para "leer" los solos de los músicos e improvisar sobre sus líneas con el sabor y maña que lo caracterizaban. Se destacan también en este álbum el maravilloso arreglo que hiciera Francisco Zumaque para el tema de entrada "Semilla De Amor" de Lavoe (el cual Hector le dedica a su hijo Hector Jr., quien años mas tarde fallece accidentalmente en 1987), el tema de cierre "Rosa En El Fango" (composición de Curet con Yomo en el cuatro y El Conde demostrando de nuevo su virtuosismo como sonero) y una nueva y poderosa versión de "Nina," composición de Justi Barreto que Cheo grabara anteriormente con Joe Cuba en los 60's, ahora en nuevo arreglo de Luis García con Louie Ramírez en el vibráfono y Cuevas, Marrero y Montalvo creando un explosivo ataque rítmico en apoyo a la voz de Cheo. Los coristas que participaron en las sesiones de este disco, cuyos créditos fueron omitidos en la carátula del mismo, lo fueron Santiago, Miranda, Nestor Sánchez, Tito Nieves, Ray De La Paz, Cheo Quiñones y Mario Cora.

Cabe señalar, a manera de paréntesis, que la lista de músicos que trabajó en "Commitment" y "Latin Connection" sería utilizada de igual manera en grabaciones para artistas como Ismael Miranda y Luigi Texidor, aunque sus créditos serían estratégicamente omitidos. Si usted es de los que al escuchar el magistral arreglo que Tito Valentin hiciera para Luigi en el tema "El Llanto De Las Flores" jura que esta canción se grabó en un disco de la Fania All-Stars y no en el disco de Luigi "El Caballero" de 1981, ahora sabe por qué. Lo mismo puede decirse de la totalidad del disco "La Clave Del Sabor" que Miranda graba en el año '81.

Ese mismo año, como ya adelantáramos, la Fania viaja de nuevo a Cuba, esta vez para presentarse en el festival de Varadero. No obstante, para esta presentación su intervención se vio reducida a solo dos temas. El elenco que hizo este segundo viaje lo conformaron Pacheco, Roena, Lucca, Marrero, Montalvo, García (en lo que posiblemente es su única presentación en tarima con la orquesta, ejecutando el tres cubano), Torres, Barrero, Pineda, Jorge, Zarzuela, los cantantes Quintana, Santitos, Adalberto y El Conde y, en sustitución de Cuevas el virtuoso bajista boricua José Gazmey. [Gazmey, uno de los músicos de estudio mejor cotizados en Puerto Rico, eventualmente se queda como miembro regular de la orquesta ante la salida de Cuevas. Cuevas se ve en aprietos con los ejecutivos y dueños de clubes a mediados de los 80's cuando intenta organizar a los músicos de Nueva York en un sindicato, movida que casi literalmente le cerró las puertas. Actualmente, Cuevas reside en Miami, donde comenzó de nuevo su carrera como músico de estudio, apareciendo en grabaciones de artistas como Arturo Sandoval, Richie Ray, Jennifer López y otros. Gazmey, por su parte, actualmente es el encargado de A&R para Sony Discos.]

[Masucci, capitalizando en el éxito de Willie y Rubén, entonces sus vendedores más sólidos, decide intentar una nueva y última aventura: realizar una película con ambos (no musical en esta ocasión) e intentar colarse en Hollywood. Nace entonces en 1982 el proyecto "The Last Fight." A pesar de las buenas intenciones y las buenas caracterizaciones (relativamente hablando), la película carecía de un guión coherente, lo cual le restó posibilidades desde el principio. A raíz del fracaso de esta película, Fania Records entra en un período de crisis financiera del que no logran recuperarse, agravándose la situación cuando a mediados de la década muchos de sus artistas principales, entre ellos los propios Willie y Rubén, deciden no renovar sus contratos y probar suerte en otros sellos disqueros. A raíz de esta película, igualmente, Willie y Rubén se envuelven en el mundo del cine y la actuación, con Rubén llevando por mucho la mejor parte. Rubén aún se mantiene activo en su faceta como actor.]

Con la excepción de la "banda sonora" que publican en 1982 para la película "The Last Fight," la cual no describiremos ya que no hay mucho que valga la pena mencionar (nota: Fania publicó ese año dos bandas sonoras para dicha película: la ya mencionada, cuya carátula era blanca, y la oficial de Willie y Rubén, de carátula negra y donde se incluyó el éxito "Yo Puedo Vivir Del Amor"), la Fania All-Stars no graba hasta 1984. Ese año, graban un disco de solo cinco canciones de largo bajo el título de "Lo Que Pide La Gente," el cual, al contrario de todas las demás producciones de la orquesta, fue producido por el propio Pacheco y no Jerry Masucci. Para este disco, Pacheco hace que la banda regrese a sus raíces, grabando dos potentes debates de soneros en los temas "Por Eso Canto Salsa" y "Usando El Coco," así como el tema que tituló el disco, donde se destacan Montalvo en un magistral solo de congas, Pacheco, Papo Lucca y la sección de vientos que componían ahora de manera regular Zarzuela, Torres, Jorge, Pineda, Kahn y Barrero. El sencillo que vendió el álbum, y de paso uno de los éxitos más significativos en la historia de la orquesta, lo fue "El Rey De La Puntualidad," numero escrito especialmente por Pacheco para Hector Lavoe, quien no necesariamente era famoso por llegar temprano a los bailes... Milton Cardona, uno de los congueros y tamboreros batá más respetados de NY (así como uno de los más respetados babalawo o sacerdotes Santeros), comparte labores con Montalvo en este disco. Finalmente, el novel Cali Aleman, colaborador frecuente de Pacheco y para ese entonces miembro de la banda de Ray Barretto, se suma al elenco de soneros, que ahora conformaban Celia, Quintana y los cuatro originales: Lavoe, Miranda, El Conde y Adalberto. [Aleman también pasa por las orquestas de Eddie Palmieri y la Sonora Matancera antes de probar suerte como solista y mudarse a la costa oeste. Curiosamente, hoy en día Aleman se mantiene activo, pero no en la salsa, sino en el pop latino, donde sobrevive a duras penas en el mercado free-style con un grupo que se hace llamar los Original Latin All-Stars. Este es el mismo equipo de trabajo que acompañó a Tito Nieves cuando este logró colar en el Top 40 americano su versión del "I Like It Like That" que popularizara el pianista Pete Rodríguez en la era del boogaloo.]

Antes de proseguir con el próximo disco, es preciso señalar que, tal y como adelantáramos durante la mención de "The Last Fight," ya para este entonces muchos de los artistas principales de Fania abandonan el sello, no solo ante la precaria situación financiera del sello, sino también en algunos casos molestos por problemas de regalías. De los artistas que  se van, muchos de ellos consiguen ofertas de mayor remuneración en otros sellos, otros deciden montarse de manera independiente y otros simplemente optan por retirarse:

·     Cheo Feliciano, siguiendo el ejemplo de Bobby, funda en 1984 su propia compañía de discos en Puerto Rico, en sociedad con su esposa Socorro (Cocó) : Coche Records. Años más tarde, cuando problemas económicos lo obligan a cerrar operaciones, Cheo se convierte en uno de los primeros artistas que Ralph Mercado firma para su nuevo sello disquero, RMM.

·    Rubén Blades, posiblemente junto con Harlow el más extrovertido de todos los que, en ese entonces, se quejaban de sus pagos de regalías, firma con Elektra, una división de la multinacional Warner Records, tan pronto salda sus obligaciones contractuales con Fania en 1984. De ahí pasa a Sony Discos en 1991.

·     Willie Colon hace lo mismo, pero firma con RCA Records y, luego, Sonotone. Su única grabación con RCA, "Criollo" de 1984, es boicoteada a causa del el tema "El General," una canción parodia donde Willie se mofa del notorio general chileno Augusto Pinochet. A partir de entonces, a Willie le esperan tiempos difíciles en la música. En 1989, Willie licencia su álbum "Top Secret" a Fania Records (este es el disco que contiene su mega hit "El Gran Varón"). Dos años antes, produce la última sesión como solista de Lavoe (con el apoyo de su propia banda) para el sello, así como colabora con Celia Cruz en el disco "The Winners," el cual fuera nominado a un Grammy. De ahí pasa a la disquera Sony Discos en 1990.

·    Larry Harlow firma con el remanente del sello Coco de su amigo Harvey Averne, mientras sus últimos discos para Fania ("Nuestro Sentimiento Latino" con Júnior Gonzalez, de 1981,  y "Yo Soy Latino" de 1982) pasaban ahora sin pena ni gloria, a pesar de contar con excelentes arreglos musicales.

·    Louie Ramírez opta por el freelancing luego de una agria disputa verbal con Masucci, eventualmente firmando un contrato multi-anual con Caiman Records. Para ese entonces, Ramírez ya había desatado la euforia de la llamada "salsa romántica" con su producción "Noche Caliente" para el sello K-Tel, éxito que repite en su primera grabación para Caiman junto a Ray De La Paz: "Con Caché."

·   Betancourt también abandona el sello, pero optando por un breve semi-retiro.

·    Quintana, luego de saldar su contrato con Fania, también opta por el semi-retiro, apareciendo solo en ocasiones esporádicas cuando su antiguo jefe Eddie Palmieri o el propio Pacheco solicitaran sus servicios (siendo los subsecuentes conciertos que realiza la Fania parte de esos eventos especiales).

·    Roena, finalmente, también abandona el sello, firmando un contrato multi-anual con Musical Productions (MP), compañía para la cual aún graba hoy en día.

·   El propio Masucci también opta por un semi-retiro (aunque nunca renuncia como presidente de Fania), dejando a Víctor Gallo a cargo de la compañía, aunque seguiría produciendo todos los siguientes discos de la Fania All-Stars y mantendría la última palabra en las decisiones de la compañía.

En 1986, año en que la Fania All-Stars celebra sus 20 años de existencia como grupo, Fania lanza tres discos: un nuevo álbum titulado "Viva La Charanga," y dos grabaciones hasta entonces inéditas de dos conciertos: "Live In Africa" (la banda sonora de un especial de televisión filmado por Leon Gast durante la presentación de la Fania de 1974 en Zaire) y "Live In Japan," un recuento de su exitoso concierto de 1976 en Japón que, lamentablemente, fue pobremente ecualizado y viciosamente editado en tiempo (¿pueden creer ustedes una versión en vivo de solo 2:50 de duración de "Ponte Duro?"). A partir de "Viva La Charanga," Masucci comienza a utilizar su orquesta estelar para lo que podría llamarse "álbumes de concepto." El concepto para este disco, aunque no se dice explícitamente, era un homenaje a la tradición charanguera y, en especial, a la Orquesta Aragón y al legendario flautista cubano José Fajardo, este ultimo bajo contrato en ese entonces con Fania e invitado a formar parte del proyecto. Para este disco, la sección de vientos es temporeramente reducida a un cuarteto (Barrero, Zarzuela, Jorge y Pineda), mientras Lewis Kahn se destacaba ahora como solista en el violín. Las charangas, por regla general, no tienen bongoseros, por lo que  la ausencia de Roena, para este entonces ya fuera de todo vínculo contractual con Fania, no dolería en lo absoluto. Ray Barretto y Bobby Valentin ahora regresan a la alineación para este disco (aún cuando Valentin ya no pertenecía al sello), mientras Masucci ahora invitaba al experimentado timbalero Jimmy Delgado para sustituir a un ausente Nicky Marrero. [Jimmy, joven veterano de la escena neoyorquina y quien una vez fuera precisamente alumno de Nicky en la escuela de música de Johnny Colon (ahora Boy Harbor's), era para ese entonces miembro de la orquesta de Barretto. Su larga lista de créditos incluye grabaciones y/o presentaciones con Willie Colon, Conjunto Clásico, Luis "Perico" Ortiz y, en años más recientes, Tito Puente, Harry Belafonte y el propio Johnny Pacheco. Actualmente, aparte de prestar sus servicios como artista freelancing y, siguiendo el ejemplo de su mentor Nicky Marrero, convertirse en profesor de música, Jimmy dirige su propia orquesta: Master Timbaleros, un innovador concepto donde reúne a cuatro timbaleros en tarima: Endel Dueño, él mismo y sus dos predecesores en la silla de Fania: Vilato y Marrero, con el igualmente legendario Mike Collazo participando del concepto en numerosas ocasiones.] Eddie Drennon, supremo violinista y el genio detrás de la legendaria Orq. Novel de Willie Ellis (una de las primeras charangas que surgen en Nueva York y una de las de mayor tiempo en el ambiente junto con la también legendaria Orquesta Broadway), se hace cargo de la sección de cuerdas. En el coro, Pacheco se une a dos leyendas vivientes de la tradición charanguera en Nueva York: el eterno cantante de la Broadway Felo Barrio (colaborador frecuente de la Tipica'73 en sus últimos años) y su compañero de orquesta Roberto Rodríguez, el mismísimo ex-trompetista de Barretto y pionero de la Fania del Cheetah (quien se unió a la Broadway en 1977 luego de la disolución de Los Kimbos). Junto a Pacheco y Fajardo graba una tercera flautista, Karen Black, y Ricardo Whittington era el otro violín solista junto con Kahn. Los cantantes del disco lo fueron Celia, Lavoe, Miranda, El Conde y Aleman. De nuevo, un tema cantado por Lavoe se escoge como el primer sencillo en promoción: "Isla Del Encanto," hermosa melodía hecha famosa originalmente por la Broadway en los 70's. Lavoe, de hecho, canta dos temas en este disco, siendo el otro "Me Voy Pa' Morón" (evidentemente, con Cheo, Willie y Rubén ahora fuera de la nómina, Lavoe pasaba a ser el hombre franquicia tanto para la orquesta como para el propio sello Fania). Fajardo se destaca en "Isla Del Encanto" y "Los Tamalitos De Olga," éste último tema de su propio repertorio. También se destacan en este disco "Guajira Con Tumbao," el tema donde de destaca Pacheco y todos los cantantes excepto Celia; y el número cantado por Celia, "Hueso Y Pellejo," con un excitante, aunque breve, duelo percusivo entre Barretto y el timbalero Delgado.

El próximo disco lo fue "Bamboleo," de 1988 y otro álbum de concepto donde el libreto concebido por Masucci era re-hacer en formato de salsa algunas de las canciones más conocidas del entonces muy popular grupo Gipsy Kings. Para este entonces ya Miranda extinguía su contrato con Fania, mientras Aleman ahora buscaba ambiente en California, por lo que la nómina de soneros bajaba peligrosamente a solo tres miembros: Celia, Lavoe y El Conde. Masucci invita a Willie Colon a formar parte de este disco. Su tema, "Quiero Saber," fue uno de los dos sencillos que se promueven de este disco, siendo el otro el tema que titula el disco, cantado por Celia y destacando al novel Francisco Navarro en la guitarra. Navarro, virtuoso de la guitarra clásica que se destacaba como el solista principal en este disco, pasaría ahora a ser habitual en todas las posteriores grabaciones de estudio de la Fania All-Stars, aunque nunca llega a tocar en concierto con ellos. A pesar de que para este disco se vuelve a reunir a los originales Fania Six (Roena y Marrero regresaban al elenco, con Delgado todavía participando en dos números del disco como timbalero mientras Marrero fungía como baterista), la fila de coristas se expande a cinco integrantes (Pacheco, Felo y Roberto ahora alternan con Adalberto y el legendario Yayo El Indio) y la sección de vientos se convierte en septeto (Kahn vuelve al trombón, con Boulong ahora reemplazando a Torres y el virtuoso Piro Rodríguezsumándose al elenco como la cuarta trompeta), a este disco le faltó el fuego y la espontaneidad de pasadas grabaciones. Y he aquí la explicación: para este entonces, el fenómeno de la llamada "salsa erótica" era lo que imperaba en las ondas radiales. Esta era la época donde si no se hablaba de moteles, sábanas mojadas o de meramente "hacer el amor" de mil y una formas, no había cabida en la radio. La mayoría de los artistas de Fania (especialmente Pacheco y Lucca como cabeza de la Sonora Ponceña de su padre Don Quique), así como otros artistas que ya tenían nombre establecido antes del fenómeno, se negaron a subir al trencito erótico y su posterior trabajo musical, por lo tanto, fue consistentemente ignorado por los programadores de radio. [El único sencillo de Fania en entrar sin problemas a las ondas radiales en este periodo lo fue "El Gran Varon" (del "Top Secrets" de Willie), el cual no era ni siquiera erótico, sino una crítica social al machismo y el SIDA (AIDS) en la parábola de un transformista llamado Simón. Irónicamente, este no era el tema designado como sencillo a promoverse de dicho álbum. Ese turno le pertenecía al tema "Primera Noche De Amor," el cual sí estaba en la onda erótica.] Además, como parte del nuevo formato impuesto de la noche a la mañana, ahora los cantantes acaparaban la fama y los solos de instrumentos y las descargas largas (o, por lo que es lo mismo, cualquier canción que no se limitara a 4 minutos de duración o en su máximo 5) eran cosa prehistórica y sin cabida en la radio. Por lo tanto, los músicos aquí fueron forzados a una inusual rigidez en su ejecución con miras a hacer del disco uno "comercial." Esta grabación, sin embargo, se reviste de un carácter especial con el paso de los años por el hecho de que aquí se incluye la última canción que grabara en vida Hector Lavoe: "Siento." De igual forma, esta también resulta ser una de las últimas grabaciones que realiza Roberto Rodríguez, quien fallece mas tarde ese mismo año (1988).

Un año después, los Fania Six se reúnen de nuevo para grabar un álbum de Latin jazz, "Guasasa." Sin embargo, a pesar de ser un buen álbum, no pudo duplicar la espontaneidad y fuerza del "California Jam." A pesar de este comentario, hay buenos solos de Papo Lucca y Bobby Valentin que hacen de este disco una excelente alternativa para su colección de Fania. [En una breve nota en paréntesis para los amantes de la percusión, este es el disco donde Nicky comienza a modificar su estilo de manera radical al afinar el tambor mayor (o "hembra") de sus timbales en un tono considerablemente más alto, convirtiéndose esto en su sello personal, al igual que el uso del redoblante (snare drum), bombo (bass drum) y múltiples platillos en su set.]

Aún cuando el personal de grabación y el róster de artistas en el catálogo de Fania se redujo considerablemente en la década de los 80's, Masucci pudo reclutar a buena parte de sus músicos originales para las presentaciones en vivo de la Fania All-Stars. Tuve el placer de asistir a mi primer concierto de la Fania en 1986, ocasión en que estos se presentan en el Coliseo Roberto Clemente (en ese entonces yo contaba con 16 años de edad). Y entre los muchos momentos memorables que tuvo dicho concierto, algo que no puedo olvidar es la presentación que hizo esa noche Hector Lavoe. Su comportamiento en tarima fue, por decirlo en una sola palabra, irregular. Cuando Anibal Vazquez lo anuncia al momento de interpretar su éxito "Mi Gente," la audiencia lo aplaudió hasta el delirio. La voz de Lavoe estaba en excelentes condiciones, pero en esta ocasión Lavoe se extralimita en el uso de frases impublicables y todo tipo de palabras que no puedo repetir en este artículo... y el público lo aplaudía aún más con cada "palabrota" que salía de sus cuerdas vocales. Este breve relato sobre mi primera experiencia en un concierto de Fania que uso como paréntesis aquí no es sino una introducción para esta sección donde detallaremos los sucesos que rodean los últimos años de vida de Lavoe, quien, como ya era a todas luces evidente tras su participación esa noche, ya no era el mismo.

 Víctima de una serie de fatalidades en su vida personal (incluyendo el brutal asesinato de su suegra, la muerte accidental de su hijo mayor y luego su propia diagnosis como paciente HIV positivo), su ya pública adicción a la heroína alcanzaba niveles peligrosos. De hecho, la enfermedad de Hector ya había progresado considerablemente cuando grabó "Siento" para el álbum "Bamboleo," hecho que se puede evidenciar al oír su desempeño vocal en ese tema.

En 1988, intenta suicidarse al lanzarse desde un apartamento en el 9no piso del Hotel Regency en San Juan, luego de que un baile que tenía pautado la noche antes y donde alternaba con el Tumbao de Pacheco y Willie Colon, entre otros artistas de Fania fuera cancelado por la pobre concurrencia. [A pesar de que el salón estaba casi literalmente vacío, Hector insistió en tocar en tarima esa noche y lo hizo, lo cual resultó ser su ultima presentación regular. Su presentación, sin embargo, fue interrumpida por los productores del evento cuando estos abruptamente dan órdenes al ingeniero de sonido a cargo del evento de apagar los micrófonos...] Sobrevivió milagrosamente (cayó sobre el techo de la cocina el primer piso, el cual tiene una cubierta de varias capas de foam y silicona, lo cual amortiguó la caída y probó ser la diferencia entre la vida y la muerte), pero Hector no sería el mismo luego de esto... y mucho menos sus cuerdas vocales, las que nunca se recuperarían del incidente. Para ayudar a pagar las cuentas médicas de Hector, Pacheco y Bobby Valentin organizan un magno concierto en Puerto Rico para recaudar fondos donde la Fania All-Stars sería el acto principal, así como orquestas como El Gran Combo, Camilo Azuquita (quien también participo como corista con la Fania esa noche), y Andy Montañez, entre muchos otros. En cuanto a la Fania All-Stars, la alineación que presentaron esa noche fue una reunión virtualmente